Para tratarse del primer álbum de estudio de Steve Aoki, las cualidades del famoso DJ y productor no fueron explotadas de la forma esperada, pues a pesar de contar con colaboraciones que pudieron hacer justicia como Kid Cudi, LMFAO, Rivers Cuomo de Weezer, el baterista Travis Barker y Lil Jon, no rebasa el título de un buen disco para divertir.

Wonderland (Ultra Records, 2012) llega con una propuesta rítmica muy variante que se sustenta en la plataforma del electrohouse, género que se distingue por llegar al oído de forma fácil y sin complicaciones. Comenzando con “Earthquakey People” en colaboración con Rivers Cuomo (líder de Weezer), se pueden distinguir destellos de la mezcla entre electropop y ritmos alternativos que toman intensidad mientras avanzan (muy al estilo de Aoki), sustentando su éxito en una voz tan conocida como la de Cuomo.

“Ladi Dadi” y “Come With Me” son cortes muy similares que dan paso a ritmos progresivos, los cuales desprenden cierta potencia que sin lugar a dudas salva y reanima los beats de ambas canciones. La colaboración con Zuper Blahq en “Dangerous” es engañosa, pues en realidad no es sorprendente y a diferencia de “I’m in the House”, no presenta indicios de querer lograr un climax.

La presencia de hip hop mezclada con detalles progresivoses expuesta en las colaboraciones de Lil Jon con “Emergency” y LMFAO con “Livin my Love”, artistas que por separado han sorprendido pero que en estos cortes su talento se escucha escueto al ser piezas un tanto indiferentes ante la explosión que distingue a Steve Aoki.

Es suficiente llegar a la mitad del disco para saber que este proyecto no alcanza el poder que logró con su álbum de remixes Pillowface and His Airplane Chronicles (Dim Mak Records, 2008), pero continúa con ciertas características interesantes en sus tracks como con “Control Feak” que a pesar de ser una canción serena, utiliza un soporte funk que le da una versatilidad muy interesante.

“The 80’s” es un corte con mezclas minimalistas y donde sonidos de 8 bit crean un recorrido placentero, mientras que con “Heartbreaker” retoma el estilo que utilizó en el sencillo “Low Life”.

Para la colaboración de Kid Cudi y Travis Barker, el corte “Cudi The Kid” pudo ser más fulminante, pues escuchamos a un Barker con remates poco circenses y es que queda muy distante a Fix Your Face, el trabajo que anteriormente realizó con DJ AM, o incluso con sus colaboraciones junto a  A-Trak.

Con el corte “Ooh”, amalgamado en ritmos dub y “The Kids Will Hace Their Say”, compuesto a base de big beat,  se reafirma y se hace evidente la experimentación que buscó Steve Aoki sin llegar a crear un material que vaya más allá para quienes gustan por bailar y disfrutar una buena fiesta.

Si antes la proporción fina y pura de las melodías de Rodrigo y Gabriela hechas solamente a base de guitarra acústica era aclamado, ahora, con la combinación de percusiones, instrumentos de aire y cuerdas, el poderoso dúo del requinto expande su talento a niveles que hacen vibrar a cualquier amante de la música latina con su séptimo y nuevo álbum: Área 52 (ATO, 2012).

La combinación de ritmos que van desde el flamenco, jazz, rock, indios (escúchese en el track “Ixtapa”) y principalmente afrolatinos, hace de este álbum de nueve cortes un paseo musical que anteriormente no se le había escuchado a este par. Su trabajo retoma canciones que fueron lanzadas para discos pasados, comenzando con “Santo Domingo” del álbum 11:11 (ATO, 2009) que inmediatamente plasma el formato rico en compases afroamericanos presente también en el segundo track llamado “Hanuman”, el cual destaca por sus acentos a base de metales.

“Ixtapa”, la pieza más larga con duración de ocho minutos y 11 segundos, plantea modalidades armónicas muy interesantes al realizar una serie de combinaciones que arrancan con son latino y continúan con un sendero de tâla (ritmo indio) que se desvanece hasta convertirse en flamenco, aterrizando al final con proporciones afrocubanas.

Los detalles de rock tienen presencia a mitad de la canción “11:11” la cual, ingeniosamente y con gran fluidez, tiene un desenlace llamativo con vocalizaciones puramente africanas. “Master Maquí”, la pieza siguiente,  explota el cambio de tempo que tanto caracteriza las melodías de Rodrigo y Gabriela.

El beat que da paso a “Diablo Rojo” sin duda provoca movimientos en quien lo escuche, pues es casi inevitable no hacerle justicia a semejante obra rítmica que ahora, con el uso de percusiones, se eleva a niveles distinguidos. Por su parte, “Logos”, el corte más sereno de Área 52, es tan suave que sirve de puente de relajación antes de llegar a “Juan Loco” y “Tamacum”, últimos tracks que regresan a la explosividad de la cadencia latina.

Con gran talento por parte de los artistas principales y de la orquesta que los acompaña (13 músicos cubanos), el disco tiene el potencial para ser parte de la exquisita colección de música latina que recuerda a Santana y a su Abraxas (Columbia, 1970).

Siete años sin Tom Waits son demasiados, pero el genio de Pomona ha regresado con un disco que pone a girar los planetas en sentido contrario, una magnífica máquina del tiempo que puede avanzar en cualquier dirección por la historia de la música popular norteamericana –de la cual el señor Waits, por cierto, ha protagonizado algunos episodios sumamente importantes–.

En Bad As Me (Anti-, 2011) no hay esa búsqueda de sonidos en objetos raros integrados orgánicamente en la composición, que ha distinguido a Tom Waits en otros albums. Abundan, en cambio, los instrumentos de una típica banda de blues, organizados en cortes breves y contundentes como “Get Lost” y “Satsified”, o en piezas dignas de un bar casi vacío de Nueva Orleans, donde el pianista canta: “kiss me like a stranger once again” fuera de la luz. También hay folk hecho a base de emociones puras, y proyectado hacia el fondo de un vaso de cristal con la intervención de Keith Richards en “Last Leaf”, y una sorpresa a la vuelta de la esquina en “Talking At the Same Time”. Todas, canciones hechas con la gracia de un mago y ejecutadas con el alma de un herrero, en las que la voz de Tom Waits, por sí misma, puede helar la sangre de quien se acerqué a él por primera vez, o recordarle quien ya lo ha hecho que el polvo, la calle, lo viejo, también forman parte de la materia prima con la que trabaja un artista.

Bad As Me está cargado con una sensibilidad afilada, capaz de abrir heridas, y, como todas las obras de Tom Waits, exige atención. Más aún: la produce desde las primeras notas de “Chicago” hasta las últimas de “New Year’s Eve”: un acto de hipnosis colectiva después de cual cada persona puede quedarse con sus canciones favoritas. No por nada, el disco fue lanzado en algunas de las tiendas independientes más importantes de Estados Unidos con fiestas organizadas especialmente para escucharlo de principio a fin.

Después de siete años de no pisar el estudio, Tom Waits vuelve a demostrar que es dueño de una poética y una voz que tienen el don de la ubicuidad. Sólo queda esperar que no vuelva a ausentarse tanto tiempo.

Hurry Up, We’re Dreaming (Mute, 2011) es un enorme dispositivo sonoro que se despliega siempre en una sola dirección: hacia arriba. No tiene, salvo en algunos cortes como Raconte-Moi Une Histoire, la claridad de los sueños difíciles de recordar, sino el brillo y el color de una historia de ciencia ficción que se desarrolla a toda prisa frente a nuestros ojos. Sin embargo, es difícil no distraerse; escuchar las veintidós canciones de un solo golpe y quedar satisfecho, antes de quitarse un poco del sonido metálico y brillante que M83 ha dejado en nuestros oídos.

A pesar de todo, no hay ninguna duda sobre el genio creativo de Anthony González, quien ha desafiado la hegemonía de lo fugaz y lo efímero para hacer un album que cae desde el principio en los límites de lo épico. En este sentido, “Intro” puede tomarse como un aviso de lo que está por venir: un sueño que se desarrolla entre galaxias y que de vez en cuando puede tocar la tierra, como en “Wait” y “Year One, One UFO”, tan sólo para sugerirle al escucha que mire de nuevo, en la mitad de la noche, al cielo. Desde ese lugar, es relativamente sencillo descubrir que alguien más sonríe el ver pasar una estrella por la ventana de una estación espacial en “Splendor”, y que el tiempo parece haberse detenido hace treinta años en“Claudia Lewis” y “OK Pal”.

Por supuesto, Hurry Up, We’re Dreaming no está exento de melodrama. De la intervención de Zola Jesus, que proyecta una agradable sombra para modular la luz que emite el disco, a la emotividad de “My Tears Are Becoming A Se”a, hay una serie de episodios que producen la sensación de encontrar un punto del pop que aún no había sido descubierto, y del cual es necesario alejarse rápida, repentinamente, sin explicación alguna, antes de quedar atrapado en el sueño.

El tercer album de Gernot Bronsert y Sebastian Szary es una obra inconclusa, un punto electrónico desde el que se puede avanzar en cualquier dirección con los ojos cerrados, o quedarse quieto y ver cómo surge una ciudad que colapsa y se erige nuevamente en distintas frecuencias y beats; una estructura inestable que puede caer del lado de la incredulidad, el escepticismo y el asombro, sin dejar nada a salvo, y tal vez esa apertura sea la mayor virtud de Monkeytown (Monkeytown, 2011).

Ecléctico, totalizador, aparentemente caótico, nos enfrentamos a un disco que clausura la posibilidad de hacer un listado de géneros para describir su contenido, a riesgo de transformar la reseña en un ejercicio de erudición superficial y autocomplaciente, que estaría muy cerca de perder por completo el sentido de la obra. Optemos, entonces, por definir la última entrega de Modeselektor como un conjunto de bases rítmicas y sonoras sobre las que se puede construir un universo de canciones que, en un momento determinado, podrían tomar la forma de la pista de baile, o bien, conducir al aislamiento del escucha solitario que dimensiona el placer en función de sus audífonos. De este modo, Monkeytown se concibe como materia prima del deseo –no sobre lo que ya existe, sino sobre lo está por existir–, en una dinámica en la que predomina la transformación auditiva por encima de todas las cosas.

Se trata, en resumen, de comprender el disco en su parte vital, histórica, porque es ahí donde se manifiestan plenamente los diecisiete años que Modeselektor lleva haciendo música. Sólo en ese nivel de interpretación es posible reconstruir el camino que llevó a Bronsert y Szary del espacio conceptual del DJ que pone discos en las fiestas, al del artista electrónico capaz de aprehender la realidad en beats y representarla en las once canciones de Monkeytown.

Salvo en Berlin y Grillwalker, nunca se tiene la sensación de estar frente a un objeto de dimensiones definidas. Lo que hay es una idea compleja y, por lo tanto, maravillosa, que aún debe ser elaborada.

Tal vez, antes de comenzar a producir The Whole Love, Jeff Tweedy necesitaba sacudir la inquietud por deshilar el cable que une cada disco de Wilco a lo largo de más de 15 años. Y es cierto, la travesía a la que nos invita la banda con su octavo disco es más atrevida, con una introducción de textura experimental que nos remite a los ténues beats del nuevo Radiohead y un dominio puro de rock clásico, alegórico pero opacado por letras notablemente oscuras llenas de líneas que, aún siendo metáforas, su interpretación literal puede rozar la realidad. En esencia, The Whole Love no deja de ser el Wilco que todos reconocemos mas no es un estancamiento de su música. Recorre géneros, épocas, décadas, contiene influencias claras y una identidad definida como su columna vertebral, afortunadamente.

“Art Of Almost” (el tema abridor que se distingue por su base experimental) se apoya de “One Sunday Morning (Song for Jane Smiley’s Boyfriend)” (canción final de 12 minutos de puro folk que dista mucho de progresar pero tiene una base amigable) para resguardar 10 cortes más, todos llenos de sabiduría y exquisitez musical de la cual cualquier músico debería aprender para construir historias en canciones sin necesitar de mangas producciones.

Por supuesto, la calidad sonora del álbum es impecable. El folk a la Bob Dylan se conjuga con el rock clásico y psicodélico de los 60′s y 70′s y en ocasiones, un poco de country llega como la cereza que engalana el pastel que, lejos de ser esto, The Whole Love no deja de ser un disco melancólico que no (precisamente) celebra el amor. En su lugar, Jeff Tweedy y compañía celebran su casi próxima llegada a los 50 años de edad con música contemporánea para jóvenes en busca de melodías sencillas, sensibles y nostálgicamente contagiosas. Este, más que ser un gran logro para Wilco, significa una movida en el ajedrez de la música para mantenerse estables como un referente del rock moderno.

Cuatro álbumes a lo largo de casi diez años fueron suficientes para consagrar a Mastodon como el referente del sludge metal por excelencia. Pero es claro que un disco conceptual más ya no sería reto para los oriundos de Atlanta, Georgia. En su lugar, todo el expertiz que adquiró la agrupación fue canalizado para concebir un álbum más lineal dejando a un lado los laberintos y pasajes escondidos a los que siempre estuvimos acostumbrados.

Después de una campaña viral que elevó las expectativas hasta el cielo, llegó The Hunter, un disco que no conoce las canciones de más de cinco minutos de duración y se mantiene en un formato amigable para la radio con canciones que oscilan entre los 3 y 4 minutos. Sin embargo, Mastodon deja claro con este álbum que su columna vertebral no son las composiciones progresivas si no la capacidad de transmitir suficiente energía a través de puntuales riffs de guitarra rugientes, baterías firmes y melodías obligadamente oscuras repartidas en 13 cortes. Prueba de lo anterior se encuentra en el inicio del álbum con “Black Tongue”, tema que advierte la rapidez con la que fluirá éste, “Curl Of The Burl”, el corte más ligero o “Dry Bone Valley” con una rítmica más caótica. El disco destaca a cada canción por igual y el orden de estas no alteraría el sonido que Mastodon produjo para este mismo.

Además, existe una analogía curiosa en The Hunter. El quinto álbum de Mastodon sucede a una trilogía de producciones conceptuales enormemente aclamadas (Leviathan, Blood Mountain y Crack The Skye) mismas que le siguieron a un álbum debut (Remission) que colocó a la banda en el mapa del sludge y metal en general. 20 años atrás (casi exactamente), Metallica lanzó el Black Album después de su conocida trilogía (Ride The Lightning, Master Of Puppets y …And Justice For All) y un álbum debut (Kill ‘Em All) que lo comenzó todo. En pocas palabras, tal vez The Hunter será el álbum que definirá el nuevo metal de esta década y contiene la formula para hacerlo comercial sin sacrificar los ingredientes y rituales que definen dicho género.

De lo abstracto a lo preciso y de lo monocromático a lo colorido. Así ha evolucionado Sascha Ring a lo lago de más de una década produciendo sonidos tan introspectivos como cautivadores. Hoy, y después de 4 años, el talentoso músico alemán nos presenta The Devil’s Walk tras una etapa menos egocéntrica en la que compartió créditos con el dúo Modeselektor para dar vida a Moderat, proyecto con el cual obtuvo más exito de lo esperado y a nivel mundial. Hoy, es turno para Apparat de aplicar todo lo aprendido a lo largo de dicha etapa (lo bueno y lo malo) y demostrar una evolución que lo distinga como un artista que jamás se estacionará pero siempre realizará movimientos lentos e inteligentes.

The Devil’s Walk pasa de los hipnóticos e innovadores beats del disco Duplex a las texturas suaves y nostálgicas muy a la post rock de Sigur Rós, síntomas claramente presentes en las canciónes “Sweet Unrest”, “Black Water”, “Goodbye” y hasta “The Soft Voices Die”. El disco completo es una travesía a lo largo del sensible mundo de Sascha quien encuentra atinadamente los instrumentos y herramientas con los que construyó su cuarta producción en solitario (antes de Duplex y Walls, Multifunktionsebene es considerado como su primer álbum de estudio). Y, demostrando una evidente madurez, el disco está mejor hilado que su antecesor de 2007 que, aún con éxitos como “Arcadia”, no atrapó por completo a especialistas del género durante aquel tiempo.

Hoy, Apparat son texturas elegantes, sonidos delicados y melodías nostálgicas todos estampados en un frágil papel de tono sepia. Y si a lo anterior agregamos un sonido producido con excelencia, The Devil’s Walk se convierte en una obra exquisita de casi 50 minutos de duración, mismos que serán mejor disfrutados en solitario, con un sistema de audio decente y un par de oídos capaces de explorar esos pequeños sonidos escondidos que, en ocasiones, son los pilares en este género musical.

En resumen, Duplex (Shitkatapult, 2003) se mantiene como la obra maestra de Sacha Ring, Walls (Shitkatapult, 2007) adquiere la posición del disco transitorio y The Devil’s Walk (Mute, 2011) ubica a Apparat en una plataforma estable sobre la cual podría convertirse en referente, quizá con una producción más usando los mismos ingredientes pero mejor explotados y llevados al límite. Tal vez este álbum no aparecerá en las listas con lo mejor de este 2011 pero, sin duda alguna, contiene temas infinitamente profundos que muchos esperamos con ansias escuchar en México en febrero de 2012, cuando el músico alemán llegue a presentarnos su último LP.

Siempre hay una línea delgada entre la perseverancia y la necedad. Thrice se ha encargado de equilibrar ambas palabras durante los últimos 5 años. Sin saber por qué, el estable (en su alineación) cuarteto originario de Irvine, California, anunció su séptimo álbum de estudio durante los primeros meses de este 2011 emocionando a casi todos sus fans, mismos que esperaron con falsas ilusiones el regreso de aquel sonido punk enérgico y épico que definió a la banda durante los inicios de la década pasada. Obviamente, llegó Major / Minor y esto, nuevamente, no ocurrió y parecer que jamás lo hará.

Sin embargo, hay una invitación escondida en esta producción la cual fanáticos devotos y potenciales deben descifrar. Es una invitación a conocer un espacio rodeado de cuatro músicos mental y emocionalmente maduros que, si bien conservan la esencia melódica de la banda, se han entregado a sonidos más amigables con la intención de conquistar más oídos. Y, por supuesto, esto haría enojar a cualquier seguidor que considera a Thrice como una banda de culto que debió retirarse hace 3 álbumes, justo después de su maravilloso Vheissu de 2005.

Es obvio que muchos ingredientes de Thrice se extrañan en Major / Minor; desde los veloces riffs que acompañan los estridentes versos y coros de Dustin Kensrue hasta los virtuosos y atinados arreglos de Teppei Teranishi. Pero también es obvia la constante genialidad que inunda cada canción del álbum, mismas que construyen un camino firme y claro con sus reconocidos inicio (“Yellow Belly”), numerosos climax (“Anthology”, “Promises”, “Blur”) y desenlace (“Disarmed”), todos juntos creando una atmósfera de (más) rock alternativo, por lo menos mucho mejor ejecutado que en su débil producción pasada Beggars.

Es probable que Thrice encontró un nuevo camino en su carrera el cual conservarán. También, es definitivo que habrá más del nuevo Thrice en el futuro, quizá un par de álbumes más. Al final del día, el post hardcore, movimiento del que fueron parte hace 10 años ya no existe, pero como músicos, siempre habrán numerosos terrenos por explorar. Mientras tanto, Major / Minor es un disco que debe estar en su colección de discos de este 2011.

Las Dum Dum Girls regresan con un album poderoso, intimista, brillante. Si en 2010 I Will Be fue un éxito, la nueva entrega del cuarteto californiano es capaz de meter al menos un par de canciones en lo mejor del año y, a pesar de todo, sonar durante mucho tiempo en la cabeza del público. En pocas palabras, el esperado Only In Dreams (Sub Pop, 2011) ha resultado ser una pieza imprescindible para romper las reglas en el momento necesario.

En un disco así, no hay desperdicio. Lo que se escucha en la superficie está hecho de la misma materia que el fondo: un genio que se transforma sutilmente entre canción y canción, desde “Always Looking” hasta “Caught In One”, donde la voz de Dee Dee se eleva y desciende hasta casi tocar la tierra. Un vuelo de luz sobre el sonido cavernoso que producen Jules, Bambi y Sandy, levantando una nube de polvo pop sobre la periferia garage que ha estado dominada desde los años 70 por la influencia de The Cramps, y donde se encuentran canciones con tanta fuerza emocional que se acercan demasiado a la nostalgia como en “Heartbeat”, o con la cantidad suficiente de cinismo para encantar a cualquiera, es decir, en “Bedroom Eyes”.

Además, no se pueden perder de vista las circunstancias en las que surgió Only In Dreams. La muerte de la madre de Kristin “Dee Dee” Gundred, llevó a la líder de las Dum Dum Girls a escribir un par de canciones que saben a resignación y a tristeza, pero que rebasan la simple descripción de la pérdida para convertirse en una experiencia vital. Sin duda alguna, “Coming Down” y “Hold Your Hand” son cortes que tienen un peso diferente al resto del disco. Intensos, melancólicos, están hechos para acercar a quien los escuche al sonido que genera la muerte, que a veces también produce, entre muchas otras cosas, la disposición de todos los elementos necesarios para crear canciones íntimas y monumentales al mismo tiempo.

Por el momento, sólo queda esperar pacientemente el tercer disco de las Dum Dum Girls y disfrutar hasta la saciedad este Only In Dreams.

TV On The Radio
Nine Types Of Light (DGC Records, 2011)
Estados Unidos

Calificación:

Texto: Germán Sánchez (@mr_mutante)

El abecedario está conformado de veintisiete letras y mediante este conjunto de símbolos la mayoría de los seres humanos nos podemos comunicar de manera escrita. Existen, por otro lado, quienes, con estas mismas veintisiete letras, tienen la capacidad de crear obras literarias tan exquisitas y fantásticas para el beneplácito de sus congéneres.

El lenguaje de la música es idéntico. Es tejer todos los elementos de manera precisa para encontrar el equilibrio sonoro, es decir, una melodía. En Nine Types of Light se avista que ese era el objetivo, dotarlo de manera paralela de la fuerza y la pausada detonación de la música, enganchándonos con descomunales falsettos e hipnosis catárticas consecuentes de ritmos cadenciosos.

Las diez canciones que conforman Nine Types of Light se vierten con suma delicadeza. “Second Song”, la canción con la que inicia el álbum, fluye y nos envuelve entre los coros en falsetto con alma funk que reza Tunde Adebimpe. En “Keep Your Hearth”, por el contrario, la profunda voz de Kyp Malone enmarca el tema, mientras un loop emula un tímido latido de corazón, al tiempo que la guitarra forma su columna vertebral. “You” comienza con un potente beat al lado de una juguetona guitarra, decantando cualquier oportunidad de al menos intentar abandonar la travesía. La contraparte a estas pausadas canciones son “No Future Shock”, “Caffeinated Consciousness” y “Repetition” con una esencia más up-tempo e influencias del beat-rap de los años 80.

La banda grabó en un tiempo récord de tres meses Nine Types of Light en la casa-estudio de Dave Sitek en en Los Angeles, siendo la primer vez que uno de sus álbumes se maquilaba fuera de Brooklyn. Estas sesiones, sin duda intensas, han convertido en impecable su cuarta larga duración, que aunque se alejan del frenesí de sus anteriores producciones, se zambullen en la metódica tarea de filtrar secuencias y mezclar los arreglos, las capas de sonido y vocales en perfecta y elegante armonía.

Mejor Canción: “Second Song”

La primer rola del disco tiene todos los méritos. Todo funciona durante los 4:22 minutos que dura.

The Strokes
Angles (RCA / Rough Trade, 2011)
Estados Unidos

Calificación:

Texto: Germán Sánchez (@mr_mutante)

Han transcurrido cinco años desde el lanzamiento de su álbum anterior titulado First Impressions of Earth y diez desde su apoteósico debut con Is This It. Angles es el cuarto disco de estudio del quinteto neoyorquino liderado por Julian Casablancas y en el que se han tomado un mayor tiempo para producir; después, también, de que casi todos sus integrantes (excepto Nick Valensi) tomaron las riendas en proyectos personales medianamente exitosos.

¿Que ha sucedido? O mejor dicho: ¿Cuál  ha sido la evolución de una de las bandas que se establecieron como estandarte del revival del rock a inicios del milenio después de aquel “entachamiento” en el que estaba inmersa la industria musical? Pues lamentablemente no existe tal evolución, sino todo lo contrario, el proceso creativo de esta nueva producción ha significado una involución  bajo el intento de fraguar las viejas glorias que les brindó su disco debut en aquel tan distante 2001. El mismo Nikolai Fraiture ha mencionado animosamente: “Angles bien se podría ubicar sonoramente entre Is This It y Room On Fire”. El hecho es que están lejos de recobrar esos antaños laureles, al menos con Angles.

El título del disco resulta atinado y bien parece mostrar los diferentes ángulos de visión e influencias de géneros que cada uno de los músicos le ha impreso a su cuarta larga duración. El siseo entre estilos musicales nos lleva desde el New Wave ochentero en “Two Kinds of Happiness” y “Games”, el diluido intento de rock progresivo en “You’re So Right”, la caricaturesca emulación de Queen en  “Gratisfaction”, hasta la cuasi mimetización de Muse en “Metabolism”.

La construcción de ese malforme e irregular cubo que se muestra en la portada de Angles es la perfecta analogía de su mismo sonido. Carente de cohesión, con intrínsecos vericuetos que provocan el desmoronamiento del intento de muchos entusiastas y el extravío de otros tantos que luchan por poder llegar a la aguda y estrecha cima, donde solo “Machu Picchu”, “Under Cover of Darkness” y “Taken For a Fool” se pueden encumbrar, ahí, en lo alto.

Mejor Canción: “Taken for a Fool”

Precisa y concisa, sin aspavientos ni pretensiones pero con toda la actitud, elijo a “Taken for a Fool” como el mejor tema entre las diez canciones de Angles.

Bright Eyes
The People’s Key (Saddle Creek, 2011)
Estados Unidos

Calificación:

Texto: Daniel Patlán (@folkmetender)

Conor Oberst ya no es el adolescente de 14 años que hacía cassettes con su música, tampoco el jóven depresivo que componía temas como “Lua” o “The First Day of My Life”. Colgó el sombrero vaquero y las botas que usó en Cassadaga (Saddle Creek, 2007) para regresar a su natal Omaha (E.E.U.U.) directo del autoexilio que lo trajo a Tepoztlán, México, a componer y grabar su disco solista. Ya en sus terrenos, compuso un álbum maduro, contundente e inteligente, en el cual el chico emocional que conocimos en I’m Wide Awake, I’t`s Morning (Saddle Creek, 2004) creció para convertirse en el hombre de los ojos brillantes.

Recordando a Bob Dylan en su disco Bringing it All Back Home (Columbia Records, 1965) y su emblemática presentación en el Newport Folk Festival en 1965, cuando cambió la guitarra acústica y el folk por algo más eléctrico, potente y rockero, Bright Eyes presenta The People’s Key (Saddle Creek, 2011), su placa número siete.

La música que presenta Bright Eyes en este álbum esta influenciada por el Jefe Bruce Springsteen en tracks como “Jejune Stars”, “Haile Selassie”, “Triple Spiral”. Por otro lado, The People’s Key incorpora temas y términos del movimiento Rastafari como Zion (África en Rastafari), Haile Selassie I (último emperador de Etiopía, considerado un Dios encarnado para los Rastafari) y Lion of Judah. En “Firewall”, “Jejune Stars”, “A Machine Spiritual (The People’s Key” y “One For You” hay vocales grabadas por Denny Brewer, un músico-chamán que sirvió como inspiración para Conor durante el proceso de composición de The People’s Key.

“Firewall” es una excelente introducción que nos prepara para lo que viene: 10 canciones escritas por un hombre que ha entrado en la adultez. “Shell Games” incorpora sintetizadores, un instrumento poco común en la música de Bright Eyes. ”Approximate Sunlight” es obscura e introspectiva, llena de pasajes densos. “A Machine Spiritual (The People’s Key)” recupera el sonido de las guitarras acústica que hizo famoso a Conor durante la época de los dosmiles. “Ladder Song” es triste pero optimista al mismo tiempo y “One For You, One For Me” es un himno a la comunidad y a la unión de los unos con los otros, el espíritu hippie que acompaña a Conor se hace presente en este tema.

The People’s Key es un disco entero, íntegro y contundente. Es notoria la madurez que Conor Oberst ha alcanzado. El tiempo que dejó pasar entre Cassadaga y este álbum dio frutos verdaderos, melodías y canciones honestas que vienen directo del corazón de Conor. Da gusto escuchar tracks arriesgados, arreglos inesperados y lugares comúnes en donde Bright Eyes se siente cómodo y es quien manda. Esperamos ver pronto a Bright Eyes de regreso en nuestro país presentando sus nuevas canciones.

Mejor canción: “Shell Games”

Es el sonido tan fresco y rejuvenecedor que muestra Bright Eyes en The People’s Key. “Shell Games” es el primer guiño al nuevo sonido de Conor y su pandilla, los sintetizadores refuerzan los novedosos arreglos que muestran los Omaheños.

The Dears
Degeneration Street (Arts & Crafts México /Dangerbird Records, 2011)
Canadá

Calificación:

Texto: Daniel Patlán (@folkmetender)

Degeneration Street (Arts & Crafts México / Dangerbird Records, 2011) es el quinto álbum de los canadienses The Dears. Fue grabado en Montreal y Los Angeles por Tony Hoffer y representa el regreso triunfal a los pasajes obscuros y operísticos a los que nos tenían acostumbrados en álbumes como No Cities Left (Maple Music Recordings, 2003) y Gang of Losers (Maple Music Recordings / Arts & Crafts, 2006). Sin embargo, este retorno viene acompañado con una diferencia imporante: The Dears están llenos de optimismo. En producciones pasadas se percibía una melancolía abrumadora en los tracks de Murray Lightburn y compañía. Ahora, con Degeneration Street, la melancolía mutó a júbilo obscuro y denso que sólo ellos comprenden.

Un híbrido entre las canciones épicas y teatrales de Queen, la fuerza destructora del rock de Led Zeppelin, la potencia progresiva de King Crimson y la obscuridad optimista de cantanes de soul y R&B como Al Green, Barry White, Ben E. King, Isaac Hayes o Marvin Gaye. Los canadienses proponen en Degeneration Street un destino diferente. Ahora suenan como si quisieran llegar al final del arcoiris, cuando antes lo único que manifestaban era su profunda tristeza y desánimo. Piezas como “Omega Dog”, “5 Chords” y  “Blood” -los tres primeros tracks del álbum- nos reciben con la cara en alto y una actitud positiva. Por su parte “Lamentation”, “Galactic Tide” y “Degeneration Street” -track que cierra esta producción y que nos pone la piel de gallina y el corazón en la mano durante sus casi cinco minutos de duración- nos regresan a esos helados inviernos personales en los que The Dears nos acompañaban con su música. Su contraparte la encontramos en “Yesteryear”, un tema por demás alegre y soleado, con toques de xilófono.

Murray Lightburn y su musa Natalia Yanchak han encontrado la alineación ideal. No cabe duda -y el álbum lo confirma- de que se sienten cómodos y contentos con la banda, cada canción de Degeneration Street es emotiva pero al mismo tiempo muestra el lado más vulnerable de la banda, ya que al ser tan honestas dejan al desnudo las emociones más intensas -e internas- de cada integrante. Es un álbum que se esperaba con ansias y que no defrauda ni decepciona. The Dears lo hicieron de nuevo y este álbum nos da la confianza para decir que tenemos Dears para rato.

Mejor canción: “Blood”

La canción más épica en cuanto a riffs y estructura se refiere en el álbum. Contundencia pura en poco más de cuatro minutos. Se escucha a un Muriray Lghtburn confiado y a una banda enorme, llena de emoción y energía.

The Civil Wars
Barton Hollow (Sensibility Music, 2011)
Estados Unidos

Calificación:

Por: Daniel Patlán (@folkmetender)

El dueto formado por Joy Williams y John Paul White a partir de una audición para compositores de country presenta su álbum debut titulado Barton Hollow el cual es una mezcla de canciones folk, pop y country. Nada raro si tomamos en cuenta que la mitad del dúo es de California y la otra mitad de Nashville. El primer acercamiento que tuvimos con su música fue el sencillo “Posion & Wine” el cual fue parte de la serie Grey’s Anatomy y recibió el apoyo de la actriz adolescente oriunda también de Nashville, Taylor Swift, logrando así, ablandar el terreno para que Barton Hollow recibiera la atención necesaria de los medios y del público en general, aunque ya antes habían lanzado en descarga digital un LP llamado Live at Eddie’s Attic, grabado en la ciudad de Decateur, Georgia en su segundo show como The Civil Wars.

Barton Hallow es una colección de 12 temas que van del folk pop a la Jennny & Johnny al country americana de My Morning Jacket, sin ese toque de rock clásico, dicho sea de paso. Los cuatro primeros tracks nos llevan directo a la soleada California, son canciones nostálgicas que nunca llegan a ser dramáticas. Todo cambia en los tracks cinco y seis -”Poison & Wine” y “My Father’s Father”- los cuales mantienen la línea folkera pero se van más hacia el romanticismo y dejan a un lado el soleado paisaje para iniciar un viaje por carretera a un lugar desconocido. Con “Barton Hollow” descubrimos que el destino es Nashville y el sur de Estados Unidos. “The Violet Hour” es un corte instrumental que refleja la tristeza de haber dejado el lugar de origen y lo complicado que es adaptarse a nuevas condiciones de vida,  en los siguientes temas se escucha esa necesidad por pertenecer a un lugar que no conocemos.

Barton Hollow es un álbum incompleto, se queda sin decirnos el final de la historia. Después de la travesía de un lugar a otro no sabemos cómo terminó nuestro personaje. Últimamente, las películas tienen este formato en el cual el espectador inventa su propio final, quizá en este bemol fue que The Civil Wars decidió omitir el final de su historia. A través de canciones sencillas con arreglos acústicos precisos, este dueto hizo un álbum ligero de escuchar y agradable para amenizar algún viaje por carretera. Esperaremos la segunda producción de The Civil Wars para determinar su relevancia o saber si fueron parte de una moda que uso al folk como género para expresarse.

Mejor canción: “I’ve Got This Friend”

La manera en que Joy Williams y John Paul White unen sus voces y sus instrumenos en esta pieza la hace especial. De todas las canciones de Barton Hollow es la que más se le pega al escucha y la que más pegajosos coros tiene. Una gran manera de entrarle a este dueto romantico que -ironicamente- no son pareja ni tienen una relación sentimental a diferencia de sus contemporáneos Jenny and Johnny.

Braids
Native Speaker (Flemish Eye / Kanine Records, 2011)
Canadá

Calificación:

Por: Daniel Patlán (@folkmetender)

Bien decía un amigo, “2010: The Year of the Animal Collective Sound-Alikes“. En Estados Unidos y varios países del mundo, el sonido psicodélico lleno de capas y capas de ruido en psicotópicos fue “el pan de cada día” en los blogs especializados en música nueva: Sin embargo, dentro de este panorama monótono, llegó una banda canadiense de post-pubertos dispuestos a demostrar cómo se hacen las cosas en el nuevo siglo: Braids, quienes editaron el 18 de este mes su primer material discográfico, Native Speaker.

Braids es un grupo de cuatro integrantes oriundos de Calgary, Alberta que decidieron viajar a Montreal para poder tener mayor exposición musical. Su música es un experimento de psicodelia, estrobos delicados, loops de guitarras, teclados sutiles, voces suaves que llegan a sonar psicóticas y ruidos hipnotizantes y soberbios. “Lemonade”, el track abridor condensa todo lo que Braids significa en menos de siete minutos y es una grandiosa invitación a devorar el Native Speaker. De Cat Power a Björk, de Four Tet a The Album Leaf y Caribou, incluso Battles y The Flaming Lips, son citados en la música de estos canadienses.

Braids tiene lo mejor de dos mundos: son ácidos y angelicales, psicodélicos y pop al mismo tiempo. Native Speaker fue meticulosamente grabado y producido por la misma banda. Todos son instrumentos reales, no hay samplers. Este álbum es uno de los mejores debuts que hemos escuchado en mucho tiempo. Este álbum es una muestra que el talento no está condicionado por la edad.

Mejor canción: Same Mum

Este track engloba el concepto Braids al máximo, tiene el toque preciso de ruidos y ambientes, de guitarras, de voces y de percusión. Nada sale sobrando. Nos hace sentir como si flotáramos en una burbuja por los aires. Es maravillosa pieza de siete minutos.

Texto: Germán Sánchez (@mr_mutante)

The Black Keys, conformado por Dan Aurebach y Patrick Carney, es una banda directa heredera del sonido garage rock de los años setenta de The Sonics (de quienes hicieron el cover de “Have Love Will Travel” en su disco Thickfreakness) y de The Wailers. También se declaran abiertamente descendientes de los maestros del blues John Lee Hooker, Muddy Waters y Chuck Berry. Este combo de influencias los convierte en una de las mejores agrupaciones exponentes del genero garage rock blues lo-fi que nos hace recordar el origen y las profundas raíces del rock & roll manteniéndolo vigente, tarea nada fácil pero que, a lo largo de seis discos, han logrado emanar.

Brothers es elocuente y directo. A lo largo de los quince temas, el hedor de las guitarras vintage, riffs distorsionados y efectos análogos es omnipresente. El falsete provocativo en “Everlasting Light”, canción con la que abre el disco, y “The Only One” nos pueden sugerir la influencia de un chico nacido del funk y del soul llamado Michael Jackson. “Howlin’ For You” y “She’s Long Gone” son temas enérgicos con una base de batería compacta y maciza.

Aunque el blues tiene una etimología de improvisación proveniente de conversaciones rítmicas y el garage podría a bien ser un género desparpajado y estruendoso, The Black Keys crean melodías y atmosferas tan detalladas y al mismo tiempo potentes que redimensionan el género manteniendo la esencia pero al mismo tiempo puliendo exitosamente su sonido.

Mejor canción: “She’s Long Gone”

Con un bombo bien “jefe” y una guitarra con el fuzz suficiente para trepidar por cualquier superficie, “She’s Long Gone” es la perfecta muestra del excelente trabajo del dúo de Ohio.

Texto: Germán Sánchez (@mr_mutante)

Entre los Beach Boys y los Kings of Leon existen algunas coincidencias. En primer lugar, y la más obvia, es que ambas bandas son estadounidenses. Además, están formadas también por una triada de hermanos y un primo. El arte de los discos de los Beach Boys en sincronía con su música surf, mostraba regularmente imágenes alusivas a las playas: Sol, olas, arena y palmeras. El más reciente disco de los Followill muestra en la portada olas (aunque pequeñas), arena y palmeras, bajo el naranjado ocaso de una soleada y apacible tarde.

Tal vez estas sutiles conexiones no son obra de la casualidad. Come Around Sundown, el quinto y más reciente disco de los Kings of Leon tiene reminicencias a sonidos de aquellos años: el doo woop de los 50′s en “Mary” y sus coros dulzones. El gospel y blues –claras influencias de su infancia, cuando viajaban con sus padres por el sur de Estados Unidos predicando la palabra del señor– en “The End” y “Pyro” y su característico country rock en “Radioactive”, “The Face”, “Beach Side” y “No Money” con guitarras reverbeadas y melódica estructura perfectamente estudiada.

Si bien el paseo es ecléctico, aún así, está producción de los oriundos de Nashville no deja de ser conservadora sin mayores sacrificios que emanen una afinidad inmediata con el oyente o que contagien esa energía de un Youth & Young Manhood o un Because of the Times. Al final, es un álbum complaciente que no incomoda pero tampoco sorprende porque, si bien se puede fabricar un bien producido y cuidado álbum, a veces eso no es suficiente.

Mejor canción: “No Money”

Con sus 3:01 minutos, el noveno corte de Come Around Sundown, es una de las piezas que logra mostrar un poco del desenfado perdido entre las arenas de un disco promedio.

Texto: Germán Sánchez (@mr_mutante)

La representación de una fotografía en negativo bien podría ser la traducción de una toma errónea, un momento insulso y diáfano carente de protagonismo. La portada del cuarto LP de UNKLE presagia dicho suceso. Después de sacudirse el óxido industrialozo del potente War Stories, en esta ocasión, deambulan entre los terrenos más confortables de un sonido trip hop etéreo recargado de tintes tribales.

Para Where Did the Night Fall, el rasgueo de las guitarras lucha por no morir entre los beats que estructuran y acompañan en cada una de las canciones a las susurrantes vocales de las siempre obligadas colaboraciones dentro del proyecto de James Lavelle, que en esta ocasión corren a cargo de Mark Lanegan, Autolux y The Black Angels, por mencionar algunos. La reinvención de UNKLE es intrínseca en cada entrega, incluso en Where Did the Night Fall logra serlo al inicio del recorrido, pero desafortunadamente el intento se diluye bajo un repetitivo esfuerzo por mantenerlo a lo largo de los catorce -excesivos- tracks del álbum que no hacen más que hastiar hasta al más educado oído.

El advenimiento de la predicción dicta que hasta a los más férreos seguidores les tomará más de una vuelta al plástico para descubrir que, si bien Where Did the Night Fall no es la estrella en el repertorio de UNKLE, tampoco es pueril el tiempo empleado para intimar con sus melodías.

Mejor canción: “Follow Me Down”

La colaboración con la banda californiana Sleepy Sun es la excepción que no apela a una atmosfera intimista y se reencuentra con algunos de los extraviados riffs junto con un ritmo más dinámico que el resto de sus trece hermanas.

El próximo 31 de octubre, UNKLE se estará presentando por primera vez en nuestra ciudad en el Circo Volador.

Texto: Germán Sánchez (@mr_mutante)

Si pudiéramos imaginar la colisión de dos cosmos y su estruendosa sonoridad que no permite ni el más mínimo espacio al silencio y lográramos extraer, como muestra, una millonésima parte del choque, Surfing The Void no escatima en modestia, y bien, condensa los imaginarios sonidos de dicho cataclismo.

Para Klaxons, explorar los sonidos de un post space rock se convierte es una experiencia natural, porque si bien sus atmósferas no tienen nada que ver con lo contemplativo de un Ladies & Gentlemen We Are Floating In Space de Spirititualized o el Pink Floyd de Syd Barrett -tremendos para insuflar la epifanía de la calma después del big bang-  ellos son el caos y la estridencia del preciso momento de la explosión. Son el punto álgido de la función.

Después de tres largos años de haberse visto encumbrados con el reconocimiento que pueden tener los Mercury Music Prize en 2007 con su incendiario álbum debut Myths of the Near Future, para el cuarteto originario de la isla británica fue decisivo y necesario tomar este lapso de tiempo para definir el rumbo de su sonido, alejarse y aclarar la visión de lo que vendría. Una decisión acertada y honesta podemos decir ahora que tenemos en nuestras manos su segunda larga duración.

“Echoes” es el título de la canción con la que abre el disco y es como si nos dieran a entender que continúan sobre la misma línea creativa y que las melodías con las que reventaron las pistas en 2007 aún encuentran resonancia en este 2010. La misión: no dejar algún espacio en blanco, cubrirlo todo con brillantes colores y su festiva sonoridad. No pretenden desperdiciar un milímetro de lienzo. El resultado: una colección de diez temas que a lo largo de poco más de treinta minutos nos envuelven sin darnos tregua con capas y capas de sonido, sintetizadores, distorsión y una potente batería, bajo una excelsa producción a cargo de Ross Robinson (Korn, At the Drive In, The Cure).

Ya hacia el final, en la penúltima canción de nombre “Future Memories”, nos brindan ese advenimiento de un futuro en el que los recuerdos permanecen atemporales, sin poder discernir si navegamos en el vacío o simplemente estamos inmersos en un cíclico recuerdo del futuro infinito, donde Surfing the Void permaneció, permanece o permanecerá adherido.

Una obra redonda, completa y constante que sin ninguna animadversión podemos escuchar de inicio a fin es la que nos entregan los Klaxons. Algo que, para la forma de desarrolarse la escena musical en nuestros días, debemos agradecer e incitar para que siga sucediendo. Estamos hartos de bandas que se enfocan en uno o dos temas y el resto es mero relleno. Afortunadamente, estos muchachos no son de esa camada y aún se esfuerzan por crear obras enteras.

Mejor canción: “Flashover”

La decisión en definitiva es complicada, es una obra completa concebida como un todo. Tal vez podríamos destacar “Flashover” la cual nos engancha con su sincopada batería, sus trepidantes progresiones y precisos cambios de ritmo.