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Reseña: Dirty Projectors & Björk – Mount Wittenberg Orca

Daniel Patlán — Tue, 13 Jul 2010 16:31:56 +0000

Texto: Daniel Patlán (@folkmetender)

Las redes sociales son una arma de doble filo: si bien es cierto que dan a conocer proyectos interesantes, música nueva y artistas emergentes, también ayuda a “inflar” demasiado a los artistas (lo que comunmente se le llama hype). En este caso el hype le pegó duro al EP en el que colaboran la excentrica islandesa Björk y el grupo Dirty Projectors.

Lo poco (o mucho) que sabíamos acerca de esta producción era que la idea surgió de una presentación que tuvieron juntos el año pasado Björk y Dirty Projectors, en la cual tocaron las canciones de Mount Wittenberg Orca, mismas que fueron compuestas por David Longstreth, frontman de Dirty Projectors, inspiradas en el Monte Wittenberg en California y las orcas que ahí vio. Hasta ahí todo iba muy bien.

El EP comienza con un track introductorio llamado “Ocean”, el cual bien podría ser la sesión de vocalización de las cantantes, sin embargo no pasa de ahí. “On and Ever Onward” continua con ese sonido de vocalización (muy al estilo de algunas piezas del disco Medulla de Björk) sólo que ahora sí canta la islandesa. Una canción corta y sin mucho chiste, muy plana. “When the World Comes to an End” por fin nos muestra el lado brillante de la moneda. Una canción mucho más armada y mejor compuesta que las anteriores. Hay guitarras, coros de mujeres (muy al estilo Múm) y percusiones. En este track no canta Björk.

“Beautiful Mother” nos recuerda de nuevo al sonido islandés de grupos como Múm y la misma Björk. Muchos juegos vocales acompañados con un beat de percusión. Voces femeninas sumamente delicadas y finas que logran dar ese toque cálido que nos remite al bosque y no a la nieve. Por fin, está pasando algo. “Sharing Orb” es más de lo mismo, coros femeninos y un poco de percusión. En esta canción, Björk demuestra por qué ha logrado tanto en su carrera. Este track es muy parecido al anterior, con la única (pero enorme) diferencia de que este sí tiene personalidad propia. Pareciera que el disco va de menos a más. La pieza mejor lograda hasta ahora sin duda es “Sharing Orb”.

“No Embrace” sigue siendo más de lo mismo pero, para estas instancias ya no sorprende y lejos de eso, aburre. La fórmula es muy sencilla: coros femeninos más percusiones, tambores y platillos más una voz que “guíe” todo lo anterior y listo. “All We Are” es el tema con el que termina este EP y sí, tiene la misma fórmula que las demás canciones pero logra lo que no logran todas las anteriores: saca una sonrisa en el rostro. Por fin suenan las voces de Björk y David Longstreth juntas, si todo el disco hubiera sido así, estariamos hablando de un gran EP, sin embargo, el hubiera no existe. La canción mejor estructurada, mejor compuesta y menos experimental en el sentido en que ahora no suena como si estuvieran jugando a ” a ver qué sale”.

Si tuviera que escoger me quedaba sólo con esta pieza y con “Sharing Orb”, los demás tracks son claramente de relleno. Como bien dijimos arriba, el proyecto “en papel” sonaba increíble, sin embargo, en la práctica dista mucho de serlo. Es un EP flojo, carente de propuesta y muy pretencioso. Desgraciadamente el hype nos falló.

Mejor canción: “All We Are”

Es la única pieza en la que comparten créditos en la voz Björk y David Longstreth (vocalista de Dirty Projectors), el el track más largo y mejor compuesto, con más idea de hacia dónde querían ir. Sin problemas podría pasar por single de la nueva producción de estudio de la islandesa.

Reseña: Foals – Total Life Forever

Daniel Patlán — Mon, 07 Jun 2010 03:12:19 +0000

Texto: Daniel Patlán

El grupo que puso al mundo de cabeza con el math-dance-rock de su disco debut Antidotes, nos presenta en este inicio de década su nueva placa, Total Life Forever.

“Blue Blood” es el tema abridor y es muy parecido a lo que les hemos escuchado, sin embargo, el segundo track, “Miami” es un homenaje claro a Robert Smith y a The Cure. La canción que da nombre a su disco, “Total Life Forever” vuelve a los sonidos matemáticos para la pista de baile, con una diferencia muy notoria a su ópera prima: madurez.

El segundo álbum de Foals es un disco maduro y muy bien planeado. Tiene sus ganchos para la pista de baile en “Blue Blood”, “Total Life Forever”, “Black Gold” o “This Orient”, primer sencillo del disco, y baladas como la grandiosa “Spanish Sahara”, “Miami”, “Alabaster” y “2 Trees”.

Después de “This Orient”, una de las canciones mejor logradas del disco, viene un interludio de 48 segundos llamado “Fugue”, el cual sirve de puente para “After Glow”, una pieza que empieza tranquila y va subiendo poco a poco hasta volverse una gran canción con ritmos combinados que hacen mover el pie hasta al menos bailador; por su parte “What Remains” es una épica canción que culmina uno de los mejores discos del primer semestre del año.

Mejor canción: “Miami” y “Spanish Sahara”

Ambas son baladas, ambas son piezas meticulosamente cuidadas e interpretadas. Ambas nos enseñan la nueva dirección que ha tomado Foals. Ambas son unas joyas.

Reseña: Sleigh Bells – Treats

Daniel Patlán — Mon, 07 Jun 2010 02:43:25 +0000

Texto: Daniel Patlán

El disco debut de este dúo compuesto por Derek Miller (ex Poison The Well) y Alexis Krauss (ex maestra de escuela) nos recibe con distorsiones, secuencias, ruido y estridencia, todo envuelto por una grabación sucia y como cereza del pastel, una dulce y melodiosa voz.

Sin necesidad de baterías orgánicas ni más instrumentos que guitarra, voces y secuencias, Sleigh Bells hace música inclasificable, con tintes de electroclash, drum&bass y eso sí, mucho, mucho guitarrazo. Canciones como ”Tell ‘Em”, “Kids”, “Riot Rythm” e “Infinity Guitars” nos recuerdan ligeramente a las distorsiones usadas por Oliver Ackermann de A Place To Bury Strangers, sin embargo, la mezcla que logran Miller y Krauss es única.

Sleigh Bells hace que el hip-hop suene a pop y que el punk sea tan accesible que hasta tu sobrinito de seis años lo podrá corear. “Rill Rill” es una dulce canción que podría haber sido compuesta por los Moldy Peaches pero tiene esa magia, ese toque que caracteriza la música de los oriundos de Brooklyn.

Los rebeldes sonidos creados por la guitarra de Miller que salen de las bocinas cuando se escucha el disco Treats de esta banda apadrinada por la siempre polémica M.I.A, combinados con la melodiosa y (a veces) desenfrenada voz de Krauss, hacen de este disco un must para el verano que está a la vuelta de la esquina.

Mejor canción: “Tell’Em”

Esta canción es la primera del disco, por ende es la bienvenida, el primer contacto con el mundo externo. Así mismo, es el track que ejemplifica a la perfección el sonido que ofrece Sleigh Bells: guitarras llenas de distorsión y fuzz, secuencias electrónicas y una voz carismática.

Reseña: Interpol – “Lights”

Christian Rojas — Thu, 29 Apr 2010 16:46:29 +0000

Texto: Christian Rojas

Bien, creo que es justo hablar de la nueva canción de Interpol, “Lights”, que tanto ruido recibió el día de ayer, Miércoles 29 de abril, justo despues de ser publicada por la misma banda en su sitio.

Interpol siempre ha sido uno de los grupos más ovacionados del rock, inclusive, uno de sus discos (Turn On the Bright Lights) es considerado por casi todos los medios como uno de los mejores que vio nacer la década pasada. Con este humilde título, las exigencias de los melómanos y fanáticos hacia la banda apuntan a lo más alto.

Personalmente, creo que las canciónes de más de 5 minutos de duración son un arma de dos filos; deben ser suficientemente buenas para no aburrirnos y “Lights” no brilla, precisamente, en este campo. Si bien la voz de Paul Banks nunca dejará de ser buena, en esta ocasión únicamente acompaña a los talentosos músicos Carlos Dengler, Sam Fogarino y Daniel Kessler a lo largo de una tediosa canción que sólo impresiona por su excelente calidad de grabación y producción.

Recuerdo cuando Interpol anticipó su álbum Our Love To Admire, en 2007, con la canción “Pioneer To The Falls” usándola para el épico comienzo de cada uno de sus conciertos en aquel entonces. Hoy, “Lights” está lejos de eso y, para colmo, culmina con un inevitable fade out. Falta el dinamismo entre Carlos D y Sam Fogarino, faltan los adornos sencillos de Daniel Kessler, falta mucho de Interpol.

Reseña: Deftones – Diamond Eyes

Christian Rojas — Thu, 22 Apr 2010 16:18:38 +0000

Texto: Christian Rojas

Hace aproximadamente 15 años, nació un género musical que pareció ser una mina de oro: el nu metal, género donde Chino Moreno, junto con tres compañeros más, depositó su enorme talento lo cual derivó en crear la banda que marcó una generación y hoy, sigue creciendo con ella. Deftones vió morir el nu metal y, desafiando el destino de todas las bandas agonizantes de la década pasada y antepasada, hoy es uno de los grupos de rock más respetados del mundo.

A 15 años de su primer disco (Adrenaline), han llegado a Diamond Eyes, el sexto de su carrera, el cual es un verdadero disco trágico; justo es ‘trágico’ ya que, después del accidente de Chi Cheng en noviembre de 2008, la banda detuvo todas las actividades relacionadas con el nuevo disco que, entonces, se llamaría Eros. En este punto, la banda parecía estar pendiendo de un hilo. El futuro de esta situación parecía ser muy obvio, es decir, no era bueno. Sin embargo, en algún momento Chino, Frank, Abe y Stephen se sentaron a pensar sobre esto y decidieron comenzar from scratch un nuevo disco para la banda y seguir adelante. El resultado: un disco crudo, sincero, de sólo un color y que Chino Moreno lo describe como “el mejor disco de su carrera”.

El disco empieza con la canción homónima y el estruendo de una guitarra que nos da la bienvenida y nos invita a seguir sus palabras que, sabiamente, dicen “de una vez y para siempre, el tiempo verá cómo nos realineamos”. Seguida de ésta, “Royal” es una de las canciones más enérgicas de la banda y, después, “CTRL/CMD” una de las más inteligentes. Ninguna carece de distorsión. Sigue “I’ve Seen The Butcher” y el disco comienza a estabilizarse para llegar a un punto flotante con “Beauty School” y “Prince”. Empieza “Rocket Skates” y es la canción con la que los Deftones se sienten de 20 años nuevamente. “Sextape” es la canción suave que abre camino a “Risk”, una canción sencilla pero dominada por un ritmo bien marcado. “976-EVIL” y “This Place Is Death”, con líneas similares, concluyen el disco a manera de dueto con (infinitas) ganas de más.

Parece ser que, con esta producción, los Deftones regresaron a sus principios y no en tiempo sino en estilo. Así suena Adrenaline, que bien es un disco compuesto de riff’s naturales con la base sencilla de un bajo siguiendo el paso de una batería dominante y poderosa sin tantos adornos. Diamond Eyes tiene canciones cortas pero ininterrumpidas. El disco tiene una continuidad misteriosa, justificada o accidental, escójanlo ustedes. Las distorciones no paran y el dinamismo constante de Chino Moreno no brillaba tanto desde hacía un par de discos.

Este no es el mejor disco de los Deftones pero es un comeback emocionante que los reivindica como el mejor grupo que sabe hacer rock furioso elegante y sin seguir tendencias o ser parte del cliché de una escena. Se mantendrán siempre en lo alto como los más elegantes.

Mejor cancion: “Royal”

Personalmente, creo que Chino Moreno siempre quiso componer una canción fielmente influida por Will Haven y (un poco) por Earth Crisis. No hay canción de Deftones que suene así, o simplemente que, desde su comienzo, quieras romper una ventana, aventar los puños al aire, estirar la garganta y terminar de rodillas en el suelo sudando la adrenalina comprimida en tan sólo tres minutos y medio.

Reseña: Autechre – Oversteps

Daniel Patlán — Tue, 06 Apr 2010 20:02:24 +0000

Texto: Daniel Paltán

¿Quién de ustedes ha pensando en cómo musicalizar sus más pervertidos sueños así como sus más granes anhelos? Aquí tienen el soundtrack perfecto para hacerlo, cortesía de Autechre y su última producción: Oversteps. Lo primero que vino a mi mente con los tracks de este disco fueron paisajes industriales, fábricas sucias y grises llenas de humo y aceite, así como situaciones de lo más surrealistas. Sin embargo, esa es mi percepción, en discos como Oversteps (y en general con la música de Autechre); la persona frente a las bocinas es quien decide a qué situaciones o paisajes le remite la música que está escuchando.

Si los tracks de este disco fueran parte de una compilación de scores y soundtracks de películas, todos lo creeríamos. El tema que abre el disco es “R ess” y tiene toda la escencia para musicalizar una escena de suspenso, terror y drama, mientras que “Ilanders” y “See on see” podrían ser parte de una película futurista en la cual nuestros héroes luchan a muerte con extraterrestres. “Known(1)” es un hip hop visionario como salido del Bronx, lleno de rabia y coraje. “Pt2ph8″ y “Qplay” nos llevan de vuelta al espacio exterior pero muy al estilo Kubrick y su obra 2001: Odisea del espacio. Dentro del mismo mood de la pieza con la que abre Oversteps encontramos a “Treale” bajando el tempo y la intensidad con sus sonidos calmados salidos de una película de guerra, justo cuando las bombas han devastado toda la ciudad y la ceniza flota por los aires.

Después de la calma regresa la rabia de Autechre con “Os Veix3″ y “D-sho Qub”, más hip hop instrumental furioso directo del barrio. “O=0″ sería la perfecta indicada para musicalizar un space-western lleno de imágenes esquizoides. Con “St Epreo”, Autechre nos muestra una mezcla de ritmo duros con bajos atascados, muy al estilo del dubstep pero con un poco más melodía. “Redfall” nos lleva en un viaje introspectivo hacia el centro de nosotros mismos, a través de nuestro flujo sanguíneo, desde el corazón hasta el cerebro.

“krYlon” es una preparación para el final, una pieza que inicia con beats desenfrenados y mucho noise que se convierte en una sinfonía majestuosa de casi seis minutos y medio. “Yuop” continúa la excelsa sinfonía de su predecesora, nos sabe a final, un tanto feliz un tanto amargo. Después del carrusel que fue este disco, Autechre nos regala dos joyas que en conjunto duran aproximadamente 16:25 minutos.

Mejor canción: “krYlon” y “Yuop”

Este caso es una excepción, ya que separar a estas dos piezas sería como separar a unos siameses. Estas piezas, con un díptico que logra transportarnos a lugares que nunca hubieramos imaginado, tienen magia y belleza por doquier en sus 6:25 y 9:58 respectivamente.

Reseña: Hot Chip – One Life Stand

Daniel Patlán — Tue, 23 Mar 2010 17:42:17 +0000

Texto: Daniel Patlán

Mi relación con Hot Chip es algo especial: por la danza de la realidad (como diría Alejandro Jodorowsky) conseguí boletos un día antes de su presentación en la Carpa Neumática del Hipódromo en noviembre del 2008, para ser exactos el miércoles 27. Al concierto asistí con dos mujeres (aplicando la Pancho Villa), una de ellas era mi prima y la otra mi actual novia. Dicho concierto fue crucial para que eso sucediera, es por ello que tengo mucho cariño hacia la banda creadora de éxitos como “Ready For The Floor” o “Boy From School”. Sin embargo, más allá de mis sentimientos nostálgicos, la objetividad está primero.

Su nuevo disco, One Life Stand, como era de esperarse es una producción madura y menos experimental que sus predecesoras, Hot Chip ya no mete sonidillos extraños ni juega tanto con sus sintetizadores. La pieza encargada de abrir es “Thieves In The Night”, una increíble mezcla hecha con gran maestría del sonido de sus álbumes anteriores, es la perfecta introducción para el nuevo material de estos ingleses.

Hot Chip tiene un pacto con el dancefloor, de eso no hay duda. A cambio de hacer fiestas llenas de color y baile, el dancefloor les da la capacidad para hacer canciones netamente bailables como la antes mencionada, “I Feel Better” con su sonido electro noventero, “One Life Stand” y su coro pegajoso (“I only want to be your one life stand..”), “We have Love” cuyo sonido es muy parecido a “Ready For The Floor” y para finalizar y cerrar esta producción, “Take It In” despide a los escuchas con un ritmo fino y delicado.

Ya es costumbre en los álbumes de Hot Chip que haya dos tipos de canciones: las amigables con la pista de baile y las que están hechas para las intimidad de una alcoba. En ese bemol, los tracks “Slush”, “Alley Cats” y “Keep Quiet” logran una atmósfera cercana a canciones como “In The Privacy Of Our Love” o “Whistle For Will”, ambas de su producción anterior, Made In The Dark.

Otro tema a resaltar es el hecho de que un gran número de canciones de One Life Stand están basadas o tienen como núcleo el amor, tema que fascina a Hot Chip y que está en constante tratamiento por parte de esta banda que esperamos regrese pronto a la ciudad de México.

Mejor canción: “Thieves In The Night”

Cual canción de rock progresivo, poco a poco van entrando las diferentes partes de la canción, logrando pasar los seis minutos de duración sin que aburra; incluso se dieron el lujo de tener un solo de guitarra en una canción netamente fiestera.

Reseña: Four Tet – There Is Love In You

Daniel Patlán — Fri, 19 Feb 2010 22:28:40 +0000

Texto: Diveke Piñón

Mientras Kieran Hebden descansaba a Four Tet, se dedicó a distintos proyectos; desde un EP llamado Ringer, hasta colaboraciones con Burial en el disco Moth/Wolf Club en 2009, que nos dejaron con un gran sabor de boca y con deseos de escuchar más. Todo esto ha hecho que su sonido evolucione sin dejar atrás ese tan característico sello de sus sampleos y melodías.

Después de cinco años de ausencia como Four Tet regresó con There Is Love In You: un disco de nueve temas (47 minutos) donde nos sigue demostrando su gran dominio en el IDM y dubstep. La influencia de su residencia en el club de Londres Plastic People es clara, temas más bailables y rítmicos, llenos de tintes minimalistas, un estilo ya característico de él.

En este disco, Four Tet utilizó una fórmula común en el género house: temas melodiosos que van subiendo de beat y velocidad poco a poco, lo cual ayuda a entender cada uno de ellos y el por qué de su acomodo. Sin embargo, esta fórmula había sido poco utilizada en sus discos anteriores, en los cuales estábamos acostumbrados a un acomodo mucho más complejo.

There Is Love In You comienza con “Angel Echoes”, una canción bañada de sampleos vocales (como es su costumbre), ahora con una solidez más marcada sin perder la esencia minimalista que lo ha caracterizado desde el principio. Conforme el disco avanza, éste se vuelve más serio, minimalista por algunos minutos, house en otros. Es corto pero honesto, sin temas que lo alarguen o le estorben. Para cuando llega la tercera canción, “Circling”, ya es imposible despegarte de él. Mientras que “Pablo’s Heart”, el cuarto tema, dura tan solo 12 segundos, haciendo alusión a los latidos del corazón; una grata sorpresa para un tema tan corto.

Posiblemente la canción más débil de este álbum sea “She Just loves To Fight”, un tema demasiado sutil para un disco tan energético, la cual se llega a sentir fuera de tiempo por un momento.

En general, el disco deja la sensación de una fórmula perfecta que se va desarrollando a lo largo de cada tema. There Is Love In You es un disco que debe tener cualquier persona que admire a Four Tet; para los que no estén tan familiarizados pueden recibir una grata sorpresa.

Mejor canción: “Sing”

Es la canción más bailable, la más melódica, con ritmos que rayan en el funk. En esta pieza es donde más claro se ve que es un dj de club, claro, sin dejar atrás su sonido clásico.

Reseña: These New Puritans – Hidden

Daniel Patlán — Fri, 12 Feb 2010 15:59:52 +0000

Texto: Daniel Patlán

Su canción “Elvis” estuvo en muchos mixtapes y playlists durante el año pasado. Su disco anterior y debut Beat Pyramid fue muy bien criticado y harto bailado. Su sonido complejo pero amable con la pista de baile los llevó a tocar en cuanta fiesta y festival hubo. Sus fans vestían tennis Nike Airforce, gafas obscuras de pasta, chamarras y playeras fluorescentes, así como cabelleras despeindas. Olviden todo lo anterior que leyeron. Olviden sobre todo la parte de la pista de baile y sus fans. Olviden que alguna vez escucharon una banda que tenía un sonido similar al de los Klaxons, aunque mucho más estudiado y trabajdo. Olvídenlo todo, menos el nombre de la banda: These New Puritans.

Hidden es el segundo trabajo de estos muchachos ingleses y es por mucho uno de los mejores discos que escucharán este año. Pocas bandas se atreven a cambiar tan radicalmente entre un disco y otro ya que esto puede ser contraproducente. A These New Puritans les valió. Decidieron sacar el disco más honesto, sincero y violento que pudieron haber hecho, en lugar de sacar un refrito de su debut, el cual hubiera sido un hit en ventas y fiestas. En Hidden encontrarán kilos y kilos de percusiones, tecados, capas de voces y sobre todo experimentación.

Al escuchar este disco uno podría pensar en gente de la talla de Björk o incluso en bandas como Portishead, esto se debe en gran parte a que la producción está sumamente cuidada y los arreglos son simplemente maravillosos. Sacándolo de contexto, este disco sería solamente un buen disco, uno muy propositivo, pero al contextualizarlo (esto es, compararlo con su antescesor) se convierte en una gran obra reflejada no sólo en la música, sino también en su arte. Una portada sobria, obscura y sombría.

These New Puritans llevó el significado de la palabra “renovación” a otras dimensiones y lo hicieron de una manera sencilla y honesta (a diferencia de sus compatriotas The Horrors, quienes fueron altamente cuestionados con la honestidad de su última placa): haciendo uso de ritmos tribales, mucha percusión, más teclados que antes, voces paranoicas y tomando prestados una gran cantidad de elementos del hip-hop. Altamente recomendable para escucharse con audífonos. Desde este segundo mes del año en turno se puede ver un futuro bastante prometedor para esta placa.

Mejor canción: “Drum Courts – Where Corals Lie”

Sin duda alguna esta pieza podría entrar en la categoría de math-rock. 6:14 llenos de baterías sincronizadas con los teclados en turno. Voces delicadas, casi salidas de un coro angelical. Un himno a la locura y el desasosiego.

Reseña: Cranes – Cranes

Christian Rojas — Thu, 11 Feb 2010 06:52:18 +0000

Texto: Andrés Ranz

Si lo extraño de lo cotidiano fuera lo más solicitado y, por ende, lo más pedido, esta pequeña joya sin duda entraría en las listas de popularidad inmediatamente con sus 11 éxitos, sintonizados de manera abrumadora en las frecuencias más escuchadas. Con delicados detalles y discretos obsequios transcurre el disco homónimo de la “no tan valorada” agrupación de Portsmouth, Inglaterra.

Basándose en la simpleza característica de su música, acompañada de una maduración plena y visible, reinventaron una vez más su propio género. El boleto de vuelta a aquellos ambientes escalofriantes que marcaron la etapa prematura es inconcebible por tratarse ya de otra corriente. Afortunadamente, el alucinante y oscuro mundo planteado de hace década y media (con su primer EP) sigue presente de forma vanguardista.

El muy apreciado contraste creado por la inconfundible tesitura de Alison (Shaw) ahora es más notorio desde un punto de vista positivo. Sin embargo (y por tratarse de un disco completamente constante), las líneas de voz suelen ser algo planas y monótonas. Eso puede traer como consecuencia una obra pasiva aunque en constante crecimiento, invitando al escucha a gozar de una meritoria prudencia que al fin del día dará frutos.

A lo largo de esta colorida ofrenda, dedicada a cualquier persona que en momentos de lucidez disfrutó de caminos obstaculizados, Cranes trazó el “panorama” halagador que toda banda y/o artista busca. Un panorama en donde los altibajos más considerables resultaron ser sólo indudables aciertos.

Mejor canción: “Feathers”

Es claro que todo gira alrededor del riff inicial en donde los elementos poco a poco confirman la austeridad que se prevé. Un ejemplo muy claro de un pop onírico y disfrutable en tiempos de constantes cambios atmosféricos.

Reseña: Natalia Lafourcade – “Hu Hu Hu”

Christian Rojas — Fri, 29 Jan 2010 15:40:23 +0000

Por: Andrés Ranz

Cualquiera que fuese el significado del título de esta obra, Hu Hu Hu, cumpliría con la función. Inevitablemente nos prepara para algo diferente, algo inusual. Podría tratarse de una simple exaltación o la más dulce y “sincera alegría escrita”.

No sólo encontraremos “Cursis Melodías”, sino que también profundas experiencias con relatos fantásticos. Pareciera como si la chica en cuestión hubiera vivido estos últimos años aislada en algún remoto parque de diversiones comiendo algodones de azúcar bañados en chocolate, conviviendo con seres que visten sus más preciadas y glamorosas botargas, adquiriendo nuevas emociones y frustraciones en algún juego mecánico moderno.

Intensas luces alumbraron a esta pequeña compositora ofreciéndole el rol de salvadora de la francamente mal rotulada escena Indie mexicana. Podremos escuchar suspiros de alivio y uno que otro frenesí controlado, logrando el balance perfecto a lo largo de deliciosas progresiones.

Destinada a cambiar cabezas cuadradas por corazones satisfechos, Natalia Lafourcade consiguió saciar su hambre y sed compartiendo así colores y matices a todo aquel interesado en descubrir un pop muy bien logrado. Será momento de enterrar los prejuicios y disfrutar de una de las más bellas creaciones nacionales de los últimos tiempos.

Mejor Canción: “Tiempo Al Viento”

Se trata ni más ni menos de una tonada anti-radio, un enorme pretexto para crear una balada en crescendo que al final se desvanezca. El uso de metáforas es muy recurrente en la prosa musical actual pero ¿en realidad es necesario? La afirmación la encontrarás aquí.

Reseña: Kupa – Pairat EP

Daniel Patlán — Tue, 26 Jan 2010 16:05:17 +0000

Texto: Daniel Patlán

Un amigo VJ me dijo una vez: “el dubstep no tiene futuro, es sólo una moda, no durará mucho tiempo más.” Él le apostaba más al IDM como género de música electrónica; sin embargo, recuerdo que también me dijo: “pero este vato sí está muy pesado”, refiriéndose al acto que veíamos en esos momentos: Kupa.

Kupa es un productor de dubstep que radica en la Ciudad de México y que junto con su netlabel, Nimbo, ha estado apoyando la escena electrónica de la ciudad. Ahora nos presenta un adelanto de su primera producción, un EP titulado Pairat, el cual resume bastante bien en cuatro canciones el dubstep que hace Kupa. Bajos tronadísimos, sonidos 8-bit salidos de un Nintendo o Atari, secuencias y progresiones que a volúmenes altos logran que el escucha se sienta como en otra galaxia o dimensión.

Así como el dubstep tiene la cadencia y el ritmo, también juega con sonidos ezquizoides que hacen que uno piense que se trata de algún experimento o de máquinas haciendo ruidos descomunales. Kupa logra hacer música de gran calidad, totalmente exportable y en vivo vale mucho la pena.

Mejor canción: “Lakitu”

El último track de este EP. Sencillo pero al mismo tiempo lleno de capas de sonidos. En este track, Kupa se pone experimental y deja un poco atrás la necesidad de poner a todos a bailar y moverse. Podría ser la balada del disco, tranquilo, experimental, progresivo y, sobre todo, introspectivo.

Reseña: Hong Kong Blood Opera – Not For The Faint Of Heart

Daniel Patlán — Wed, 20 Jan 2010 21:09:56 +0000

Texto: Daniel Patlán

¿Recuerdan aquella banda que ganó el primer Rockampeonato? Se llamaban Hong Kong Blood Opera, ¿no? No se me hace raro. ¿Recuerdan su EP que vendían en las tiendas de discos? ¿No? Tampoco se me hace raro. ¿Acaso los han visto en vivo? Bueno eso sí es más viable, ya que han estado en festivales y en foros como El Palacio de los Deportes, El Foro Alicia o El Imperial. Pero lo más importante de todo: ¿les gusta? ¿No? Eso es menos raro aún. En fin, a mí si me gustan y mucho. A continuación mis razones:

A) Requiere mucho esfuerzo ganar un concurso a nivel regional, pero requiere mucho más esfuerzo ganarlo a nivel nacional, es por ello que el mérito de que estos muchachos de Hermosillo, Sonora es muy grande y respetable. Muchos grupos suelen tener pánico escénico o se hacen chiquitos en un foro muy grande, pero no es así con HKBO. Lo mismo se entregan en un Palacio de los Deportes lleno, que en un Foro Alicia casi vacío, y claro, eso habla muy bien de su calida musical.

B) Su EP se escuchaba verde, falto de experiencia. Normal quizá en un disco debut de una novel banda. Su fuerte eran los “en vivo”. Ahora con su primer larga duración titulado Not For The Faint Of Heart y producido por Roy Cañedo (Thermo) suenan mucho más maduros, más amarrados y más enojados. Ahora están con la disquera Intolerancia y después de una gira por el viejo continente regresaron con un nuevo disco bajo el brazo. Y no es cualquier disco, sino uno de los discos más propositivos que han salido de la escena nacional.

C) Si ya están hartos de bandas de indie genérico o de escuchar reggaeton en todos lados, HKBO es la banda que están buscando. Suenan a The Locust, Maniqui Lazer (mucho menos que antes, con este disco lograron deshacerse de las comparaciones con esta banda de Mexicalli) y a los Blood Brothers. Suenan a la música que quieres escuchar cuando estás enojado, cuando quieres destrozar todo a tu paso. Son el sountrack perfecto para un buen mosh-pit, y sin duda son una banda que estará en la mira de todos este año, si no, es por que a Dios le gusta bailar reggaeton.

Mejor canción: “Cansei De Ser Gangsta”
Una linea de teclado llena de distorsión nos invita a acercarnos a la canción, uno puede pensar en la primera escucha que se trata de una canción disco, sin embargo, el riff de guitarra cambia las cosas hasta que entra la voz y deshace todo. No es la canción más ruidosa, al contrario, es bastante accesible para entrarle de lleno a este disco que vale la pena de principio a fin.

Reseña: Porcupine Tree – The Incident

Raúl Bustamante — Wed, 20 Jan 2010 16:58:55 +0000

Texto: Andrés Ranz

Si bien es cierto que la música progresiva actual es la excusa perfecta para ofrecer canciones de más de 10 minutos con atmósferas frágilmente definidas, solos de guitarra inexpresivos y largos, uno que otro loop y hasta sampleos extraídos de películas normalmente de culto; también hay que darle crédito a un personaje que lleva ya unos cuantos años en la industria y al menos una decena de discos editados con su banda Porcupine Tree, con la mira siempre puesta en la evolución, y si menciono el término “evolución” es debido a que a un sinfín de “propuestas” actuales les despreocupa el tema del avance sentimental preparando y cocinando todo de manera visceral para agradarle a las masas y tratar de no perder seguidores.

En esta entrega, Steven Wilson (fundador, líder, compositor, productor e ingeniero en audio de esta agrupación) nos denota una nostalgia halagadora y verdaderamente acogedora a la que prácticamente ninguna persona con vivencias entrañables se podría resistir. Pensando en diversos adjetivos, resumiría esta producción como un collage de sentimientos hilados aunque con cierta irregularidad y una no tan lineal composición. (No se trata de elaborar un disco supuestamente conceptual si en realidad las ideas difieren de manera irremediablemente injustificable la una de la otra).

Sin comparación alguna con los trabajos que forjó con su banda a finales de los noventas y principios de siglo, me cuesta trabajo aceptar que pretenda inmiscuirse en territorios ya ocupados por bandas de raíces “metaleras” con las cuales, a través de la admiración por ellas, ha colaborado de una u otra forma (lease como productor, creativo o simplemente como fanático tardío). Citaría como ejemplo la participación con los suecos Opeth, Meshuggah y los israelitas Orphaned Land. Esto como consecuencia nos presenta un producto que pudo haber creado cualquiera de las bandas antes mencionadas con un poco de “ayuda de la pretensión”.

Es cierto que a lo largo de la pieza única de aproximadamente una hora que define el disco 1 (absurdamente fragmentada en 14 pasajes) y lascuatro composiciones del segundo, hay momentos en verdad admirables que gozan de aquella grandeza que definió al músico que fuera nombrado en algún momento y por ciertas lenguas y publicaciones independientes “el Roger Waters de los Noventas”.

Ejemplos de la grandeza los encontramos en la esperanzada “Drawing A Line” y en “Flicker”, contenida en el disco 2, en donde podremos gozar de un compositor entero con armonías de voz simples, magistralmente estructuradas y acompañadas de acordes muy particulares que definieron su sonido desde hace ya unos años.

Mejor Canción: “Time Flies”
Con una duración de casi 12 minutos gozando de un interludio dulcemente alucinante de unos cuatro, Wilson y compañía nos ofrecen una nostálgica reflexión acerca de lo misterioso que suele ser el tiempo, las vivencias y recuerdos que al final nos deja el curso de la vida.

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Reseña: Xiu Xiu – Dear God, I Hate Myself

Daniel Patlán — Mon, 18 Jan 2010 22:50:00 +0000

Texto: Daniel Patlán

La plática de la mesa de al lado gira entorno a la música de fondo, unos aseguran que sí es, otros sólo lo especulan y unos pocos se quedan callados, escuchando la conversación. Aquellos que aseguran que es el nuevo disco de Antony & The Johnsons superan en número a los que dicen que es un nuevo proyecto (algo así como Hercules and Love Affair). La plática se intensifica, incluso entra la dinámica de la apuesta: ¡paga una ronda de tragos el que pierda! Sin embargo, los que se quedaron callados ahora reaccionan diciendo (con bastante seguridad, como si ellos sí supieran de quién se trata) que no es ninguno de los dos y que ni siquiera es Antony el que está cantando. Habiendo dicho lo anterior suben la apuesta: si no es ninguno de esos, ustedes pagan otros tragos y la cena. Hecho. Se acercan con el disc-jockey de esa noche y le preguntan acerca del disco que se está escuchando en esos momentos, el responde: es el nuevo de Xiu Xiu, se llama Dear God, I Hate Myself.

La voz de Jaime Stewart (fundador, compositor y único miembro que ha permanecido en la alineación desde el inicio) es muy (muy) parecida a la de Antony, razón por la cual se puede pensar que se trata de un disco de éste, pero en cuestiones musicales, son muy diferentes. Xiu Xiu hace una especie de pop melancólico y experimental, llegando a lugares tan inesperados como bizarros. La prueba más contundente es cómo de una canción alegre y accesible (“Chocolate Makes You Happy”) puede saltar a una canción llena de melodías estridentes que se mezclan con unas que bien pudieron salir de un ballet clásico (“Hyunhye’s Theme”).

En este nuevo disco participan también Ches Smith y Angela Seo (quien es nueva en la alineación). Pocos discos le hacen tanto honor a su nombre como éste, el cual funciona a la perfección como un todo, de principio a fin. Si yo quisiera decirle con un mixtape a Dios que me oído a mi mismo, sin duda haría una selección como la que compuso Stewart, con temas obscuros, melancólicos pero con tintes de humor negro, ácido. Logrando no sólo que uno le ponga atención a su voz sino que se enamoren de las texturas y de la gran cantidad de instrumentos usados en cada canción (por cierto, escucharlo con audífonos es algo único).

Si alguien me pidiera que le dijera a qué suena el disco más reciente de Xiu Xiu le diría lo siguiente: suena a la carta de suicidio de un enfermo de esquizofrenia que ha sido iluminado por primera vez y ha decidido morir para poder estar en paz.

Mejor canción: “The Fabrizio Palumbo Retaliation”

Una gran línea de piano se junta con la voz de Stewart para después dar paso a los demás instrumentos, entre los que se encuentran percusiones, sintetizadores, cajas de ritmo y uno que otro instrumento raro. La combinación de todo hace que suene a eso que nos gusta pero que nos da miedo.

Reseña: Delphic – Acolyte

Daniel Patlán — Fri, 08 Jan 2010 20:01:48 +0000

Texto: Daniel Patlán

Un amigo y compañero de LifeBoxset me recomendó el disco debut de la banda inglesa Delphic hace unos días. Nunca había escuchado hablar de ellos, así que me llamó aún más la atención y me puse a escuchar el disco con detenimiento (e intención de reseñarlo). He aquí el resultado de esa recomendación.

Si uno se queda con las primeras canciones del disco Acolyte puede decir que es una reversión de los Friendly Fires con los Midnight Juggernauts, y están en lo cierto. Si bien es un pop bailable bastante agradable y bien hecho, no es nada nuevo para nuestros oídos, sin embargo, eso es sólo la punta del iceberg. Es como una introducción en una película: quizá el inicio nos aburre, encontramos muchísimos lugares comúnes y estamos a punto de salirnos del cine (en este caso sería de quitar el disco); sin embargo oímos cosas interesantes que nos hacen detenernos y esperar algo mejor para nuestra fortuna, lo mejor está justo por iniciar. Una recompensa a la paciencia.

La segunda parte de este disco empieza justo después de “Red Lights”, la cual nos da una probadita de lo que estamos por escuchar: beats electrónicos bastante finos pero a la vez psicodélicos, canciones de más de cuatro minutos, algunos pasajes instrumentales que dejan a un lado la pista de baile para concentrarse en otra cosa. Lo mismo pasa con las siguientes canciones: la que nombra al disco “Acolyte”, “Halcyon”, “Submission”, y “Counterpoint”.

“Ephemeral” sirve como descanso, como puente para unir la última canción. “Remain” nuevamente de más de cinco minutos de duración, con la receta usada en todo el disco: beats movidos con pasajes psicodélicos y tranquilos. En general es un buen disco, muy bien logrado y finamente compuesto. Para su desgracia tiene que vivir con los fantasmas de bandas como las antes mencionadas, las cuales impiden ver este disco como algo nuevo.

Mejor Canción: “Acolyte”

Es la canción más larga del disco, apenas 15 segundos antes de los 9 minutos. Quizá la pieza más elaborada de todas, llena de pasajes, algunos up-tempo, otros más bajos, pero manteniendo un hilo conductor a lo largo de toda la pieza.

Reseña: The Flaming Lips with Stardeath and White Dwarfs – Doing The Dark Side Of The Moon

Daniel Patlán — Wed, 06 Jan 2010 19:32:45 +0000

Texto: Daniel Patlán

Hay grupos que se convierten en leyenda gracias a su música, sus presentaciones en vivo y toda la parafernalia alrededor de ellos. Son estos grupos a los que otorgamos la medalla de clásicos y son los clásicos los que fungen como influencia de las bandas noveles (casi todo guitarrista tocó “Stairway To Heaven” o “Enter Sandman”). Sin embargo, la mayoría de estas bandas no llega muy lejos, pocos son los casos exitosos. Ahora, ¿qué pasa cuando juntas a una nueva banda clásica interpretando un disco clásico de una gran banda clásica? La respuesta está justo delante de nuestros oídos.

Banda clásica: Pink Floyd. Disco clásico: Dark Side Of The Moonn. Nueva Banda Clásica: The Flaming Lips. Resultado: Una verdadera joya.

Los Flaming Lips decidieron hacer esta reinvensión del disco clásico de los ingleses Pink Floyd a raíz de una presentación que harían para despedir el 2009 en su natal Oklahoma. Para estas versiones contaron con la participación de Henry Rollins (actor, DJ de radio, artista del llamado spoken word y al que muchos ubicaran como vocalista de Black Flag) y Peaches, así como de la joven banda Stardeath and White Dwarfs, también de Oklahoma.

Escuchar “On The Run (con Henry Rollins)” seguida por “Time/Breathe (Reprise)” y “The Great Gig In The Sky (con Peaches & Henry Rollins)”, para después continuar con una alucinante y ácida versión con vocoder de “Money (con Henry Rollins)” y rematar con una versión espacialmente melancólica de “Us & Them (con Henry Rollins)”, es una excelente muestra del sello característico de la casa, cortesía los Flaming Lips: sonidos esquizofrénicos y psicodelia pura.

Otra canción que entra en la categoría de joya es “Brain Damage (con Henry Rollins)”, ahora a cargo de Stardeath & White Dwarfs. Es muy parecida a la original: sencilla, con algunos ruidos de fondo y dejando la psicodelia a un lado. El puente ideal entre el bloque esquizoide logrado por los Flaming Lips y la canción final “Ecliipse (con Henry Rollins)” ahora interpretada por un súper combo: la banda liderada por Wayne Coyne más Henry Rollins, más los apadrinados Stardeath and White Dwarfs. Increíble.

Nadie mejor que los Flaming Lips para hacer este tributo a Pink Floyd. Quedó como anillo al dedo. Excelso, mágico y sublime.

Reseña: Stereogum & Team9: Presents: MySplice 4

Daniel Patlán — Mon, 04 Jan 2010 22:29:34 +0000

Texto: Daniel Patlán

¿Se imaginan escuchar a Phoenix cantando “Love Song” de The Cure o a Bat For Lashes cantando “Riders in the Storm” de los Doors? O mejor aún, ¿a Taylor Swift cantando “With or Without You” de U2 y a Kings of Convenience cantando una canción de Girls? Pues todo lo anterior es posible gracias al conocido blog Stereogum.

Como se ha hecho costumbre, Stereogum produce con la ayuda del Team9 (quien relamente es Neil Mason, un productor australiano) desde el año 2006 una compilación de mash-ups (combinación de dos o más temas musicales, como en una especie de collage. Puede ser el fondo musical de una y las voces de otra) a la cual bautizaron como MySplice (sí, haciendo referencia a la conocida página MySpace).

En esta cuarta edición, la dupla nos presenta mash-ups tan ingeniosos y actuales que casi todo mundo puede descubrir las canciones presentadas. Artistas consagrados como Alan Parsons, The Cure, The Doors, Missy Elliot, U2, Rupert Holmex o Pixies se juntan con artistas contemporáneos como Kings of Convenience, Girls, Chromeo, Bat For Lashes, The XX, Animal Collective, Phoenix, Chairlift, Likke Li, Empire of the Sun o The Gossip, entre otros.

Y por si todo lo anteior fuera poco, el disco está para descarga gratuita en la página de Stereogum, donde también encontrarán las ediciones pasadas de esta compilación, a continuación el tracklist.

01. “Piña Horchata” (Vampire Weekend + Rupert Holmex)
02. “Twilight In The After Life” (YACHT + Lykke Li)
03. “Riders Sleep Alone” (The Doors + Bat For Lashes)
04. “Cross Eyed People” (Empire Of The Sun + The Gossip + BEP)
05. “Phoenix Get Cured” (Phoenix + The Cure)
06. “Crystalised In The Sky” (The XX + Alan Parsons)
07. “Missy’s Girls” (Animal Collective + Missy Elliot + Chairlift)
08. “Without A Love Story” (U2 + Taylor Swift)
09. “Chilled Monkey” (Neon Indian + Pixies)
10. “Grizzly Feeling” (Michale McDonald + REO Speedwagon)
11. “Girls Of Convenience” (Girls + Kings Of Convenience)
12. “22 Nights With Lily” (Chromeo + Lily Allen)
13. “Surprise Gift” (N.A.S.A. + Fool’s Gold)

Mejor canción: “Phoenix Get Cured”
Hecha con una gran maestría, unir a estas dos bandas no ha de haber sido nada fácil. La sorpresa al momento de escuchar cómo entra la voz de Phoenix sobre la pista de “Love Song” de The Cure es enorme.

Reseña: Yo La Tengo – Popular Songs

Daniel Patlán — Mon, 02 Nov 2009 20:07:04 +0000

Texto: Daniel Patlán

En una fiesta suena una canción que para muchos pasa desapercibida, pero un muchacho dentro de la concurrencia se sorprende por el buen gusto de esa canción y pregunta: “¿Quién toca esa canción?”- le pregunta a su amigo, el que está poniendo la música -. “Yo La Tengo” – contesta el amigo -. Sorprendido por la respuesta, nuestro personaje principal contesta: “¿Cómo, los que tocan ‘El es gay’ y ‘Pass The Hatchet’?” Su amigo le contesta: “Sí, ellos mismos.” Dicho lo anterior, nuestro héroe encuentra a su pareja de la noche y al ritmo de aquella canción se besan y se van de la fiesta.

Esa es una reacción común cuando se escucha el nuevo disco de este trío de Nueva Jersey. Hoy en día pocas bandas se preocupan por innovar, ya que las que se dicen innovar en su sonido y/o en su estilo, lo que realmente hacen es fusilar estilos y sonidos que descubrieron con sus bandas favoritas. Algunos meten atmósferas y sintetizadores, otros instrumentos de más, etc. Yo La Tengo es el ejemplo perfecto de una banda que sabe innovar sin hacerse los interesantes, los obscuros o los sufridos. Como prueba está su última placa titulada Popular Songs.

Pocos grupos pueden manejar tan bien el cambio de estilo como ellos, dentro de un mismo disco nos encontramos cortes de rock clásico, baladas, incluso hay un corte que coquetea muy dulcemente con el soul. Una de las virtudes de YLT es que en ningún momento suenan forzados, al contrario, se sienten bastante cómodos haciendo esos cambios de estilo de canción a canción.

El primer bloque de canciones (“Here To Fail”, “Avalon Or Someone Very Similar”) suena a rock clásico, rock sin más. Guitarras, bajos, baterias, voces, solos de guitarra, etc. Sin problemas podrían musicalizar la serie de Los Años Maravillosos con ese par de canciones. El tercer track es “By Two’s”, una balada pop (si es que se le puede llamar así) en la cual la voz de Georgia Hubley suena muy bien y prepara el terreno para lo que sigue. “Nothing To Hide” conserva ese halo de rock clásico, de guitarras con distorsión, suena a California en los años 70, al surf, a las playas. Me recuerda a la película de “Blow” de Johny Deep, justo en la parte de las escenas californianas.

El siguiente bloque de dos canciones (“Periodically Triple Or Double” e “If It’s True”) bien pudieron haber salido de una recopilación de soundtracks. La primera coquetea con el soul clásico de las películas de Tarantino (sobre todo Jackie Brown), una línea de bajo que seduce al escucha a la primera oída. La segunda, de un estilo completamente diferente a la primera, es una gran canción pop; violines bien utilizados se combinan con un juego vocal de hombre-mujer para lograra un gran resultado. “I’m On My Way” puedo verla musicalizando la escena de fin de temporada de alguna de las series de moda, sin problema. Una linda balada, que hace que los tracks anteriores del disco parezcan de una banda completamente diferente. La misma sensación causa “When It’s Dark”. De nuevo nos recetan una balada (no tan bien hecha ni lograda como la anterior). Con el siguiente track se esperaba de vuelta el rock clásico, pero al parecer eso de las baladas les gustó. “All Your Secrets” es mejor canción que la anterior, lo cual está bien, pero hace que nos hartemos de las baladas en el disco, lo cual está mal, ya que es una linda canción con órganos y un toque medio campirano.

“More Stars Then There Are In Heaven” podría ser un claro homenaje a My Bloody Valentine. Parece que YLT le apostó a las canciones tranquilas, las cuales maneja con igual maestría que las que llevan distorsión y beats más rapidos. Por si fuera poco, YLT decide cerrar con la prima de “Pass The Hatchet”, una canción de 16 minutos llamada “And The Glitter Is Gone”, distorsión pura, llena de delays y locura la máximo. Suena a lo mejor de Yo La Tengo en vivo.

En resumen, este disco es bastante ecléctico, quitando una canción (“When It’s Dark”), el disco es increible, hasta parece un Gratest Hits. Sin duda entrará al top ten de muchos blogs/revistas/estaciones de radio. Un gran, gran disco.

Mejor canción: The Freeside

Un viaje alicinante que nos hace olvidar el disco e incluso el grupo que estamos escuchando. La canción más “rara” del disco. La más pensada, la más geek, la más llegadora, en fin, adjetivos para describirla faltan. 11 minutos con 25 segundos.

Reseña: Amusement Parks on Fire – Young Fight EP

Raúl Bustamante — Thu, 08 Oct 2009 20:19:36 +0000

Texto: Mauricio Barrón

Grabar música cada vez se ha convertido en un arte mucho más sencillo. La escena electrónica ha visto nacer a muchos de sus nuevos genios creativos operando desde la comodidad de sus habitaciones con sólo una computadora, algunos controladores y mucha creatividad. El rock por otro lado, sigue siendo cuestión de más de una persona. Pocas veces escuchamos de (buenas) bandas de sólo un integrante. Tal vez tenga que ver con la energía que se requiere para hacer música más “pasional” como el rock. Como toda regla, existe una excepción, o tal vez varias, en esta ocasión nos referiremos a la historia de un músico que a sus 21 años decidió grabar su música tocando todos los instrumentos y con la única ayuda de un amigo en la producción.

Amusement Parks On Fire (o APOF para hacerlo más práctico) nació en la cabeza de Michael Feerick, un joven de Nottigham, Inglaterra, que en 2004 decidió grabar las nueve canciones que tenía compuestas. No buscó formar una banda ni tener gran distribución o éxito. La música que hacía no era precisamente el estilo más comercial, más bien una mezcla de shoegaze con post-rock llena de matices característicos de ambos géneros. Feerick simplemente quería dejar testimonio de aquello que había creado.

La vida, como siempre caprichosa, hizo llegar esta grabación a oídos de Geoff Barrow, guitarrista de Portishead quien, asombrado por el talento del músico, decidió editar su álbum en su disquera INVADA records en 2005. No hubo regrabaciones, simplemente se masterizó el trabajo de Feerick y se lanzó al mercado inglés en una edición bastante modesta. Con el sello de aprobación de Barrow y la expectativa de ver su acto en vivo, Feerick reunió a un grupo de amigos para tocar sus canciones en vivo, Amusement Parks On Fire como banda había nacido oficialmente.

Para el segundo álbum, y con un nuevo contrato ahora con la disquera V2 Records, APOF grabó su segundo trabajo buscando que mostrara su sonido como una banda sólida y con expertos en cada instrumento. Este segundo álbum titulado Out of the Angeles del 2006, fue grabado en el estudio Sundlaugin de nada menos que Sigur Rós. En este trabajo el sonido y calidad de las interpretaciones evolucionaron: arreglos más complejos, canciones en tiempos más elaborados y la influencia de la banda Islandesa en algunos pasajes instrumentales y arreglos de cuerdas, complementando el sonido que Feerick había elaborado ya en su primer álbum.

Han pasado tres años desde el lanzamiento de este trabajo y la banda ha desarrollado ya el estatus de banda de culto, con un sequito de fanáticos entre los que se cuentan a bandas como Silversun Pickups y Psychedelic Furs. APOF regresa con un nuevo EP: Young Fight. El disco está compuesto por dos temas inéditos (“In our Eyes” y “Young Fight”) junto con otros tres temas antes disponibles solamente en sencillos que la banda lanzó entre 2006 y 2007.

La evolución es evidente. Los elementos siguen ahí pero, tal vez conscientes del tiempo limitado que da un EP, deciden entrar de lleno a lo suyo mostrando todas las facetas de APOF, incluso algunas nuevas. “In our Eyes”, canción con la que abre el EP, es un tema que rompe con los pasajes largos en los que se creaba un ambiente para introducir cada canción. Este es un APOF que deja muestra de la energía y buen momento por el que pasa. Un tema lleno de guitarras distorsionadas, una línea rítmica muy sólida que sigue toda la canción y vocales etéreas características de la banda hacen de este uno de los temas más cortos y fáciles de digerir de la banda. El EP continúa con un par de temas de sencillos anteriores donde podemos notar el contraste con el nuevo trabajo. “Motown Ritual” es la cara ruidosa de la banda mientras que “The Day it Snowed” presenta una cara más cruda de la banda. Aquí no hay baterías ni distorsiones, sólo encontramos guitarras acústicas, arreglos con cuerdas, incluso aves cantando, y junto con las suaves líneas vocales, hacen de este un tema mucho más melancólico que lo que escuchamos al principio del EP. Casi para cerrar este trabajo, de solo 28 minutos, encontramos el segundo tema nuevo: “Young Fight”. El tema inicia con cuerdas, más guitarras acústicas, una línea de batería, bajo y teclados más suaves, junto con la voz de Feerick en un estado de completa calma, casi letárgico. La canción evoluciona y va adquiriendo el sello de la casa: guitarras distorsionadas que empiezan a aparecer sutilmente hasta convertirse en el elemento principal cerca del final de la canción. Durante los últimos casi dos minutos el tema se convierte, finalmente, en los pasajes de ruido en armonía que nos acostumbra regalar la banda, un caos controlado que termina en un lugar totalmente distinto a donde inició y da paso perfecto al último tema: “Alafoss Exit” (alusivo al hogar del estudio de Sigur Rós). Este tema lleva las guitarras distorsionadas a convertirse en un coro angelical que da punto final al disco.

Este EP es una excelente puerta de entrada a todas las personas nuevas a la banda. Canciones más fáciles de digerir que sus trabajos completos y lo suficientemente variadas para mostrar amplio espectro sonoro de la banda. Es un perfecto aperitivo para conocer su discografía completa y esperar el tercer álbum de estudio que, tentativamente, será lanzado en la primavera de 2010 con el “original” título Out of the Angeles 2.

Mejor canción: Of The Collapssing Light/Alafoss Exit

Sublime, sencillamente sublime. La última pieza de este ep está hecha para que el escucha sienta algo más allá, algo más que no puede escuchar en las demás canciones de este disco. Es el ingrediente que le da el sabor a la receta.

Reseña: A Place to Bury Strangers – Exploding Head

Raúl Bustamante — Wed, 07 Oct 2009 21:53:21 +0000

Texto: Mauricio Barrón

Sábado en la noche. Tus amigos y tú deciden ir a un nuevo lugar a escuchar algunas bandas locales, ninguna muy conocida. Al entrar, el lugar es un pequeño bar descuidado, nada excéntrico, donde el escenario es muy pequeño y la interacción entre la banda y la gente es constante. Al entrar escuchas rock a todo volumen, nada que te sorprenda. Te acercas a la barra y pides una cerveza. La banda que escuchabas termina y ahora es el turno de los locales. Los rumores cuentan que esta banda fabrica sus propios pedales para guitarra y bajo en ese mismo lugar. Son sólo tres integrantes y al verlos subir al escenario no crees que puedan hacer nada extraordinario.

Sigues platicando con tus amigos. De pronto tu voz se pierde en el ruido, tus oídos empiezan a gritar, el sonido que escuchas no puede estar saliendo de esos amplificadores… ¿Dónde está el resto de la banda?, ¿qué demonios es ese ruido?, y ¿qué quieren lograr tocando tan fuerte? No tienes opción más que poner atención al pequeño escenario donde las luces estroboscópicas sólo permiten distinguir siluetas. Frente a toda esa masa de ruido escuchas la voz, a veces dulce y otras suave pero siempre oscura y mezclada entre todo el ruido. De pronto el ruido tiene sentido, tus pies no dejan de seguir el ritmo. No es un ritmo complicado, es directo y con mucha fuerza, sin miramientos. Revisas el flyer para ver quiénes son.

La leyenda de la banda más ruidosa de Nueva York nació en un pequeño club en Brooklyn: el Death by Audio. A Place to Bury Strangers fue llamando la atención poco a poco entre la escena neoyorkina. El ruido era insoportable pero la música era tan buena que no podías dejar de verlos. La banda conformada por Oliver Ackermann, Jay Space y Jono Mofo inició con algunos shows en el área de Nueva York y una compilación de sus primeras grabaciones. Este primer álbum, homónimo y en un principio hecho totalmente por ellos, llamó la atención de todo el mundo, desde clubes que los invitaban a tocar por todo Estados Unidos; Trent Reznor, quien decidió invitarlos a abrir algunas fechas de la gira de NIN, hasta su participación en el afamado festival ATP en el Reino Unido.

Algunas giras, adulación, tapones para el oído y mucho pero mucho ruido después, regresa la llamada banda “más ruidosa de NY” con una segunda producción que es la perfecta continuación de sus primeros esfuerzos. Todos los elementos básicos están ahí: una especie de noise-pop donde las guitarras juegan un papel primordial creando atmósferas con una voz oscura inmersa entre el ruido que lleva al escucha en un recorrido de 43 minutos. Exploding Head es un disco completo en toda la extensión del término. Hay una gran dinámica entre sus temas, desde canciones que suenan al rock que Joy Division inmortalizara, ruido como el que nos presentaba The Jesus and Mary Chain en su Psychocandy, o montañas y barreras de ruido como las que creaba My Bloody Valentine en You Made Me Realise, todo sin perder la cohesión que te hace saber que se trata de la misma banda todo el tiempo. Con “It Is Nothing” la banda se presenta en su estado más animado, con baterías aceleradas, un bajo que establece la base de todo lo que hará la guitarra para crear atmósferas sobre las que la voz navega suavemente. El primer respiro viene con “Lost Feeling”, tercer track del álbum donde la banda toca lo que en su mundo sería una especie de balada, letras a veces cursis “I’m Dying to Meet You, I’m Dying to See You, I’m Dying to Hold You…” pero un sonido sacado de las profundidades del más olvidado club de Nueva York, las guitarras siguen ahí, el bajo y la batería te llevan por lo que suena a una mente retorcida sin quitar esa sensación de agresividad.

Mejor canción: I Lived my Life to Stand in the Shadow of your Heart

Es un tema rápido, directo, con un bajo distorsionado a tope, una línea rítmica que cambia mucho sin perder absolutamente nada de energía durante toda la canción y una sensación pop con ruido, como si la chica linda de la fiesta se volviera mala por un momento, y con un final que suena a que tu cabeza finalmente exploto. Exploding Head probablemente sea uno de los mejores discos del año.

Reseña: Mew – No More Stories Are Told Today…

Daniel Patlán — Thu, 24 Sep 2009 14:46:50 +0000

Texto: Daniel Patlán

Ignoro si el término “Stadium Pop” (o pop de estadio) existe, así como hay “Stadium Rock”, pero en caso de existir, sin duda Mew sería unos de los exponentes más fuertes, y con su última placa de estudio, No More Stories Are Told Today I’m Sorry, They Washed Away, No More Stories, The World Is Grey, I’m Tired, Let’s Wash Away lo reafirman. Así como Muse, Mew tiene muchos elementos que nos hacen recordar a la agrupación de Freddy Mercury. Si bien son menos evidentes que la primera banda mencionada, Mew sin problema alguno podría llenar un estadio, pero al mismo tiempo mantienen una calidez que pocas bandas ofrecen, por lo cual entiendo perfecto que en lugar de estadios, los venues que llena esta banda danesa sean mas bien pequeños.

Como bien lo mencionamos en la entrevista con ellos, sus canciones tiene estructuras complejas, con capas y capas de instrumentos y sonidos, lo cual hace que no sea tan accesible su música, digamos que entran en la categoría de música difícil de digerir a la primera. Lo cual quiere decir que quizás a mucha gente no le guste este disco o lo encuentren aburrido. Nada más alejado de la realidad, meterse de lleno en un disco como éste implica descubrir no sólo las letras sino la maravillosa manera en que cada capa se va entretejiendo para crear piezas de una altísima calidad y complejidad como “Beach”, “Silas the Magic Car”, “Cartoons and Macreme Wounds” o “Hawaii”. Claro que no siempre Mew es complicado, tienen un par de canciones que bien podrían entrar en la categoría de indie rock: “Introduce Palace Players” y “Repeater Beater”.

Sin embargo, la canción que se lleva las palmas y la ovación de pie es la última: “Reprise”. Una larga introducción orquestada por sintetizadores, cuerdas, guitarra, bajo y batería, nos va lentamente introduciendo al clímax de la canción, que es justo en el momento en que entra la voz acompañada de una guitarra con delay. Empieza la calma. De ahí en adelante todo es calma y tranquilidad pero con un toque obscuro que provoca una sensación muy rara en el escucha, como de paz pero con ciertas mariposas en el estómago.

En segundo lugar está la antes mencionada “Silas the Magic Car”. Una obra de arte. Con arreglos muy finos y cuidados, así como una voz sumamente melancólica. Esta canción podría representar todo el disco. Si alguien me dijera que le enseñara una canción del disco para ver si lo compra o no, sin duda le enseñaría ésta. No se necesita mucho para poder crear canciones épicas, y con esta canción Mew nos lo demuestra. Imagino que en vivo esta pieza puede causar mucho más que lágrimas.

El único punto en contra para este disco son los “Intermezzo” e “Intermezzo 1″. Básicamente son pequeñas piezas instrumentales que sirven como separación dentro del disco, pero yo no les veo mucho el caso. Por todo lo demás, este disco es una verdadera joya. Muy buena mñusica, sin pretención mayor que la de hacer buena música.

Reseña: Crippled Black Phoenix – 200 Tons Of Bad Luck

Daniel Patlán — Mon, 21 Sep 2009 21:57:30 +0000

Texto: Daniel Patlán

En ciudades como la nuestra (Distrito Federal), es muy complicado tomarse el tiempo para apreciar algo. Detenerse más de dos minutos parece algo impensable, a menos claro que estés atorado en el tránsito o esperando a que la luz verde te de el paso. Todo esto no es algo gratuito, es debido a varios factores: la sobrepoblación, la sobreexposición de medios, la contaminación visual causada por anuncios espectaculares, la prisa con que vivimos, la gran cantidad de autos que hay en las calles, el tiempo que tardamos en llegar a nuestro destino generalmente es demasiado, etc… etc. Lo ideal sería que mínimo una vez al día nos dieramos un tiempo para detenernos a mirar y observar con detenimiento algo, o ponerle atención sólo a una cosa, leer, ver nuestro programa favorito, escuchar un disco, etc. 200 Tons Of Bad Luck es él disco indicado para ello.

Hoy en día, las canciones no duran mas de cinco minutos, una canción arriba de ese rango es un exceso, es por ello que el nuevo álbum de Crippled Black Phoenix, colectivo fomado por miembros de Mogwai, Iron Monkey, Gonga, Electric Wizard, entre otros, es una cálida invitación a relajarse y escuchar, ya que la canción más larga de este disco dura 18:37 minutos. Por momentos CBP nos hace recordar a Godspeed You! Black Emperor, sobre todo en los tracks de nombre “Time of Ye Life/Born for Nothing/Paranoid Arm of Narcoleptic Empire” y “444″, ya que incluyen la voz de un hombre dando una clase de discurso a sí mismo.

Si tuviera que ponerle algun género a este disco sería post-rock, ya que son canciones instrumentales, con pasajes llenos de distorsión así como otros mucho más lentos, que más que música parecen sonidos provenientes de la Tierra. Las canciones tienen nombres como “Rise Up and Fight” (quizá la canción más “normal” del disco), “Wendigo”, “Crossing the Bar” (que bien podría ser ese punto de la noche en que sabes que bebiste demasiado y ya no es divertido, ya nada tiene sentido y en lugar de reir, lloras), “Whissendine”, “A Hymn for a Lost Soul”, “A Lack of Common Sense” y “I am Free. Today I Perished” (siendo esta la indicada para terminar la sesión de calma que se necesita para sobrevivr en una ciudad agitada). Si el fin del mundo tuviera un soundtrack, yo postularía el 200 Tons Of Bad Luck.

Reseña: The Dead Weather – Horehound

Daniel Patlán — Tue, 01 Sep 2009 18:19:02 +0000

Texto: Daniel Patlán

Sin temor a equivocarme, estamos frente a uno de los mejores discos del año, pero no sólo eso, sino frente a la mejor banda “nueva” del año, lo pongo entre comillas por que si bien la banda es nueva, sus integrantes llevan toda una vida en esto de la música, no son ningunos novatos: Jack White (White Stripes, The Raconteurs) en las voces y la batería, Alison Mosshart aka VV (The Kills), Dean Fertita (Queens Of The Stone Age) y Jack Lawrence (The Greenhornes, The Raconteurs). Esta súper alineación lleva por nombre de batalla: The Dead Weather, y este año nos presentan su debut llamado Horehound.

A lo largo de las 11 canciones que integran esta placa, The Dead Weather logra lo que Jack White ha querido desde siempre: hacer un disco completo de blues-rock pantanoso, como salido de un viejo tocadiscos de acetatos. Este disco me hace sentir como en medio de un pantano, sentado en alguna parte, con unos jeans llenos de mugre, escuchando el disco de la banda de algun amigo mio. Es increible la capacidad que tiene para transportarnos a otro lugar y a otra época.

Canciones como “Hang You From The Heavens” y “I Cut Like A Buffalo” abren el disco de manera espectacular, dando cátedra de cómo se debe tocar el blues-rock hoy en día, además de enseñar a las “nuevas bandas” cómo se hace rock and roll verdadero y puro. A continuación, un par de tracks más confirman que The Dead Weather tiene maestría en hacer canciones de rock and roll puro, seguro si hubieran existido hace 40 años, hubieran sido parte del cartel de Woodstock.

Uno de los tracks más interesantes es “3 Birds”, esto por que es instrumental, que sin perder el estilo que hasta ahorita caracteriza a The Dead Weather, logran una gran pieza digna de musicalizar alguna escena de suspenso de Hitchcock. Con “Will There Be Enough Water?”, nuestros héroes se despiden de una manera sublime, cordial, amistosa y a la vez fria y calculadora. Una “balada” que cae como anillo al dedo después de una buena dosis de rock and roll puro y bruto, como debe de ser.

Repito, uno de los mejores discos y sorpresas del año, esperamos con ansia su presentación en el José Cuervo Salón, esperando que toda esa dosis de buena música la demuestren en vivo. Haciéndole honor a la tapa de su disco, The Dead Weather nos presenta un álbum sumamente obscuro, pero que afortunadamente, no suena a Joy Division, sino a cosas mucho más viejas, maneja esa obscuridad que da miedo, no melancolía.

Reseña: The Most Serene Republic – …And The Ever Expansing Universe

Daniel Patlán — Thu, 13 Aug 2009 21:20:29 +0000

Aún cuando su sonido es muy parecido a otras bandas de Canadá y del mundo en general (como, por ejemplo, I’m From Barcelona o Stars), The Most Serene Republic (cuyo nombre dicho por locutores de Universal Estéreo, quienes siempre traducen todo, es: La República Más Serena) maneja un pop que sólo se me ocurre definirlo como ácido y nos lo demuestran es su última producción llamada …And The Ever Expanding Universe.

Al decir que tocan un pop ácido, me refiero a que no suena al pop feliz de I’m From Barcelona, ni al rock pop de Stars, pero tampoco suena al gypsy-pop-rock de Akron/Family ni al pop de Architecture in Helsinki, es una mezcla rara de muchos instrumentos que juntos, hacen que te sientas como en un viaje de LSD. Por lo menos la primera parte del disco, que va desde el track abridor, “Bubble Reputation”, el cual abre con mucha energía, como si literalmente nos mandaran a un universo expandiendose, hasta el track instrumental “Patternicity”, pasando por varios de los tracks mejor hechos de esta producción: “Heavens To Purgatory”, “The Old Forever New Things” y “All Of One Is The Other”.

Hay algo en la música de The Most Serene Republic que la hace complicada, está tan elaborada y tiene tantas capas de instrumentos que no logra cuajar del todo, aún cuando están muy bien ejecutadas y compuestas las canciones, suena demasiado complejo. Incluso llega a ser confuso, pues falta ese toque de simplicidad y sencillez que quizá harían que todo fluyera mejor. Un disco con menos canciones, aunque 11 canciones no son muchas, algo tiene este disco que hace que esa cantidad sea mucho, parece un disco mucho más largo.

Otra de las mejores canciones de este disco es “No One Likes A Nihilist”, con la cual se despiden deseándonos lo mejor. Así como serenidad para afrontar nuestros días. …And The Ever Expanding Universe puede llegar a ser un disco difícil de digerir, pero eso sí, una vez que se ha digerido del todo, es un bello disco, lleno de melodías y matices comparadas con una paleta de colores de Photoshop, sin duda es un disco que vale mucho la pensa escuchar.

El 20 de agosto será la fiesta de lanzamiento por parte de Arts & Crafts México, más información aquí.

Reseña: Pele – A Scuttled Bender in a Watery Closet

Daniel Patlán — Tue, 28 Jul 2009 21:05:35 +0000

Hoy en día hay que tener mucha imaginación para hacer música, ya que seguramente la gente dirá “eso ya lo escuché antes” o “suena a…”, y la música instrumental no se salva de dicho problema. Día con día, nuevas bandas de post-rock aparecen en la escena, de las cuales, muy pocas tienen algo nuevo que ofrecer. Y si a esas nuevas bandas le sumamos las que ya existían desde hace tiempo, entonces la oferta es gigante. Desgraciadamente, no todos conocen a las bandas pioneras en dicho género, razón por la cual, no se les da el lugar que se merecen. Pele es una de ellas, y este año nos presentan su nueva placa titulada: A Sculted Bender in a Watery Closet.

Su útima producción había sido un split ep en el año 2004 con la banda instrumental Toe, así que después de cinco años, Pele regresa con un disco doble que va a poner a temblar a todas esas bandas que quieren imitar su sonido. Este disco no es de música nueva, es un disco doble de lados b y rarezas, na compilación de material que había salido como edición limitada, muy difícil de encontrar. “Es una celebración de 7 años, 13 releases, experimentación y locura llamado Pele” esto dice en la página de Polyvinyl Records, su disquera.

Hay un par de tracks que valen todo el disco: “Apiary” de 23 minutos y 8 segundos y “Women Lifting Men” de un poco más de 7 minutos. No se si poner a “Apiary” como segunda canción en el disco haya sido buena o mala elección, tiene de ambas: buena porque sirve como carta de presentación, además de que termina de abrir de una manera excelsa el disco; mala porque no puedes escuchar igual las demás canciones, pues las expectativas suben demasiado. Las emociones que esta canción logra despertar en el escucha son tales, que si pusiéramos toda nuestra concentración en la pieza y lográramos no poner atención a lo que sucede a nuestro alrededor, sin duda alguna, esta pieza podría llevarnos a cualquier lugar que nosotros quisieramos ir, o vivir cualquier cosa que quisieramos vivir.

Otra de las grandes canciones de este album es “Hagoo”, en la cual podemos apreciar el uso del rock matemático de diferente manera: creando texturas. Algo muy interesante de este disco de Pele es la manera en que logran jugar con ritmos, estilos y tiempos. En una canción que aparentemente será una clásica canción de post-rock, entran guitarras acústicas con riffs matemáticos impecables. Raras veces vemos a una banda de math-rock que logre crear melodías dotadas de sentimientos, generalmente la gente asocia al rock matemático con caos, ruido, precisión y ritmos a destiempo y virtuosismo. Pele maneja todo eso, pero aparte le agrega la parte “humana” a las matemáticas, le quita lo racional y le pone pasión. Eso hace que este disco tenga corazón, pasión, emociones y sentimientos, pero con un toque de racionalización, caos, precisión y exactitud.

Además de los tracks hechos para este disco, hay unos remixes que hacen a bandas como la antes mencionada Toe, Salvo Beta y Sangatsu, así como otros a canciones de la banda. También trae un libro de 24 páginas con fotos de toda la historia de Pele, un tour diary e información sobre las canciones, tiene todo el catálogo de rarezas que la banda sacó en su historia, de 1998 al 2004 y está limitado a 2000 copias.

No es un disco facil, cuesta trabajo entrarle y agarrarle la onda. Se requiere paciencia y mucho tiempo libre para poder tomarse la calma de escuchar canción por canción, sin prisa, sin distracciones, para poder apreciar todo lo que Pele nos ofrece en esta placa. Muy recomendable para esos momentos de instrospección o (una vez que se ha escuchado varias veces sin distracciones) como música de fondo para leer, dormir o incluso soportar el tránsito de esta ciudad.

Reseña: The Mars Volta – Ochtahedron

Daniel Patlán — Fri, 24 Jul 2009 18:45:42 +0000

Hay dos factores muy importantes en este disco que hacen que suene diferente. Uno, que Adrian Terrazas (sección de vientos: saxofón, flauta, etc.) y Paul Hinojos (manipulador de sonidos) no están presentes en este disco. No me malinterpreten, me gusta cómo suenan y los arreglos que hacen, sin embargo, es interesante ver cómo los han dejado a un lado para este larga duración. Y dos, es el disco de The Mars Volta más obscuro que he escuchado desde Frances The Mute. Algo para resaltar es la cantidad de canciones que hay en el disco, ocho. Un número razonable y disfrutable de canciones.

Esta obscuridad se puede sentir en las canciones que nos hacen recordar las declaraciones de Omar Rodriguez-Lopez y Cedric Bixler Zavala cuando hablaron de Ochtaedron, pues dijeron que este disco sería más acústico y melódico. Justo en esas canciones acústicas podemos observar el lado más obscuro de esta banda. “Since We’ve Been Wrong”, “Halo of Nembutals”, “With Twilight As My Guide”, “Copernicus” y “Luciforms”.

Claro, no podían faltar aquellas canciones en las que el duo Bixler Zavala/Rodriguez-Lopez regresan a lo que tanto les gusta: el rock proresivo y estridente que les caracteriza. Se nota que la práctica hace al maestro, y después de tantas giras y tantos discos en relativamente poco tiempo, The Mars Volta ha logrado perfeccionar su sonido al mismo tiempo que se sienten muy cómodos haciendo lo que hacen, sin innovar. Hasta este disco, las últimas dos producciones sonaban exactamente igual, es por eso que este disco me gusta más que los dos anteriores.

“Cotopaxi”, primer sencillo de esta producción, es quizás la mejor canción después de las antes citadas. Suena a un The Mars Volta mucho más maduro, pero sin perder el espíritu de sus inicios. El orden de las canciones no le hace justicia a “Teflon”, ya que, al ser la número 2 y estar después de “Since We’ve Been Wrong”, hace que no le pongamos la atención que se merece, sobre todo a las guitarras del verso, en donde Rodriguez-Lopez nos demuestra que no todo en sus composiciones es virtuosismo.

Pero sin duda, la canción que se lleva las palmas es el último track, “Luciforms”. Obscuro desde el nombre, con duración de 8 minutos y 21 segundos y con una introducción casi imperceptible que más bien sirve de preparación para que entre la voz, para poder dar paso a los demás instrumentos de una manera tan sutil que pasa desapercibida, estás escuchando a una banda fresca renovada, sobria, sin tantos arreglos y adornos. Como buena canción de rock progresivo, las partes que la componen se entrelazan para terminar como una gran explosión. Fin.

Tal parece que la fiebre de Omar Rodriguez-Lopez por sacar una cantidad enorme de discos por año se ha vuelto también modus operandi en The Mars Volta, sólo esperamos que todo tenga la misma calidad y nivel ya que, desraciadamente, no todo lo que saca su guitarrista es bueno.

Reseña: Julian Plenti – Julian Plenti is…Skyscraper

Daniel Patlán — Tue, 21 Jul 2009 02:34:55 +0000

Además de ser un edificio extremadamente alto, Skyscraper es la ópera prima como solista de Paul Banks, quien decidió sacar este disco con un pseudónimo: Julian Plenti. ¿La razón? Sólo él la sabe, aunque ese es el nombre que usaba antes de ser miembro de Interpol. Algunas de las canciones que nos presenta existen desde que Paul Banks vivía en la Ciudad de México y tomaba clases en el Colegio Americano, y ahora con el boom de los discos solistas, Banks aprovechó para sacar a la luz esta colección de 11 elegantes canciones.

Plenti nos da la bienvenida con una canción que dice: “You will make it, but only if you run”, y aunque tiene ciertos guiños con su banda Interpol (sobre todo la batería y ciertos riffs de guitarra), sabemos que no lo es. Suena diferente, lo cual se agradece hoy en día, ya que Banks no tuvo que recurrir a la ya clásica guitarra acústica para hacer algo interesante. La alineación que acompaña a Banks es la de un grupo tradicional de rock: guitarras, bajo, batería y un plus, teclados. Nada fuera de lo ordinario.

“Fun That We Have” nos hace dudar un poco sobre la afirmación anterior, ya que ésta sí podría ser un demo perdido de Interpol. Por otro lado, “Skyscraper” logra con el uso de guitarra acústica, cuerdas, percusiones, pianos y algunas campanillas en el fondo, así como cierto reverb en la voz, que la melancolía a la que nos tiene acostumbrados Banks se haga presente de una manera elegante. Ahora volvemos a un lugar común, “Games For Days” también nos recuerda a lo que Banks hace con sus compañeros en Interpol, sobre todo suena a alguna maqueta que no entró en la última producción de esta banda.

Al parecer a Plenti le gusta jugar, pues “Madrid Song” de nuevo tiene pianos, cuerdas, voz con reverb y esa obscuridad de la cual dota Banks a la mayoría de sus composiciones. Ahora nos ofrece lo que parece ser su lado más amable y menos obscuro en “No Chance Survival”, a pesar del título, todo pareciera indicar que quiere alejarse de ese estigma de obscuridad que lo persigue, y al parecer lo iba a lograr, hasta que a mitad de la canción aparecen las cuerdas y la cadencia de la canción lo traiciona. “Unwind” nos deja con una duda: ¿es broma o en verdad Banks pensó que estaba padre, o “chistosito”? Un coqueteo descarado con el new wave pero mal hecho, unos sintetizadores que bien pudieron salir de un Casio hace tres décadas. Esta canción debió de haberse quedado en el cajón donde Banks guarda todos sus recuerdos.

Ahora de nuevo Banks juega con nosotros haciendo una bella pieza con el sello de la casa: elegancia y melancolía: “Girl On The Sporting News” y por primera vez en el disco, hay dos bellas canciones juntas, pues de la mano llega “On The Esplanade” a poner orden, en lo que parece ser la mejor canción de este disco, sobre todo por el sentimiento que deja en el escucha. Cuando pensamos que podría seguir otra joya, llega “Fly As You Might”, que si bien tiene grandes momentos, no termina de convencer; por momentos suena a Interpol, por momentos a Julian Plenti, esa es la constante de este disco, el cual termina de buena forma con “H”, el último track.

El primer disco de Paul Banks bajo el nombre de Julian Plenti no es malo, sólo es un disco en el cual se nota lo complicado que puede ser dejar de lado lo que haces en tus otras bandas, y más complicado aún, si la disquera que saca el disco es la misma que sacó el debut de Interpol: Matador Records.

Reseña: Sad Breakfast – Sad Breakfast

Daniel Patlán — Thu, 16 Jul 2009 21:08:00 +0000

Aproximadamente 10 años tuvieron que pasar para que Sad Breakfast hiciera su mejor disco. Sin hacer menos a sus anteriores producciones, este disco homónimo es mucho mejor en cuanto a producción y composición que sus antecesores. Se nota el cambio de alineación (salió el bajista original, Hugo Martinez y entró Christian Guijosa, vocalista y guitarrista de Hummersqueal). También es notable la música que estuvieron escuchando en este tiempo, la cual los influenció (quizás demasiado) al momento de componer este nuevo álbum.

Su disco anterior se tituló The Time To Come Back y estaba dividido en dos Ep’s. Dicho álbum fue grabado en el año 2003, razón por la cual, después de seis años, era lógico un cambio musicalmente hablando, pues seguir tocando lo que hacían antes sería hasta cierto punto una traición. Los que hemos visto a Sad Breakfast en vivo en los últimos dos años, hemos notado la evolución de ciertas canciones que integran este disco, ya que algunas eran parte de su setlist en sus conciertos, los cuales, se caracterizan por la energía que ponen los tres músicos sobre el escenario y que ha logrado que todo el mes de octubre se vayan de gira al viejo continente, con fechas en Inglaterra, España, Alemania y Francia, entre otros países.

Sad Breakfast siempre me ha parecido una banda poco valorada, pues hace mejor las cosas que muchas bandas de la “escena” que tienen mayor exposición y mayor apoyo. Han sabido jugar y lo han hecho muy bien, sin embargo, su principal debilidad es hacer demasiado homenaje a sus bandas favoritas, léase Pelican, Melvins o Isis, entre otras, que si bien lo hacen a su manera, tienen momentos en que nos encontramos con muchos lugares comunes dentro del disco, cosa que puede ser lógico si tomamos en cuenta que la mezcla y la masterización corrió a cargo de Matt Bayles, quien ha trabajado con bandas como Mastodon e Isis.

“El disco homónimo de Sad Breakfast no es un disco de metal, pero sí uno de rock pesado.” Eso es lo que han dicho ellos mismos y con lo cual estoy de acuerdo. Desgraciadamente para ellos, este disco llega en un momento en el que la escena mexicana está llena de grupos que tocan post-rock o rock instrumental con alti-bajos, distorsiones, delays, partes tranquilas seguidas de partes ruidosas, haciendo que este disco, el cual está muy bien realizado, ejecutado y producido, no reciba la atención que se merece. En pocas palabras, llegó un poco tarde.

Reseña: Sunn O))) – Monoliths & Dimensions

Daniel Patlán — Wed, 17 Jun 2009 15:27:03 +0000

Se pueden decir muchas cosas (o ninguna) sobre Sunn O))): que son una genialidad o que apestan, que su música es demasiado pretensiosa o que suena a tal o cual banda, que no tiene mayor ciencia o que es demasiado complicado hacer lo que ellos hacen, y así una larga lista de etcéteras. Lo cierto es que Sunn O))) es una gran banda, muy buena en lo que hace y que ha sabido moverse para tener cierta aceptación dentro del llamado mainstream, sin perder la escencia, los valores, los ideales y el propósito por el cual iniciaron. En pocas palabras, han logrado entrar al mainstream sin “venderse”.

Su nueva producción se titula “Monoliths & Dimensions”, y tiene solamente 4 canciones, pero no hace falta más ya que la de menor duración es de casi 10 minutos y la más larga de 17 minutos y medio, y dentro de estas 4 canciones, Sunn O))) logra crear una atmósfera totalmente tétrica, repugnante y escalofriante al mismo tiempo. Guitarras y bajos afinados en Do, la ausencia de cualquier tipo de percusión, y la voz grave, malévola e inentendible crean dichas atmósferas.

“Aghartha” es la elejida para iniciar un viaje que bien podría ser al centro de la Tierra, al mismísimo inframundo, un viaje que no sabemos si es de ida y vuelta o solo de ida. La imponente voz nos da la bienvenida y nos recibe en su morada. Por más extraño que parezca, el recibimiento incluye un coro cuasi angelical en “Big Church”, afortunadamente, este es solo momentáneo, casi efímero. Regresan las grandes cantidades de distorsión y de terror, pero ahora mezclados con ese coro que creímos que era broma. Tal parece que por más que “el bien” intente hacer algo, ya es demasiado tarde, “el mal” se ha apoderado de nosotros y se llama Sunn O))). Al final de la canción se escuchan los lamentos del coro angelical, saben que han perdido la batalla.

Habiendo recuperado fuerzas tras la batalla, “Hunting & Gatgering (Cydonia)” es una cacería por el bosque más obscuro, en donde las copas de los árboles no dejan pasar ni el destello más pequeño de sol. Nos hace pensar en ese lugar al que Muse ya nos había invitado, Cydonia, debe de ser un lugar mágico. Unos sonidos que parecen interpretados por la banda de guerra de dicho lugar se hacen presentes para advertirnos que una batalla más se avecina. El gran jefe se prepara para dicha batalla, todo esta listo.

Su nombre era “Alice”, y es a quuien va dedicada la última canción, y también la culpable de todas las batallas habidas y por haber. Ahora entendemos, lo que antes era temor ahora es nostalgia llevada a tal extremo y a tal tristeza que hizo que todo se volviera negro (como la portada del disco). “Alice” era su nombre y, ahora en vano, intenta recuperarla, piensa que todo es una tragedia. Romeo y Julieta se quedaron distantes, muy lejos. En momentos como este es cuando te das cuenta de que en verdad no era miedo, era una sensación inmensamente fría de vacío. Nuevamente las cuerdas nos lo recuerdan. Dentro del mar de distorsión, la belleza de las cuerdas hace que la sombra se vaya para dar paso al vacío. Tristeza y nada más que tristeza es lo que deja esta canción, después de que por un momento pensamos que “el mal” se apoderaría de nosotros, nos dimos cuenta de que en verdad no era “el mal”, era la soledad.

La curiosidad por saber qué pasará después, hace que la idea de apretar el botón de siguiente sea imposible, siempre esperando a ser sorprendido. La recompensa en muy grande al final.

Reseña: Sonic Youth – The Eternal

Daniel Patlán — Wed, 10 Jun 2009 20:19:48 +0000

Nota: la siguiente afirmación puede mal interpretarse como fanatísmo cuasi religioso, rayando en el fundamentalismo y podría ser ofensiva para el público. Habiendo dicho lo anterior, empezaré mi reseña. (Ofrezco una disculpa por la extensión de esta reseña)

Es imposible que Sonic Youth haga un mal disco. Todos los que los conocemos sabemos a qué suenan, sabemos qué música tocan, incluso sabemos sus ases bajo la manga. Después de tantos años ya nos aprendimos la fórmula secreta y podríamos decir que sabemos exactamente a qué sonará un disco nuevo de Sonic Youth. Lo interesante siempre radica en el factor sopresa. ¿Qué tanta distorsión tendrán sus canciones esta vez o cómo le harán para sonar un poquito menos a Sonic Youth? ¿Qué tan pop serán las canciones del nuevo álbum?. Todas estas preguntas se vieron contestadas en cuanto salió el disco número 19 en la carrera de estos muchachos de Nueva York: The Eternal.

Después de mucho tiempo con la disquera Geffen, The Eternal es el primer disco que publican con su nueva disquera, el legengario sello Matador Records, y también es su primer disco con el bajista de Pavement, Mark Ibold. Al parecer tantos cambios han hecho que Sonic Youth regrese a lo que solía hacer, suenan mucho más punk a comparación de sus 2 discos anteriores (Sonic Nurse y Rather Ripped). Ahora las distorsiones suenan más y mejores, las voces de Kim Gordon, Thurston Moore y Lee Ranaldo suenan bastante bien y la batería de Steve Shelley suena con una increible exactitud.

El disco comienza con una poderosa canción que apenas alcanza los 2 minutos de duración, guitarras, bajo y batería totalmente decididos a atrapar a quien lo escucha desde los primero acordes. Con una Kim Gordon que mas que cantar parece reclamar algo. Se trata de “Sacred Trickster”, además sirve como puente para la que sigue, “Anti-Orgasm”, con una duración de 6 minutos en la cual Gordon y Moore comparten crédito en las voces, de nuevo las guitarras suenan a Sonic Youth y su hermosa distorsión, hemos recibido 2 buenas sacudidas que hacen que la espera por las siguientes canciones sea cada vez más ansiosa. La que sigue es “Leaky Lifeboat (For Gregory Corso)”, otra gran prueba de cómo se deben hacer las buenas canciones, sirve de puente para una de las mejores canciones del disco, “Antenna”, el uso de delays sumado a la distorsión y todos los demás elementos Sonic Youtheanos en esta canción hace que a uno se le ponga la piel chinita (sobre todo las primeras 2 veces que la escuchas), además posee un ritmo, podría decirse, totalmente sensual (ya se que las palabras Sonic Youth y totalmente sensual en una misma oración suena raro, pero así lo es). Los pasajes instrumentales de esta canción (y del disco en general) son increíbles, me hacen recordar el disco de rarezas y lados b, The Destroyed Room.

“What We Know” es una canción que canta Lee Ranaldo, y que compite firmemente por el título de canción del disco. La sección rítmica hipnotiza al escucha de una manera espectacular, las guitarras llegan a suavizar el terreno para que la voz de Ranaldo se infiltre de manera incosnciente en el cerebro. Además escuchamos unos solos de guitarra clásicos de Sonic Youth que producen muchas sonrisas. En “Calming The Snake” la sección rítmica de nuevo se lleva las palmas, pero definitivamente lo que hay que resaltar es la voz de Kim Gordon. “Posion Arrow” nos regersa a los mejores tiempos de esta banda, el principio de la canción, cien por ciento instrumental, hace maravillas en nuestra cabeza. “Malibu Gas Station” tiene otra increíble introducción instrumental, con delays y reverb. De nuevo regresan a sus raíces y nos regalan esta canción.

“Thunderclap (For Bobby Pyn)” y “No Way” son buenas canciones, bien pudieron haberse escapado del Rather Ripped. “Walkin Blue” suena obscura, una faceta que explora poco en general Sonic Youth. “Massage The History” es la canción con la que termina el disco, dura casi 10 minutos y es definitivamente una joya, de principio a fin. Pasajes instrumentales de ensueño, e incluso se escucha una guitarra acústica. Unas voces que suenan desgarradoramente obscuras, llenas de melancolía y de un sentimiento que no se puede explicar. Es, sin duda, la mejor canción del disco, en la que más arriesgan. Prima hermana de las canciones del disco de rarezas antes citado. Una belleza de pies a cabeza. Kim Gordon no tiene idea del poder que su voz ejerce sobre quien la escucha. Todo el disco es una preparación para este grand finale. Tan bueno como el final de la película Old Boy de Park-Chan-wook.

Reseña: Moderat – Moderat

Christian Rojas — Tue, 02 Jun 2009 05:13:41 +0000

Todos queremos explorar más allá de lo conocido y concebido por la mente. Todos queremos emprender un viaje en el que nuestros sentidos exploten y todo nuestro potencial emocional y creativo se altere para percibir nuevas ideas. Un lugar en donde todo sea nuevo y seguro.

La idea radica en asimilar la combinación de dos entidades inicialmente no compatibles. Quizá Modeselektor y Apparat tienen en común amigos, artistas similares o más elementos superficiales. La realidad es otra, Walls (Apparat, 2007) podría bien ser de otra época y Happy Birthday! (Modeselektor, 2007) de otra cultura. Pero llega el año 2009 y se reúnen para dar a luz a su segunda producción de manera homónima y descubren la fuerza bruta que pueden generar las tres mentes que conforman el micro colectivo.

Tienen capacidad hipnótica con “A New Error”, ofrecen un viaje galáctico a la velocidad de la luz y en el soundtrack de este mismo incluyen temas como “Rusty Nails” y “Seamonkey” (que bien están unidas accidentalmente y la decadencia de la primera es rescatada por una luz de esperanza emanada por la segunda). Dubstep, IDM, glitch, quizá un poco de techno y ambient se mezclan en 48 minutos. Cada ingrediente es finamente seleccionado y tiene que estar en su punto.

La primer parte del disco es clara y distante. Es sorpresivamente digerible. Pero no dura mucho, llega “3 Minutes of Nasty Silence” (inteligentemente divida en dos canciones para agregar suspenso y provocar ansias) y el disco se ve a sí mismo a punto de la colisión que hará que todo se separe y se desvanezca poco a poco entre nostalgia y agresión.

“No. 22″ destroza el disco y a quien escucha la canción. Es una persecusión lenta. La energía recorre todo el cuerpo y lo deja agotado, ya no queda más que pensar o esperar, sólo la esperanza de ser revivido. “Out Of Sight” es un ángel en la voz de Sascha Ring y este es el momento en el que el disco pierde toda velocidad e inercia. Toda la agresión no tuvo intensión de existir, sólo es una visita a los espacios vulnerables e inestables dentro de tres mentes alemanas que será necesaria realizar más de una vez.

Reseña: Kromestar – My Sound

Christian Rojas — Tue, 02 Jun 2009 03:17:53 +0000

La tradición de todos los productores de música electrónica se repite una y otra vez. Es necesario el auto-conocimiento a través de algunos EP’s, colaboraciones y singles para que después, cuando el momento sea el indicado, finalmente publiquen una obra que a veces tiene menos impacto que sus producciones más tempranas. Kromestar, productor del dubstep más elegante, aterriza frente a todos nosotros con modestia y estilo desde algún mundo en donde no hay altibajos ni arranques de adrenalina, solo sencillez, talento y constancia. Ausencia de color.

My Sound, producción más reciente de Kromestar, se aleja de cualquier palabra sinónima de pretención. Al contrario, tiene un sonido claro y fácilmente definido. Sus sonidos son lentos, largos, nítidos y dominan en todo el disco a través de capas constantes que podrían aburrir y matar del aburrimiento. Esto último no es malo, ya que su perfecta constancia invita a disfrutar de los delicados y preciosos sonidos minimalistas que contiene el álbum y que adornan las líneas estremecedoras de bajos. Es esta constancia de Kromestar (en su disco My Sound) la que lo aleja de cualquier artista apegado a la tradición que mencioné.

Sus temas aparentan ser continuación de todos; los colores son los mismos, el sentimiendo de penumbra y la ambientación oscura permanece y nunca es más intensa ni demasiada tenue. La calidad de sus sonidos lo es todo y tienen la completa finalidad de deleitar con toda suavidad y lujuria los oídos.

En pocas palabras, todo aparenta que Kromestar se sentó con mucha calma a componer un disco muy egoísta y admirable, digno de ser escuchado en completa soledad y oscuridad. No me aventuro a decir que es el mejor álbum de dubstep que va de los últimos meses, podría atreverme a escucharlo tantas veces hasta exprimirlo y agotarlo siempre de manera solitaria. Únicamente adquieran unos audífonos que soporten un rango de frecuencias considerablemente alto y, por supuesto, que logren la perfección en la nitidez.

Reseña: Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix

Daniel Patlán — Mon, 01 Jun 2009 22:05:35 +0000

¿Por qué nombrar un disco así? Es como ponerle al nuevo disco de los Strokes, Ludwing Van Strokes. No encuentro el caso de nombrar un buen disco con el nombre de un gran compositor de música clásica. Por otro lado, la mezcla perfecta entre el disco Alphabetical y su tercer disco It`s Never Been Like That se llama “Wolfgang Amadeus Phoenix” y es la nueva producción que nos presenta esta banda oriunda de Francia. Phoenix mezcla perfectamente los ritmos divertidos y un poco más electrónicos del primer disco antes mencionado, con el sonido pop-guitarroso de su anterior disco. Retomaron los sintetizadores pero les quitaron el parecido a Air y, en lugar de eso, metieron más fuerza en las guitarras y baterías, incluso la voz suena mejor que antes.

“Lisztomania” es la canción que se encarga de inaugurar el disco garantizando y buen comienzo. Unos finos redobles de batería nos dan la bienvenida, mientras Thomas Mars canta con su característica voz pero arriesgandola un poco más. El coro tiene un arreglo interesante, dejando solo al teclado, para que despúes se incorporen todos los instrumentos restantes. El final resulta más interesante, un pequeño puente nos lleva al coro y es todo, la que sigue. “1901″ fue el primer sencillo que salió de esta producción, el inicio nos remite al disco Alphabetical, ya que empieza con sintetizadores y una base rítmica constante, la cual domina durante toda la canción. “Fences” regresa a aquellos tiempos en que Phoenix empezaba a crear el sonido que tienen el día de hoy, un sonido con ritmos para mover el cuerpo con cadencia y sensualidad.

Gradualmente y después de 3 canciones, la siguiente llega para calmar el ímpetu. “Love Like a Sunset” es una canción de 7 minutos con 38 segundos, llena de texturas creadas por sintetizadores, teclados y guitarras. Un claro homenaje a Air se escucha de las notas que salen a traves de las bocinas del reproductor de música. Si existiera el término pop-progresivo, seguramente esta canción entraría en él. Unos tintes de new wave se dejan ver a lo lejos. Phoenix sin duda ha madurado desde los tiempos en que su canción “Too Young” apareció en el soundtrack de la película Lost In Translation. Cerca del minuto 5 con 21 segundos, la canción tiene un giro de 360 grados, entra una guitarra acústica junto con unos sintetizadores y la voz. Parece una canción completamente diferente. Con “Lasso” regresamos a lo que nos enseñaron en los primeros tracks de este disco. Pop rock inteligente bien hecho y muy ligero, sin embargo, “Rome” es una canción que bien pudo haber entrado en su penúltima larga duración, “It’s Never Been Like That”.

“Countdown (Sick for The Big Sun)” tiene un coro que dice: “We`re sick, sick, sick, sick, sick for the big sun” y si a esto le sumamos que coquetea fuertemente por momentos con arreglos que podrían ser de Camera Obscura, refuerza la idea de que en verdad estan enfermos por el gran sol, suena como si estuvieran cantando en el countryside francés. Siguiendo, “Girlfriend” parece la segunda parte de “Lisztomania”, la batería suena muy similar, tiene redobles que gustan por su sencillez y su gran exactitud. Ahora, “Armistice” es una gran canción, dispuesta a cerrar con todo este disco de solo 9 canciones, no hacen falta más para que Phoenix nos enseñe cómo han madurado y cómo cada vez van mejorando su sonido. Únicamente, el nombre del disco, pudieron haber tenido uno mucho mejor, un nombre que represente el sonido del álbum y su razón de ser, en fin, es solo una opinión.

Reseña: Wavves – Wavves

Mauricio Barrón — Sun, 31 May 2009 22:56:56 +0000

A veces uno sólo tiene ganas de perder el control. El trafico que desquicia. La novia que no deja de gritar. La escuela o el trabajo son un dolor de cabeza pidiendo que hagas cosas que a nadie le importan. Simplemente dan ganas de explotar, de mandar todo al carajo e irse de fiesta, a una gran fiesta, una fiesta loca en donde todos están a punto de estallar, con patinetas, tablas de surf, mucho alcohol, muchas chicas, muchos amigos y un verdadero frenezí de diversión justo mientras afuera el mundo está llegando a su fin.

A eso suena Wavves en su primer disco. La banda originaria de California nos presenta su primer trabajo editado con el sello Fat Possum. Wavves es musica con mucha energía, muy sucia y con un sonido que parece haberse grabado directo al boombox ochentero de tu hermano en el garage mientras tú y tus amigos tocan a todo volumen sus instrumentos. Todo, desde las voces hasta la batería, suena distorsionado. Así es que, si eres un puritano de las producciones limpias y de alta calidad, este disco puede convertirse en tu peor pesadilla. La música de Wavves utiliza este recurso como un elemento más en su trabajo, su música tal vez carecería de impacto y sensación de energía si estuviera grabada de otra forma.

Alternan canciones como “California Goths” llenas de energía y armonías pegajosas, al más puro estilo pop de fiesta, que te hacen querer gritar junto con ellos y algunas otras que parecen el soundtrack de un viaje en drogas como “Weed Demon“ (y con este título creo que no necesito explicar nada más). En general una montaña rusa de altos y bajos pero con una actitud totalmente despreocupada.

Si el año pasado les gustó el disco de Times New Viking, entonces tienen que escuchar a Wavves. Esta banda ha llevado la fiesta de la distorsión a otro nivel…

Reseña: Hey Chica! – Do You Really Believe…?

Daniel Patlán — Fri, 22 May 2009 23:46:48 +0000

Hey Chica! es una banda de Guadalajara que surge de la desintegración de otra banda, Lavamatic, en la cual tocaban Jeka (guitarra y voz) y Kiwi (bajo, guitarra y voz). Así inició Hey Chica!, con sólo ellas dos tocando guitarra y bajo y metiendo samplers y secuencias con sus laptops. Tiempo después entraron Jesús (batería) y Barona (bajo) para formar la alineación actual que después de estar en varios compilados como Trippy Garlic (de su disquera, Happy Garlic) o Pop Song Romance (una complilación que salió en Modesto, California) nos presenta hoy su primera producción, el ep de cinco canciones llamado Do You Really Believe..? (frase sacada de una de sus canciones).

La canción con que abre este ep (el cual funje como su carta de presentación) se llama “Mouse and Mars”, en esta canción la banda nos enseña a qué suenan y qué es lo que podemos esperar en el resto del disco: canciones con estructuras y arreglos sencillos, sin instrumentos extravagantes, nada ostentoso. Sin solos virtuosos de guitarra ni distorsión, pero con mucha armonía en las voces (el dueto Jeka-Kiwi funciona más que a la perfección, dándole ese toque hasta cierto punto inocente pero nunca lelo, que hace que no suenen al típico grupo con vocales femeninas). Otro punto a destacar es la manera en que las guiatarras se fusionan, casi de la misma manera que las voces, evitando sonar a una banda plástica de pop y logrando entrar en el llamado pop inteligente.

“Roy”, el track número dos, está basado en un cuento de Tim Burton, y es la única canción que utiliza secuencias en lugar de batería. La historia habla acerca de un niño llamado Roy y sus aventuras. Fines de semana en Tokio y otro en Nueva York. Nos cuenta también cómo él ve a todos en su escuela como tigres. Al final nos damos cuenta de que se trata de sueños, no sabemos si Roy en verdad existe y son sus sueños o él es un personaje de los sueños del protagonista de la canción. Unas interesantes secuencias acompañan a las voces en esta canción, la cuales, la primera vez que escuchas la canción, podrían parecer que están a nada de rapear, pero con forme avanza la canción el escucha se da cuenta de que esto era solo una falsa alarma. Nuevamente las guitarras se hacen presentes, así como un bajo sencillo y suave que no se limita a servir sólo de acompañamiento, se vuelve protagonista también.

La siguiente canción se podría decir que es el primer sencillo oficial, ya que ha estado sonando frecuentemente en estaciones de radio como Reactor e Ibero, “Issues” nos presenta sin mayor rodeo la cuestión de que todos tenemos issues o problemillas por ahí atorados. “Life changes all the time, we will always have big issues”. Esta canción bien podría ser algo asi como una canción post-ruptura o algo así, ya que tiene unas frases que refuerzan mi teoría: “You’ve created yourself a whole new world, and now you’re smilingo, you’re smiling, people come and go, there’s no need to cry”. La manera en que logran fusionar las voces en esta canción me parece increíble, una frase cantada por Jeka y otra por Kiwi. Algo que les ayuda mucho al momento de hacer esto, es que ambas voces pueden ser diferenciadas, sabes cuándo esta cantando una y cuándo la otra.

“Time Machine” es otra gran pieza de pop inteligente, sencillo y al grano. En la cual, Hey Chica! navega por varios sentimientos, al principio nos da la sensación de que es una despedida (“You say it ain’t easy to keep walking without me, but you’re so blinded right now”), pero después suena a una promesa que quizás pueda ser cumplida algún día (“You promise you’ll be fine, if I stay by your side”) y así, con esta idea en mente, surgen los recuerdos y algunos chistes locales de alguna relación, para llegar al punto triste de la canción, donde cantan “This is just like the saddest scene on the film, this is the saddest scene, and hopefully the last one tonight”. Poco después de esto, entra la felicidad y esperanza a la canción: “Do you really believe that a time machine could help you solve your problems and chage your life? Yes we do!”. Sí, de ahí sacaron el nombre para este corta durqación. Por cierto, en esta canción la batería fue grabada por la antigua baterista de Lavamatic, Carmen.

La canción que cierra esta primera producción de Hey Chica!, la cual fue producida por Paul Marron (integrante del grupo Childs) y Diego Martinez (mejor conocido como Lumenlab), se llama “Curse the Space”. Tenemos ante nosotros la canción más melancólica del disco. Unas guitarras con delay acompañadas de unas línes de bajo que ayudan a reforzar el sentimiento de tristeza, son los grandes complementos de esta canción, ya que una vez más las voces son el principal vehículo para transmitir emociones.

Los detractores de la banda podrán decir que suenan a un grupo plano de pop equis, con voz de niñas lindas y sin nada nuevo para ofrecer. Nada se aleja más de la realidad que esa idea. Si bien es cierto que no estamos ante un disco de rock pesado, el pop que hace Hey Chica! es totalmente inteligente y pensado, bello, en el cual han sabido explotar de una manera increíble el recurso de usar voz de chica, además pertecen a una de las disqueras que más ruido está haciendo en el país, sobre todo en Guadalajara, Happy Garlic (visiten su página). Este EP lo pueden encontrar completamente gratis en la página de Poni Republic, un netlabel con un catálogo que merece una revisión detallada. Pueden bajar el disco aquí.

Reseña: PJ Harvey & John Parish – A Woman A Man Walked By

Daniel Patlán — Tue, 19 May 2009 17:49:03 +0000

Este disco abre como muchos discos desearían hacerlo, con una gran canción que atrape al escucha y le dibuje una sonrisa en el rostro. Una canción que suena como si Sonic Youth hiciera equipo con Polly Jean Harvey y su compañero de disco John Parish. Riffs que hacen mover el cuerpo y disfrutar, un gran homenaje a la década de los 90’s, con una PJ Harvey cantando de una manera tan sensual que hace imposible decirle que no cuando menciona la frase: “I’d like to take you to a place I know my Black Heart is”. La canción en cuestión se llama “Black Hearted Love” y me atrevo a decir que será uno de los mejores 15 sencillos de este año. En la siguiente canción, PJ canta de una manera que puede llegar a sonar perturbadora, pero sigue sin perder ese estilo tan sensual en la manera de interpretar, se siente un poco raro el cambio del track 1 al 2, ya que el primero tiene distorsión y es una clara canción de rock y la segunda incluye guitarras acústicas principalmente, pero no por esa razón el disco pierde fuerza ni cohesión; es hasta el track número 3, “Leaving California” que la sonrisa creada al inicio de este larga duración titulado A Woman A Man Walked By empieza a disminuir.

Justo a tiempo llega “The Chair” con todo el espíritu rock que tiene Polly Jean (quien se hace acompañar por John Parish, con quien ya ha colaborado en el pasado), muy parecida al track abridor. “April” cambia totalmente el ánimo del disco y del escucha, de estar en una sintonía donde los riffs de guitarra predominaban, PJ cambia y le da más protagonismo a un órgano y a su voz, la cual también mutó, pues de ser sensual y atractiva pasó a ser melancólica y desgarradora. Nuevamente un cambio radical, regresamos a los 90’s, a los riffs y a la distorsión. Nos sentimos de nuevo como si Lee Ranaldo y compañía estuvieran detrás de esta canción, en la cual, la voz de PJ sigue siendo un punto importante a seguir y destacar. De nuevo otro cambio. Este disco se ha vuelto una montaña rusa guiada por la versatilidad de Polly Jean Harvey. “The Soldier” es un lamento de casi cuatro minutos de duración. Un relato de un sueño en el que nuestra heroína soñaba que era un soldado. En esta canción la voz de PJ se ve acompañada mágicamente por un ukelele, un piano, una melódica y una melancolía que dificilmente te deja salir sin lágrimas en los ojos.

“Pig Will Not” parece una disculpa por parte del dueto que nos presenta este disco por habernos desgarrado con la canción anterior. Regresa una producción a la Sonic Youth, y con el sello que nos ha dejado ver en este disco: los ya clásicos riffs de guitarra y la desgarradora voz. Todo vuelve al terreno melancólico, emotivo y bello al que nos han acostumbrado con la siguiente canción, “Passionless, Pointless”, ahora el lamento no es un sueño, es un claro reclamo hacia alguien: “Passionless, Pointless. Where does the passion go? I’m asking. There’s no kindness in your hands”. Nos hace pensar que si algo duele perder es la pasión para hacer las cosas o la pasión por algo que nos gusta.

No había mejor manera de cerrar y terminar este disco. Polly Jean y John Parish sabían lo que estaba haciendo cuando decidieron darle el último lugar de orden a “Cracks In The Canvas”. La letra de esta canción es poesía en cada verso, en cada frase (muy al estilo de Leonard Cohen) y si a esto le sumamos la manera en que PJ la interpreta y la instrumentacion que la acompaña, tenemos ante nosotros la mejor canción de este álbum. Frases como: “I’m looking for an answer, me and a million others”, “Dear God, you better not let me down this time” o la maravillosa manera de terminar: “Cracks in the canvas, look like roads that never end…” debido a la honestidad y sinceridad con que son cantadas, hacen que esta canción se convierta en un himno de la soledad, de aquellos momentos en que no sabemos quiénes somos ni a dónde vamos, del sentirse mal con uno mismo y con todos a la vez.

Este disco, a pesar de sus cambios tan drásticos, es una demostración de lo que dos personas talentosas pueden hacer. No es necesario hacer un disco de canciones tristes y otro de canciones con riffs y con más onda rockera, se puede tener ambas en un solo disco, incluso una después de otra, sólo hay que saber hacer las canciones y saberlas acomodar. Es como en el cine, para tener una buena película hay que tener una buena historia y saberla contar.

Reseña: My Morning Jacket – Celebración de la Ciudad Natal

Daniel Patlán — Thu, 14 May 2009 03:36:01 +0000

Uno de los fuertes de My Morning Jacket son sus conciertos, todos aquellos que han ido a alguno no me dejarán mentir, en vivo son brutales, unas bestias. Tienen un gran ingeniero de sonido, seleccionan a la perfección sus setlists y además improvisan increíblemente bien, todo esto lo podemos comprobar en su gran disco doble en vivo Okonokos. Con todo este trasfondo, Celebración de la Ciudad Natal, un ep de ocho canciones (siete de ellas en vivo y unas palabras del vocalista Jim James) grabado en vivo en su ciudad natal Kentucky, tenía todo para ser un gran ep, sin embargo, les falló una de las partes más importantes: la selección de canciones.

Con cinco discos en su haber, varios ep’s y sencillos y un disco en directo, MMJ pudo haber elejido mejor esas siete canciones que interpretarían, no son malas (“Evil Urges”, “Highly Suspicious”, “Gideon”, “Where to Begin”, “Librarian”, “Phone Went West” y “Dondante”, quiza “Highly Suspicious” sí es mala), pero no sé si sea el orden en que las interpretaron o la corta duración del mismo, pero suena flojo, no suena al MMJ del Okonokos, ni al que muchos hemos visto en directo. Sin embargo, tienen casi todo lo que los caracteriza en vivo: la calidad de audio es increíble (está muy bien grabado el ep), improvisan al final de su set, en “Dondante”, y lo hacen muy bien (como siempre), pero la gran falla es la mala elección de canciones a interpretar, cosa que en el pasado parecía no ser un detalle a considerar para ellos, incluso tuvieron presentaciones de tres horas y media de duración en el festival Bonnaroo y en la serie de conciertos llamados “An Evening with My Morning Jacket”, en los cuales interpretaban muchas canciones de su repertorio, así como covers de Velvet Undeground, Rolling Stones, The Who, The Band y hasta de los Misfits.

El ep abre con un arreglo de cuerdas, para después dar paso a la canción que también abre y da nombre a su último disco de estudio, “Evil Urges”. El sonido (como lo mencionaba antes) es muy bueno, nítido y sin ruidos, por momentos parece que estamos escuchando la versión del larga duración y no una versión en vivo. Hasta ahora todo va bien, la gente se escucha feliz y contenta, y no es para menos, teniendo en cuenta que están tocando en su ciudad de origen, es como si los Smashing Pumpkins tocaran en Chicago o Café Tacuba en las Torres de Satélite. La siguiente canción es “Highly Suspicious” también de su última producción de estudio (dicho sea de paso, nunca me ha gustado esta canción, en vivo mejora un poco, pero sigue sin gustarme, sobre todo por el coro que parece de chiste). Ahora viene lo que en el disco se llama “(Interlude)” y que realmente es un discurso de Jim James acerca de Kentucky, de cómo él compraba sus discos en la tienda en la que se grabó el disco, de cómo han cambiado las cosas y que aún cuando la gente compra o baja discos en Internet, siempre es bueno tener un lugar de confianza para comprarlos en su versión física.

Después del discurso de James sigue “Gideon” del tal aclamado disco Z. Aquí nos encontramos con una de las mejores canciones de este corta duración en vivo que nos presenta MMJ como celebración del Record Store Day, el cual, como su nombre lo indica, es un día para celebrar a las tiendas de discos en Estados Unidos, hay grandes promociones y conciertos especiales en cada tienda alrededor del país, entre otras actividades. “Gideon” es el primer acierto hasta ahora, una version muy similar a la del disco, pero igual de bella y encantadora. Sigue una canción titulada “Where to Begin” la cual, después de la hermosa presentación de “Gideon”, llega a borrar cualquier tipo de emoción que se estuviera gestando. “Librarian” vuelve a dejarnos un buen sabor de boca, que de nuevo se ve opacado por la canción que le sigue, “Phone Went West”, para cerrar con broche de oro y una linda improvisación dentro de la última canción, “Dondante”.

Habiendo canciones como “Touch Me I’m Going to Scream Pt. 1-2″, “I Will Sing You Songs”, “Bermuda HIghway”, “I Will Be There When You Die”, “Lay Low” y un larguísmo etcétera, no entiendo porqué elijieron esas canciones para tocar en su ciudad natal, Kentucky, y grabarlas en vivo para sacar un ep. Pero bueno, por ahora nos queda esperar otro maravilloso disco en vivo como Okonokos y mientras eso pasa, conformémonos con esa belleza.

Reseña: El Grupo Nuevo de Omar Rodriguez Lopez – Cryptomnesia

Daniel Patlán — Mon, 11 May 2009 05:47:10 +0000

Cuando en una alineación de un grupo hay nombres de bandas como Mars Volta, At The Drive In, Hella, entre otros, lo único que puedes esperar es un gran disco, o por lo menos algo que sorprenda. Algo que no hayas oído antes (cosa difícil de hacer, la verdad). Omar Rodriguez Lopez (guitarrista de Mars Volta) tiene montones de proyectos con los que saca montones de discos al año los cuales, por cierto, no siempre son de gran calidad y esto hace todavía más complicada la tarea de innovar; sin embargo, la mezcla de El Grupo Nuevo de Omar Rodriguez Lopez sale avante de dicha tarea, aunque por muy poco. Cryptomnesia está a nada de ser un disco mas de Mars Volta, lo único que lo salva es la aportación de Zach Hill (Hella) y Jonathan Hischke (ex-Hella), quienes hacen lo que mejor saben hacer, un tipo de noise matemático que rescata muchos lugares comúnes de los demás integrantes, quienes por cierto, son todos de Mars Volta.

Si nos dejáramos sorprender o no pusiéramos atención, pensaríamos que lo que estamos escuchando es el nuevo disco de Mars Volta, sobre todo porque suena muy parecido al último LP. Pero poniendo un poco de atención, podemos encontrar elementos poco usuales en dicho grupo, sonidos que quizás hemos oído antes pero no en un disco de ellos. Elementos como paredes gigantescas de sonidos, ruidos, delays y un largo etcétera, podemos también escuchar dos guitarras haciendo riffs que en Mars Volta sólo haría una. Esto se debe (como mencioné antes) a la dupla del grupo Hella. Podemos notar un cierto halo de rock matemático durante todo el disco, un punto a favor para ORL y su nuevo grupo. En el track dos, “Half Kleptos”, empezamos a escuchar algo que nos llama la atención, esa precisión que se alcanza a notar en bandas como Don Caballero, Pele o recientemente en Battles, sólo que con El Grupo Nuevo… hay más ruido y menos limpieza al ejecutar.

En el track que da nombre al disco, se pueden escuchar de fondo capas y capas de sonidos modificados a través de pedales y efectos, además de los ya mencionados riffs. La voz de Cedric Bixler Zavala es lo mismo de siempre, no presenta nada nuevo, quizás es el punto más flojo de este disco, ya que es una de las grandes cosas que nos hace pensar en Mars Volta en cada canción, ya que no tiene ninguna diferencia. “They’re Coming To Get You, Barbara” es una frase muy famosa de una película clásica, y también el nombre de la cuarta canción de este disco (trivia: díganos de qué película es esa famosa frase), canción en la cual, por primera vez sentimos que el fantasma de MV no está presente, mucho debido a que es un track instrumental, pero también porque tiene el feeling matemático que nos transporta a otro canal. Desgraciadamente, cuando termina esta canción, regresamos a lo mismo. Musicalmente son unas bestias, el combo Mars Volta + Hella es destructor, pero al momento en que entra la voz, todo se vuelve turbio y se siente que no han terminado de pulir su sonido. Cedric canta increiblemente bien, no me malinterpreten, simplemente es como el granito en el arroz en este disco, es el punto que nos ancla con MV y no nos deja movernos de ahí.

Otro punto alto de este disco es el track siete, “Noir”, pues aún cuando Zavala está presente, lo hace de manera sutil, casi como un instrumento más, logra mimetizarse con la batería y el bajo a la perfección, dejando que las guitarras hagan de lo suyo, riffs asesinos, delays totalmente pachecos, etc., y todo en menos de cuatro minutos. El uso de sampleos (que tan común se ha vuelto en los últimos años) es también un punto que no le vi el caso, ni creo que tenga un porqué en este disco.

Este es el primer disco de una trilogía que saldrá bajo el nombre de El Grupo Nuevo… y bajo el nuevo sello de ORL: Rodguez Lopez Recordings. Todavía no hay fecha de salida de los otros 2 discos, pero espero que sean mejores que éste, no estoy diciendo que sea un disco malo, porque no lo es, simplemente conociendo a los integrantes, y al mismo ORL, pienso que pueden ofrecer mucho más de que lo que ofrecieron con este larga duración. Un punto que yo corregiría es, sin duda, la voz de Cedric Bixler, ya que es lo que hace que el disco suene como uno más de Mars Volta y no como la ópera prima de un grupo de reciente formación.

Mike Patton y Alan Moore juntos

Reseña: Akron/Family – Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free

Daniel Patlán — Thu, 07 May 2009 05:27:43 +0000

El disco abre con una mezcla rara entre una canción que sin duda nos remite a algun film de Tarantino (me refiero a la parte de la canción que va desde el inico hasta que entra la voz, la línea de bajo y guitarra son totalmente dignas de una película del director de Jackie Brown), con algo de rock de los 70’s, coros como de iglesia hippie (si es que eso existe) e incluso hay una parte que podría recordarnos a Black Sabbath. Sí, todo eso nos presenta Akron/Family en el track abridor de su nuevo LP titulado (acertadamente) Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free.

Akron/Family podría ser el primo de Animal Collective, el primo vegetariano-buena onda-tree hugher, ya que hace cosas muy parecidas, sólo que de manera más orgánica y usando muchos más instrumentos. Una muestra de ello es el track “River”, el cual bien pudo haber entrado en el último disco de Animal Collective. Una mezcla rara de instrumentos que mágicamente mantienen un ritmo que te hace mover los pies. Y continuamos con la experimentación, “Creatures” el track número tres, tiene elementos electrónicos que nos remiten de nuevo al colectivo animal, sobre todo al disco del 2004, Sung Tongs. Ahora entramos a terrenos que Belle & Sebastian conocen perfectamente bien, un pop fino e inteligente, con armónica, guitarra acústica arpegiada, y una voz que nos da calma y nos hace seguir adelante, no importando los obstáculos que encontremos. “The Alps & Their Orange Evergreen” es todo un himno al campo, al countryside inglés. Al escuchar esta canción, inmediatamente te sentirás paseando entre tonos verdes y amarillos del campo, con una gran sonrisa en el rostro. De nuevo la tranquilidad del campo se hace presente, pero esta vez contrasta con lo que canta Seth Olinsky al inicio de la canción (y que de paso le da título a este disco): “set ‘em wild, set ‘em wild, set ‘em free, set ‘em free, set ‘em up and let ‘em be”.

Ahora el disco cambia totalmente de mood, se hacen presentes instrumentos de aire y una guitarra acústica con su respectivo cantante, para iniciar lo que puede ser la mejor canción del disco hasta ahora. Lo que inició como una “balada” como dicen en las estaciones de radio de rock/pop de los 80’s y 90’s, gira brutalmente para dar paso a las distorsiones, se cambian los papeles y los instrumentos de aire han mutado a guitarras y bajos distorsionados acompañados perfectamente de una estrenduosa y potente batería. Lo que empezó como una linda melodía, terminó siendo un himno del hippie-noise. Desgraciadamente, el primer punto flojo del disco aparece justo después de la belleza antes citada, “Many Ghosts” logra convertirse (sin ningún esfuerzo) en el punto flojo de esta placa, es una canción sin elementos que nos sorprendan (como hasta ahora lo venían haciendo). Afortunadamente, después de ese bajón, viene otra vez la distorsión, el rock a la Jimmy Hendrix y ese saborcillo a Woodstock. Para calmar nuestros oídos y nuestros corazones de tanto ruido, Akron/Family se despacha una verdadera joya, llena de coros llamada “They Will Appear”, esta decisión nos hace pensar que la canción que sigue tendrá la misma intensidad que ya hemos escuchado antes, ya que justo a la mitad de ésta, entre tantos coros, se dejan escuchar unas distorsiones de fondo, que después se convierten en bellos riffs al momento en que la batería se hace presente, trasformando (una vez más) una pieza tranquila, en un festival de rock a la Hendrix.

La esperanza que ya una vez nos hicieron sentir en este álbum, se presenta de nuevo con “Sun Will Shine (Warmth Of The Sunship Version)”, la cual, al rededor del minuto 2 con 47 segundos, se convierte en una oportunidad para pensar en las veces que hemos podido decir lo mismo o que nos hubiera encantado que alguien nos dijera: “the sun will shine”. Justo después de haber meditado al respecto, nuestros oídos se ven agradecidos al recibir unos cánticos cual coros gospel que recitan: “last year was a hard year for such a long time, this year is gonna be ours” para cerrar de una muy bella manera este disco.

Akron/Family suena por momentos como si Sonic Youth hubiera sido de los 70’s y por otros como si Animal Collective usara más instrumentos orgánicos, sin embargo, no suenan a refrito de ninguno de los dos, lo que hace a esta banda digna de seguir. Ya habían sorprendido con su anteior disco, Love is Simple, ahora lo hace con su nuevo álbum, el cual hace honor totalmente a su nombre, por momentos es salvaje, pero todo el tiempo es libre.