Aardvark. Humanos fuera de su habitat.

Texto: Edgar Lazarín

Aardvark significa oso hormiguero, un animal que en su hábitat natural succiona hormigas para alimentarse. El nombre como tal no tiene mucho que ver con la narrativa de la película, pero el director se encargó de explicar en conferencia de prensa que le interesaba explorar qué pasaría si un oso hormiguero fuera sacado de su ambiente y puesto en un estacionamiento.

Así son los personajes de Aardvark; Larry, un invidente y alcohólico en recuperación, y Darren, joven profesor de yuyitzu y fiestero empedernido; dos hombres solitarios y extraños a casi todo lo que les rodea. Cuando Larry comienza a tomar clases de yuyitzu con Darren hacen química de inmediato y comienza una amistad que parece completar a ambas partes, sin embargo, Darren muere debido a su “misteriosa” vida, al parecer, de asesino a sueldo, y Larry queda de nuevo solo, sintiéndose fuera de hábitat.

Kitao Sakurai, el director de este filme, nos concedió una entrevista después de la función. Sakurai nació en Japón pero desde muy joven vive en Cleveland, Ohio. Como sus personajes, parece un extranjero en cualquier parte. A continuación la entrevista completa:

LifeBoxset.com: Sobre su pasado y cómo acabó en el cine:

Kitao Sakurai: Nací en Japón y crecí en Cleveland, Ohio, mis padres trabajaban en el negocio de la música. Mi madre era una solista de laúd y mi padre hacía instrumentos, yo fui un niño actor  desde muy pequeño y así fue como entré al cine.

LB: Sobre la influencia de su pasado como actor en su cine:

KS: El poder de la actuación es impresionante y expresivo, creo que todo lo que he hecho después de ser actor todavía se relaciona a la idea de interpretar. Cuando llegué a Nueva York empecé a ser fotógrafo de cine y eventualmente la cinefotografía se conviritió en mi fuente de ingresos. Incluso en ese momento sentía que seguía siendo un actor y que era un intérprete de la imagen, más que un fotógrafo.

LB: Sobre cómo nació Aardvark:

KS: Yo estaba en Buenos Aires atendiendo al Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), veía películas con mi socio productor y de pronto vino esta idea a mi cabeza, la película vino completa a mí. Es rarísimo que algo así suceda, que concibas la película de principio a fin, entonces le conté la historia a mi socio y de inmediato decidimos hacerla. No necesitábamos mucho dinero y los intérpretes estaban dispuestos a hacerlo así que rápidamente decidimos levantar el proyecto.

LB: Sobre sus pretensiones como artista en esta película:

KS: Es un filme muy personal, no es acerca de mí pero sí proviene de mi entendimiento espiritual interno de lo que es una relación. Estoy fascinado por varias cuestiones de las relaciones humanas como por ejemplo, las relaciones físicas que tienen los hombres, la idea de no poder comprender por completo el mundo que te rodea o de estar perdido. Hay un montón de ideas que yo tenía en mente, pero más que nada creo que esta película es una proyección de mi interpretación o entendimiento de estos aspectos reales del mundo y tiene la intención de transformarlos en algo que se pueda ver. Creo que lo que quiero decir es que hay una realidad más grande que la vida que vivimos, y lo que intenté hacer fue ficcionar esta realidad para exponenciarla todavía más y así poder transmitir una cierta verdad sobre el mundo.

LB: Sobre el guión:

KS: La historia está basada en la vida real de Larry y Darren y en cómo se conocieron, yo conocía un poco de esa relación, pero después entrevisté más a fondo a Larry y supe más de su vida e incorporé toda esa información en la película. A partir de ahí escribí un documento de veinte páginas que funcionó como una especie de esquema. El documento incluía prosa, poesía e imágenes que formaron las bases en las que produjimos la película. Sabía qué tenía que filmar ciertas escenas pero dejé el proceso muy abierto para cuando estuviéramos filmando.

LB: Sobre sus influencias:

KS: Abbas Kiarostami es uno de mis cineastas favoritos, sus primeros trabajos son impresionantes. Su aproximación al usar gente real para interpretar a sus personajes es el modelo que yo utilizo, pero él lo hace de una manera posmoderna y orgánica y eso hace que se sienta muy natural. Me encanta Paul Schrader, American Gigolo es una de mis películas favoritas, la manera en la que trabaja con la masculinidad en las imágenes es increíble. Podría seguir mencionándote influencias pero para esta película no usamos ninguna referencia.

LB: Sobre su propuesta fílmica:

KS: Cuando filmábamos la película teníamos esta idea llamada “la cámara cayendo”, que contradecía un poco la teoría cinematográfica donde tienes que encontrar el ángulo perfecto que lo dice todo y que es hermoso; la belleza estricta nunca ha sido de gran interés para mí. Me gusta la idea de hacer las cosas caóticas y aleatorias, “la cámara está ahí sólo por que ahí está”. Jim Jarmusch tiene una anécdota de cuando filmaba Death Man con Robby Müller como fotógrafo, y cuenta que de pronto encontraban paisajes hermosos, y en vez de filmarlos volteaban la cámara ciento ochenta grados y hacían la escena en dirección opuesta a la vista espectacular. A mí me gusta esa idea, ver lo feo y lo aleatorio. Sin embargo, en el proceso de edición terminamos buscando una forma bastante clásica, casi hollywoodense y pienso que eso tampoco está mal.

LB: El elemento más importante en su película:

KS: Los personajes son el elemento más importante de la película, y la manera en la que se conciben. El hecho de que sean personas reales y que su historia es la que se está contando es lo trascendental.

LB: Sobre su método para dirigir “no actores”:

KS: Creo que lo más importante es que apoyes a tu gente. Cuando estás probando algo nuevo y las cosas no están saliendo bien debes ser comprensivo y no presionar a tus colaboradores, no solamente a los intérpretes, si no al resto del equipo. Nunca debes enojarte con alguien que está haciendo un trabajo creativo, es absurdo.

LB: Sobre los formatos de producción de la película y su opinión de las nuevas tecnologías:

KS: El soporte que usamos fue digital, pero usamos unos lentes anamórficos rusos que se hicieron en los setenta y por eso tenía ese look raro y específico. Creo que en este momento ya no hay mucha diferencia entre el video digital y la fotografía, ambos se ven muy bien, los dos son caros. Y no creo que haya una gran diferencia para hacer una película en términos del soporte, sea digital o no, costará mucho dinero.

Pueden ver Aardvark en la Cineteca Nacional el próximo domingo 5 de junio a las 18:00 hrs.

Distrital cine y otros mundos / Del 27 de mayo al 5 de junio
Sedes: Lumiere Reforma, Cineteca Nacional, Centro Cultural Bella Época-Cine Lido y CCU Tlatelolco
Cartelera: www.distrital.mx