Morelia, Michoacán, 19 de octubre. Después de la función de estreno de El Premio, dirigida por Paula Markovitch (película de la cual ya hicimos una reseña), tuvimos la oportunidad de entrevistar a la actriz que lleva la batuta actoral de esta cinta. Laura Agorreca interpreta a Lucía, la madre de la niña protagonista de este filme, nos habló de su trabajo con Paula Markovitch, de cómo preparó este personaje que casi no se expresa hacia afuera y de cómo funcionó como la mano derecha de la directora dentro del set para poder sacar lo mejor de Paula Galinelli  Hertzog, la niña actriz que protagoniza la película.

Aquí la entrevista completa.

LifeBoxset.com: Laura, muchas gracias por estar con nosotros. La protagonista de la película es Cecilia, sin embargo su madre, Lucía, a quien tú representas tiene un peso dramático importantísimo. ¿Cómo fue la preparación de este personaje tomando en cuenta que no hay mucha expresión hacia afuera sino que casi todo el conflicto el personaje lo vive hacia dentro?

Laura Agorreca: A mí la composición de este personaje me fue muy agradable por que trabajé muy cerca de Paula (la directora) y ella me dio muchísima libertad para la composición. Más bien, me dijo un poco lo que ella quería, pero después me dijo “…las escenas las vamos a tener que llevar tú y yo…”, entonces más o menos puso los límites pero me dio libertad completa para improvisar, no en los diálogos pero sí en las acciones. Y en algunas escenas completas que no estaban en el guión pero ella las tenía en la cabeza me decía “…lo que pasa en esta escena es tal cosa…” y entonces yo iba y lo hacía, me daba vía libre. La composición en sí, digamos, las características de mi personaje surgieron a partir de las situaciones que vive. El contexto de este personaje es de estar huyendo, estar sola en un lugar hostil. La hostilidad del paisaje, el mar, el frío, el viento de alguna manera representan la hostilidad del exterior y el contexto politico que es de lo que ella está huyendo, está sola y está esperando a su pareja entonces su vida está como en “stand by”. Simplemente me imagine cómo ser madre en ese contexto, cómo hacerle entender a una niña algo a lo que nosotros como adultos podemos encontrarle una lógica pero en realidad es bien absurdo. Y más o menos el cómo se fue dando ahí mismo, yo tenía mucha libertad para improvisar y tenía muy claros los límites. No quería reflejar la violencia ni la ira, era más una madre ausente viviendo el dolor por dentro que esa que va y le dice a su hijo todo el tiempo que hacer o no hacer y la regaña. Trabajé mucho con el contener las emociones, con no manifestar la ira ni el enojo ni la violencia, la mayor parte de la película traté de contener las emociones para generar esta tensión entre madre e hija.

LB: A la película le hace falta un cierre convencional, no hay una conclusión cerrada con los personajes. ¿Cómo influyó esto en tu elaboración del arco emocional del personaje?

LA: Te voy a contar que este final es nuevo. Yo personalmente que he visto este nuevo corte, el mismo que haz visto sí creo que existe ese arco, sí creo que mi personaje empieza de una manera, muy contenida, sin expresar sus emociones, pero al final estalla. Y también está la niña que puja, puja y puja hasta que se da cuenta que quebró a la madre en un punto y en el final hay una descarga, una comprensión que llega tarde y por eso ese final. Como tú dices no hay una escena de conclusión, yo personalmente no la necesito y no creo que a la película como narración le haga falta, creo que más bien tiene que ver con un estilo y con una decisión estética que ha tomado la directora y está bien, que así sea.

LB: Ya que  hablas de la directora (Paula Markovitch) quien es una exitosísima escritora de cine y literatura, pero que como directora está debutando. ¿Cómo te fue con ella como directora?

LA: Yo no conocía la carrera de Paula, ella tampoco conocía la mía, entonces cuando nos conocimos estábamos muy frescas las dos. Paula es muy auténtica y es muy generosa y me ha dado mucha libertad, entonces el trabajo más grande que tuvimos juntas fue leer el guión de principio a fin, diciéndome qué era lo que pretendía en cada escena e intercambiando opiniones. Ese fue el trabajo más grande que yo tuve con Paula porque ya en el rodaje sí tuvo que abocarse a la niña, entre nosotros ya había un código y una metodología. Lo que más placer me dio de trabajar con Paula fue la libertad, a mí me gusta mucho proponer e improvisar en escena y Paula, a excepción de los diálogos, me dio vía libre y me sentí muy cómoda. Tengo muchas buenas experiencias con otros directores pero Paula me sorprendió con la grandeza de los grandes que se entregan y te dan la confianza. Hay una anécdota de una escena que no salía y no salía, hicimos todo el abanico de emociones que uno puede hacer hasta que Paula dijo “bueno, tengo tomas, ya veré”, se apagaron las luces y estábamos todos en silencio haciendo sonido ambiente y yo le hago señas de que me dejara intentarlo otra vez, cando cortan el sonido ambiente Paula sin duda dijo “Oigan, vamos a hacer una más”. A mí me pareció una generosidad tremenda el hecho de que me haya dado esa oportunidad teniendo todo listo para ir a casa, y no fue que hubo un problema de sonido o cámara, fue porque lo pidió un actor. Fue un acto que me llevo como una de las mejores experiencias de la película.

LB: Como la actriz profesional en esta dupla de protagonistas, contemplando que la niña no es profesional ¿cuál fue tu papel como asistente de la directora dentro del set?

LA: Paula y yo nos pusimos muy de acuerdo en que yo debía llevar la escena porque la niña nunca lo había leído y porque Paula no quería que ella supiera lo que estaba haciendo. La niña resultó muy profesional en el sentido de que yo proponía y ella me seguía, entonces, lo más costoso fue la parte de los diálogos porque Paula los quería a la perfección y la niña evidentemente no se los sabía. Yo decía una cosa, Paula me respondía, luego la niña y yo tenía como un delay en la reacción que sin duda fue lo más costoso pero creo que fue muy positivo en cuanto a la naturalidad de la niña. A mí me pareció muy bien resuelto y creo que el resultado final es muy positivo.

LB: ¿Qué fue lo que te llamó la atención al momento de leer el guión por primera vez?

LA: El guión me gustó porque habla de la dictadura de una forma tangencial y lo que más me atrajo fue que tomaba otra punto de vista, el punto de vista de la familia. Cómo se vive una dictadura tan violenta en el seno de una familia, y que hacía mucho hincapié en el vínculo entre madre e hija, eso me pareció muy hermoso. Me conecté mucho con todo esto, incluso para la composición del personaje.

LB: ¿Cómo ayudó la hostilidad de la locación para entrar en personaje?

LA: ¡Muchísimo! Este es un pueblo balneario, en los tres meses de verano la gente va ahí a pasarlo, pero el resto del año ya no hay nadie, es un pueblo desolado. Además me ayudo también por que muchas veces me ponía de pésimo humor al estar tan lejos de la civilización, el terreno no era bueno para el trailer, entonces tenías que hacer dos cuadras caminando si querías ir al baño, si querías sentarte a descansar, si querías no tener viento por un rato y realmente esas dos cuadras con el viento y con la arena tenías que ir cubriéndote, había que pensar si realmente querías eso. Ayudaba en ese sentido y también en el sentido de la soledad de ese lugar, el sentarte ahí solo en la playa a 20 metros de la locación, era muy fácil sentirte un pedacito de nada en el mundo, es un poco angustiante esa sensación.

LB: Cuéntanos un poquito lo que haz hecho y qué planes tienes. 

LA: Yo nací en Argentina, hice toda mi carrera allá, hice muchísimo teatro, estudié y dí clases en la Universidad de allá, en el IUNA, hice muy poco de tele y bastante cine, no sé si algo de lo que hice habrá llegado aquí. El Premio es una película que ha recorrido muchos festivales y ha sido muy premiada, me dio la posibilidad de conocer México y me ha encantado, estoy fascinada con México, con la forma de ser de los mexicanos y de cómo se vive en D.F., asi que aquí me quedo por lo menos por unos años porque estoy muy contenta. Y bueno, mi idea es trabajar aquí, yo creo que estos lugares (los Festivales de Cine) sirven mucho para eso, para darse a conocer, para conocer gente, intercambiar ideas, proyectos y bueno, yo creo que el estreno comercial de la película en México va a colaborar para que yo empiece a trabajar.

LB: Pues muchísimas gracias Laura y que tengas mucha suerte.

LA: Muchas gracias, un placer.

Para conocer toda la información relacionada con el programa y horarios entren a www.moreliafilmfest.com

“Quienes dicen que hay películas sin Género son unos ignorantes” Robert McKee.

Por: Edgar Lazarín (@chicholazarin)

Robert McKee es considerado el gurú de la escritura, su obra STORY ha sido fuente de inspiración para muchos guionistas de Hollywood. A diferencia de otros “maestros” del guión, McKee no tiene recetas mágicas para escribir una gran película, sus seminarios no te hacen un escritor exitoso, pero sí te enseñan la verdad de la escritura narrativa y lo que en su opinión debe contener un guión cinematográfico, novela o libreto de teatro.

Debido a que la próxima semana estará en la Ciudad de México para impartir un seminario de géneros cinematográficos tuvimos la oportunidad de entrevistarlo. La conversación fue muy amena e interesante, habló sobre los errores de los escritores principiantes, la escritura para series de televisión, las características de un buen escritor, e incluso de Michelangelo Antonioni.

Esta es la entrevista completa que Robert McKee concedió a LifeBoxset.com.

LifeBoxset.com: Señor McKee, ¿Qué lo inspiró a convertirse en maestro de escritura?

Robert McKee: Hace muchos años trabajaba escribiendo guiones para televisión en Hollywood, revisaba también otros guiones y me invitaron a una escuela de cine para dar algunas charlas a escritores, lo hice y me invitaron de nuevo. Cuando regresé para la segunda lección la población de los que iban a tomar mi curso se había triplicado. Continué dando las lecciones y cada vez que daba una nueva lección se requería de un salón cada vez más grande, así que me di cuenta que lo tenía que decir o mi manera de ver las historias era muy importante para esta gente. Las lecciones empezaron a competir con mi escritura, después me invitaron a Europa, y simplemente las lecciones se apoderaron de mi vida, nunca lo planeé, así que descubrí que lo que yo escribía sobre escribir era más importante sobre mi escritura de ficción.

LB: ¿Cuáles cree que sean los principales atributos que un escritor debe tener?

R.MK.: Primero que nada los escritores tienen que tener ideas, el mundo no necesita escritores que simplemente repiten lo que otros escritores han hecho con leves variaciones. Un escritor debe explorar lo que pasa en el interior de un ser humano, en el interior de una sociedad, debe tener una vision diferente de estos factores, una visión diferente sobre el mundo y esto no se puede enseñar. Hay un talento y un poder que no toda la gente tiene, el talento de ver el mundo de una manera nueva y fresca.

Después lo que un escritor debe hacer es perfeccionar el arte, lo que sea que inspire a un escritor no servirá de mucho si no saben expresarlo. Así que asi como un niño aprende a hablar de un lenguaje, un escritor tiene que aprender a escribir y perfeccionar el arte de escribir, y basicamente es todo. Se requiere mucha práctica, mucha experiencia, se tiene que saber improvisar, ver qué funciona y qué no y descubrir por qué funciona y por qué no.

Asi que de la inspiración debes convertirte en un escritor profesional que domine las técnicas. Independientemente de las técnicas el escritor debe ser paciente y perseverante, un guión no surge de un día para otro, requiere de tiempo, incluso años. El escritor tiene que fracasar para poder levantarse e intentarlo otra vez, escribir y escribir y escribir hasta llegar al punto en que tu inspiración va de la mano con el dominio de la técnica, esto regularmente tarda 10 años.

LB: ¿Cuáles cree que sean los componentes esenciales de un buen guión?

R.MK.: Primero tienes que atrapar al lector en las primeras páginas, siempre en las primeras páginas hay algo que te atrapa, ya sea un personaje o su relación con otros personajes o algo, pero algo que te atrape. Después debes mantener ese interés por las siguientes 120 páginas, el lector debe mantener ese interés porque quiere saber cómo termina la historia o lo que le sigue en esa historia, le preocupa lo que suceda con los personajes. Y después en las últimas páginas debes “pagar lo invertido”, debes darle al lector una experiencia emocional y significativa, sólida y profunda que de alguna manera le aporte algo en su vida, tiene que haber algo nuevo para el lector que le de una satisfacción a su corazón y a su mente.

En conclusión, un buen guión tiene un gancho, un mantenimiento del espectador,  y tiene un pago al lector.

LB: Para usted ¿cuáles son los errores más comunes que los escritores principiantes cometen?

R.MK.: Depende de si son escritores de novelas, obras de teatro, guionistas de televisión o de cine. Enfocándonos en televisión o cine creo que un error muy común es pensar o querer hacer lo que ha funcionado o tenido éxito en miles de proyectos de televisión o cientos de películas, muy a menudo tratan de imitar formulas que ya están muy gastadas y no se atreven a aventurarse a cosas nuevas. Después podemos irnos al otro lado, muchos escritores noveles tratan de ser lo más radicales posible, tratarán de ser diferentes solo por ser diferentes, quieren ser avant garde, quieren ser reconocidos instantáneamente como artistas así que van en completa dirección opuesta a la escritura común. Estos escritores quieren ser revolucionarios, pero no se toman el tiempo de sentarse y pensar cuál es el camino correcto para sus personajes o para crear situaciones. Sin embargo estos escritores se darán cuenta de sus errores, entrarán en razón y verán que en el mundo profesional se puede ser original y se puede escribir bien.

LB: Usted ha mencionado que las historias existen en el interior de los escritores pero que la parte complicada es hacerse a un lado y dejar salir estas historias. ¿Qué es lo que se tiene que hacer para dejárlas salir, especialmente si el escritor no es experimentado?

R.MK.: Pensando hipotéticamente que eres talentoso, las historias viven en tu interior, así que hay que dejarlas salir. La mejor manera, la única manera para mí de dejárlas salir es la improvisación, pruebas de esta manera, pruebas de esta otra, la clave está en experimentar con personajes y situaciones, si haces esto, tarde o temprano escribirás algo que te va a dar mucha emoción y te darás cuenta que “esta es la historia que quiere salir”. Después solo tienes que estar abierto y seguir improvisando, y para poder improvisar y permitir que la historia salga debes ser paciente, uno de los problemas de la gente joven es que se quieren apresurar, quieren terminar con el trabajo lo más rápido posible. La improvisación toma tiempo, tienes que hacerlo de diez maneras diferentes, de estas nueve seran inútiles y malas ideas, pero tendrás una buena idea. Es un poco contradictorio pero la improvisación requiere paciencia y largos duros días de experimentación, es como ser un científico y estar experimentando contigo mismo para descubrir dónde están tus buenas ideas. Definitivamente para que una historia salga de tu interior debes ser paciente y debes improvisar.

LB: El seminario que usted dará en México en unos días es acerca de géneros cinematográficos. Para usted ¿qué importancia tiene el género de una película?

R.MK.: Es extramadamente importante porque como artista, antes que nada tienes que descubrir qué tipo de historias amas. ¿Eres un escritor de comedia, de historias de crímenes, de historias personales, de historias de amor? O tal vez solo quieres escribir para televisión, yo pienso que la televisión es el futuro, creo que las obras maestras del siglo XX se escribieron para la televisión, como The Sopranos, The Wire, Six Feet Under, etc. Así que como escritor tienes que decidir qué genero amas, este género que escogas tendrá cientos de años de existencia, las audiencias conocen sus géneros muy bien por lo que el escritor tiene que hacer un estudio muy preciso de la naturaleza y las contensiones de este género. Es crítico para un escritor conocer lo que las audiencias conocen y esperan, el escritor debe tener un conocimiento superior del género para poder llevarlo a direcciones a las que no se ha llevado antes, mezclar los géneros y hacer cosas frescas y maravillosas con estos géneros. Para poder hacer esto el escritor debe estudiar el género y conocer el género mejor que la audiencia, si no hacen esto la audiencia estará por delante del escritor en su conocimiento del género y se aburrirá hasta la muerte.

Primero se tiene que obtener maestría en el arte de la escritura, posteriormente conocer y dominar los géneros y entonces se pueden mezclar, utilizar y hacer lo que sea con ellos para lograr cosas inimaginables.

Los géneros están dominados por las sociedades, el escritor debe conocerlos, estudiarlos y dominarlos para poder tener éxito.

LB: ¿Usted cree que hay un género único para contar una determinada historia o esta puede ser contada dentro de cualquier género?

R.MK.: Hay determinados conflictos que los géneros atrapan. Por ejemplo: el género de películas criminales contiene un conflicto social, el criminal en contra de la justicia o viceversa, las historias de amor manejan conflictos de nivel más personal, se trata generalmente de un conflicto entre dos personas en una relación íntima, la comedia normalmente trata conflictos sociales pero contada de una manera completamente diferente. Por supuesto que se pueden mezclar y puedes contar una historia de amor de manera cómica, o agregarle una subtrama de amor a una historia de criminales, o al revés. Es decir, ciertos géneros se llevan mejor con cierto tipo de conflictos o de relaciones, pero estos se pueden mezclar. Una manera de crear una serie de televisión o una película exitosa es haciendo esto, mezclando y uniendo los géneros.

Sí, se pueden mezclar los géneros en una sola historia, pero una historia no se puede contar en cualquier género.

LB: ¿Qué opinión tiene sobre los autores de películas que dicen que no les interesan los géneros y las estructuras narrativas? ¿Qué opina por ejemplo de las películas de Michelangelo Antonioni?

R.MK.: Antes que nada, cuando un escritor o director dice “No me gustan los géneros” es porque es un ignorante del género que escribe, por que todas las historias son genéricas. Michelangelo Antonioni no inventó un género, él contó las historias que contó porque las había leído antes, las conocía, ya existían, otros escritores estuvieron antes que Antonioni. Y me encanta Antonioni, hice un programa sobre Antonioni para la BBC, lo hice sobre un film específico llamado El desierto rojo. El desierto rojo por ejemplo es una película que está contenido en el género educativo, tiene lo que llamamos la trama educativa. Es la historia de una mujer que al principio de la película tiene una actitud muy negativa hacia la vida, tiene problemas para mantenerse cuerda, la luz que la rodea le causa dolor, etcétera, pero para el final de la película ha aprendido a vivir en paz con el mundo y a vivir en paz con ella misma.

A ese género se le conoce como el género de la trama educative. Lo que sucede es que el mundo de los críticos solo conoce la mitad de los géneros, los convencionales, pero al resto de películas que ven y que no les identifican un género les llaman “sin género”. Estas ideas de los críticos existen solo porque no se han dado el tiempo de estudiar distintos géneros como por ejemplo: el de trama de redención, trama de degeneración, la trama disolutiva, la trama educative, la trama evaluadora, etcétera, etcétera.

Así que cualquier película, cualquiera está escrita dentro de un género o dentro de varios géneros porque desde hace miles de años se ha escrito acerca de todos los conflictos humanos que puedas imaginar.

Entonces cuando la gente dice que una película no tiene género es solo porque es ignorante de los géneros y porque siguen la corriente absurda que la cultura popular ha implementado dividiendo las películas en películas genéricas y no genéricas.

Antonioni fue un gran cineasta, hizo filmes minimalistas y trabajó muy de cerca con conflictos de relaciones o conflictos personales, casi siempre en el género de la trama educativa. La gente que dice que una película no tiene género es porque no ha estudiado los géneros.

LB: Interesantísimo, mi última pregunta es ¿Hay algún escritor mexicano que le guste?

R.MK.: Sí, claro ¿me estás probando?

LB: No, es pura curiosidad.

R.MK.: Bueno, Del Toro es un gran escritor director. Me encantó el trabajo de la gente de Y tu mamá también, para mí es la película que mejor uso de la voz en off ha tenido, tiene una narración brillante y cómica. Hay muchas películas mexicanas que he visto, como Babel, 21 gramos, hay muchas películas mexicanas que he visto y que están perfectamente bien escritas. Aunque supongo que hay mucha gente en México que tienen un gran talento y que no conozco.

Con suerte los conoceré la próxima semana. Cuéntale a tu gente de Internet que estranaré mi seminario sobre series de televisión, será la premiere, es la primera vez que doy este seminario y estoy muy emocionado de dar este seminario porque he estado viendo la televisión desarrollarse y tengo claro que las series de televisión serán más destacadas que las películas en las décadas venideras.

LB: Ha sido un placer hablar con usted señor McKee, estoy seguro que nuestros lectores disfrutarán mucho de esta entrevista.

R.MK.: Eso espero, han sido muy interesantes sus preguntas. Nos veremos la próxima semana.

Robert McKee impartirá su seminario Genres en la Ciudad de México del 12 al 15 de octubre. Para más información sobre este y otros cursos de cine ingresen a www.filmschoolamericas.com.

Mix Master Mike estará de vuelta (oficialmente) el día de hoy, Jueves 21 de julio, para dar vida a la fiesta con motivo de la presentación de Burn en México y su sitio BurnMexico.tv. Y para la ocasión, tuvimos la oportunidad de conversar vía telefónica con el DJ detrás de una de las bandas más legendarias de rap: Beastie Boys. El resultado es el siguiente.

Texto: Christian Rojas (@christianxrojas) y Daniel Patlán (@folkmetender)

LifeBoxset.com: ¿Por qué decidiste convertirte en DJ?

Mix Master Mike: Fue mi amor por la música que decidí hacerlo. Mi escuela musical es muy basta, escuche música desde pequeño. Es mi verdadera pasión. Ser DJ me permite rockear con mis manos (jaja)

 LB: ¿Quiénes son tus DJ’s favoritos del mundo?

MMM: Los pioneros, gracias a ellos estamos aquí muchos de nosotros.

 LB: Si tuvieras la oportunidad de producir a algún artista legendario, ¿quién sería?

MMM: ¿Puede estar muerto? (jaja)

 LB: Sí, claro.

 MMM: Miles Davis, Jimmy Morrison y Jimmy Hendrix, todos mis heroes ya no están con nosotros,  por eso preguntaba.

 LB: ¿Cuál es tu opinion sobre la evolución de la tecnología en la musica?

MMM: En estos días lo asombroso de ser productor o compositor es que puedes tener un estudio profesional en tu backpack. Puedes tener Pro Tools, Reason, Ableton y demás programas. ¡Es un descubrimiento fabuloso! En otros tiempos tenías que tener todo el hardware, los discos y todos los aparatos e instrumentos físicamente. Ahora todo está condensado en una laptop. Me encanta la tecnología y hacia dónde nos está llevando.

 LB: ¿Crees que los avances tecnológicos facilitan el volverse un DJ famoso en estos tiempos?

MMM: Es más difícil ser famoso pero es más fácil ser DJ. Depende de qué tipo de DJ quieras ser. Cualquiera puede deejayear pero quién sabe si es bueno o no, depende del género también. El acceso a los programas facilita que los chicos tomen las tornamesas, es raro, ¿sabes? Nadie conoce el resultado.

 LB: Cuéntanos un poco sobre tu evolución con Beastie Boys. 

MMM: No hay mucho que contar, es maravilloso ser parte de una banda como los Beastie Boys, son un clásico.

 LB: ¿Algo que nos puedas contar sobre el nuevo álbum de los Beastie Boys?

MMM: ¡Viene buenísimo! Es muy diferente a los anteriores. Todos los álbumes hablan de su momentum y este no es la excepción.

 LB: ¿Cuál es el mayor reto de un DJ en un live act?

MMM: Llegar de tu casa al venue (jaja). Volar alrededor del mundo para dar un show y mantenerse sano. Una vez que estás en la fiesta lo demás es regalado, it’s a piece of cake (jaja).

 LB: ¿Cómo describirías tus pasadas experiencias en México?

MMM: Alocadas, una vez toqué en un gimnasio olímpico y fue asombroso. Me encanta la ciudad de México, la gente es increíble.

 LB: ¿Qué esperas de tu próximo show en la ciudad de México?

MMM: Por lo que he visto en Twitter, la gente está muy emocionada y he recibido muchas respuestas de la gente, dicen estar muy contentos de que vaya. Va a ser una buena fiesta pondré mi corazón para lograrlo. Es muy padre tener ese feedback con la gente. Haremos que esa noche sea inolvidable.

Así concluyó una breve y amena plática con el experimentado y elogiado DJ a unas pocas horas de que su esperadísimo set comience en el Laboratorio Arte Alameda.

Foto y texto: Daniel Patlán (@folkmetender)

Hace unas semanas platicamos con Hummersquealº sobre la salida de su nuevo disco titulado El Último Aliento (Discos Cobra, 2011), sus 10 años de vida y los recurrentes cambios de alineación de las bandas.

Lo primero que les preguntamos fue quién era Hummersqueal después de 10 años de carrera, varios cambios de alineación, tres LP’s y dos EP’s, a lo que los muchachos nos contaron que Hummersquealº era un grupo de necios que hacían música por el amor de hacerla, que lo daban todo por la música, que al final la música era lo que los mantenía juntos haciendo lo que más les gusta hacer. “No importa si el disco vende mucho o no, nosotros no lo hicimos por las ventas sino porque tenemos algo que decir con este disco” comentó Chris, vocalista y guitarrista, y en efecto, este disco no es un simple LP, sin ser un álbum conceptual, El Último Aliento muestra un México apocalíptico en un futuro no muy lejano.

Cuando les preguntamos acerca de las diferencias, además del cambio de alineación, entre su álbum anterior México, 1892 (Intolerancia, 2008) y El Último Aliento (Discos Cobra, 2011) dijeron casi al unísono que una de las principales diferencias era que en este disco cantaban Salva, guitarrista y Normand, bajista y en el anterior no. Otra de las diferencias que comentaron fue que este disco se grabó con mejor equipo y con mejor producción. Dijeron también que con este álbum querían hacer un statement como banda sobre el México que ellos ven, un país violento e inseguro en el que nadie está excento de vivir una desgracia. El arte del álbum, creada por Mackre, hablá de ello, podemos ver ilustraciones del Palacio de Bellas Artes en llamas o Tulúm siendo víctima de un tsunami. Más allá de un cliché, Hummersquealº escribió un álbum que habla con honestidad sobre la situación que vive el país. “Hay letras muy obvias como ‘Destruyamos la ciudad, todos los puentes arderán’, nos referimos a los puentes del DF, literal, hay otras que tienen más escondido el mensaje pero habla sobre eso”.

Otro punto a resaltar del álbum es su productor, Javier Blake. Sobre el tema dijeron que Javier es un viejo amigo de la banda y que conoce a Hummersquealº desde sus inicios entonces sabía qué era lo mejor para ellos. “Esta es la primera vez que trabajamos con un productor desde las maquetas, en discos pasados llegabamos al estudio con las maquetas hechas”, “Fue muy fácil el proceso ya que Javier es amigo de nosotros, su hermano, Kiko (Blake) nos ayudó con las baterías. No había esa presión de pensar que había que hacerlo rápido porque el tiempo del estudio esta corriendo, etc” comentó Adrián, baterista.

Cuando la estación de radio Reactor 105 inició, Hummersquealº fue de las bandas que más programó, la banda tuvo dos sencillos exitosos: “Buick a Monterrey” y “Consecuencias”, todo parecía indicar que habían entrado a las Grandes Ligas, ¿qué pasó?. “Hay bandas que sonaron en Reactor al principio que nunca más volvimos a ver, nosotros aquí seguimos de necios” dice Chris. La banda coincidió que fueron tiempo raros, ellos mismo creían haber logrado algo grande pero así como llegó se fue, sin embargo saben que fue un gran impulso para su carrera. Ellos se dedicaron a hacer lo que les gusta: música.

Les preguntamos también que sentían de ser considerados como un grupo de culto, “la verdad es que no creo que seamos un grupo de culto” Chris contestó, “Lo único que hemos hecho es hacer música que nos gusta” agregó Normand. Dijeron estar sorprendidos del recibimiento que tuvieron en su pasada presentación en el Vive Latino 2011, ya que hubo mucha gente viéndolos tocar en un horario tempranero. También nos comentaron que al ver las reacciones de los fans en la sesión de escucha del álbum sintieron mucha emoción ya que es para ellos para quienes hacen la música. “No creo que seamos una banda de culto, así como tampoco creo que seamos pioneros de nada, o por lo menos esa nunca fue nuestra intención” dijo Chris.

Para finalizar les preguntamos que a qué atribuían el hecho de que la mayoría de los grupos que llevan una década o más de vida hayan tenido cambios de alineación (Austin TV, Sad Breakfast, División Minúscula, Thermo, Gula y los mismos Hummersquealº). “La gente se aburre y deja de interesarle, es todo” dijeron, “Por eso decimos que somos necios, porque somos pocos los que seguimos aquí”. Así terminó nuestra charla con Hummersquealº, el mismo día que  su placa El Último Aliento (Discos Cobra, 2011) vio la luz.

Texto: Daniel Patlán (@folkmetender)

El pasado martes 28 de junio, previo al quinto show de Interpol en la Ciudad de México, platicamos con Sam Fogarino, baterista de la banda neoyorkina que regresó al Palacio de los Deportes después de seis años. Una plática casual entre amigos fue lo que pasó entre nosotros y aquí se las compartimos.

LifeBoxset.com: ¿Qué significa México para tí?

Sam Fogarino: Lo que significa para mí es un lugar extremadamente diverso en arte, en cultura, así como también geográficamente hablando. La topografía cambia en cada Estado y hay una increíble variedad de paisajes. Tristemente es algo que la gente en occidente no conoce, a menos que haya estado aquí y no sean parte de la masa de ignorantes.

Durante los años mi visión sobre México y los mexicanos ha sido muy diferente, nunca ha sido negativa pero tampoco había idealizado que esto es la Ciudad de México. Pensé que sería un poco más simple. Recuerdo cuando fuimos a Los Angeles por primera vez, o quizá no era la primera pero era de nuestros primero shows. Fueron dos noches en el Troubadour y me di cuenta de que la mayoría del público era de ascendencia mexicana, mexicanoamericanos. Eso me voló la cabeza porque además de la cultura del “Cholo”, los chicos están más metidos en el hip-hop y el arte urbano, nunca pensé que nosotros pudiéramos hablarles y comunicarnos con ellos a través de nuestra música. Esa experiencia abrió mi mente, me sentí muy ignorante (jaja). Mi visión de esto era muy estrecha.

He convivido con mexicanos toda la vida, vengo con frecuencia de vacaciones con mi esposa, hemos ido a distintas partes del país, a la península de Yucatán, etc. A lo largo de los años me he encariñado mucho con este país, por razones personales y por razones que tienen que ver con el éxito de la banda (Interpol). Antes de tener a nuestra hija fuimos a Tulúm, ese fue el último vuelo que mi esposa podía hacer debido a su embarazo y ese fue el último lugar al que fuimos como una pareja sin hijos, así que lo hace muy especial. Ahora tengo que traer a mi hija para que aprenda lo increíble que es la gente y los paisajes.

Y eso es totalmente honesto de mi parte.

LB: ¿Puedes contarnos una experiencia agradable y una no tan agradable que hayas tenido aquí en México?

SF: He tenido muchas experiencias agradables. La primera vez que estuve de vacaciones fue en Cozumel y practiqué el buceo, sólo que me fui demasiado profundo y me entró agua al oído, lo cual fue extremadamente doloroso y me asusté mucho porque necesito mis dos oídos para trabajar (jaja). Esa fue una experiencia agradable y desagradable al mismo tiempo.

Nuestro primer show en esta ciudad en el WTC fue totalmente increíble pero tuvimos que cancelar el segundo show porque el piso casi se cae a causa de lo frenética que estaba la gente. Así que ahí lo tienes, dos experiencias.

LF: De hecho ese era otro tema del que queríamos hablar, ¿qué pensamientos pasaron por tu cabeza durante el primer show en el WTC?

SF: La noche anterior salimos con unos dudes de nuestra disquera americana (Matador) y algunos de nuestra disquera mexicana (Noiselab) y fuimos a un Mariachi-bar (nota: Garibaldi). Teníamos que hacerlo, era una parada obligada. La mesa era como de 15 personas y estábamos jugando “el juego de la electricidad” (toques) y aparentemente me había tomado una botella completa de tequila (jaja), así que no era muy bueno jugando ese juego (jaja). Nuestro label head, quien es un tipo muy grande y que aguanta mucho bebiendo, le avisó a mi esposa que me había tomado una botella completa de tequila. Al parecer tuve envenenamiento por alcohol y tuve que ir al doctor al día siguiente para poder tocar, ya que estaba más allá de la resaca. Así que subimos y me sentía fatal, pero estábamos frente a una audiencia increíble. Desde el minuto uno el escenario se balanceaba y se movía, sin embargo, yo me sentía tan mal que no tuve tiempo para pensar en nada más. Literalmente no pensaba en nada (jaja). A veces cuando te sientes muy mal tanto física como mentalmente, tocar música es fabuloso porque es lo único en lo que realmente puedes concentrarte. Al poco tiempo me di cuenta de que no nada más era que la audiencia fuera muy entusiasta sino que el piso era muy débil. Después de tocar nos informaron que no habría segundo concierto ya que pudo haber sido una tragedia. Pero bueno, teníamos que regresar un par de meses después para tocar frente a mucha más gente, así que estuvo muy bien.

LF: Después de 10 años, ¿qué significa Interpol para ti?

SF: Es bastante interesante, pasas demasiado tiempo construyendo tu momentum y llegas a cierto nivel y sigues avanzando, pero en algún punto estás totalmente lleno y empiezas a quejarte sobre los detalles menores como: “el avión está muy lleno”, o “esta Van no es suficiente”, o “el room-service de este hotel para a las dos de la mañana, ¿qué les pasa?”. Y después te das cuenta de que eso no significa nada y en algún punto reflexionas y dices: “Dios mio!, espera, cuando era niño fantaseaba con estar en un grupo de rock y hacer música para vivir y ahora lo hago, ¿de qué tienes que quejarte realmente?” y de repente ves el estado en el que está el mundo, económica, social y políticamente y entonces debes checar qué estas haciendo. Vé en dónde estoy en este momento, hablando contigo casualmente, tengo la oportunidad de hablar sobre lo que hago para vivir. Tengo que observar cuidadosamente sobre qué cosas me quejo, así que de vez en cuando debes checarte a tí mismo. Interpol -sonará como una estúpida tarjeta de Hallmark pero es verdad- es la realización de lo que soñaba de niño, me trajo aquí. Además hay otras cosas paralelas a ello: la casa donde vivo, de qué manera puedo proveer a mi hija, etc. ¡Y todo eso es a través de tocar la batería!. Es algo muy loco.

Así finalizó nuestra charla con Sam Fogarino, quien horas después subió junto con sus compañeros Daniel Kessler y Paul Banks a dar un grato concierto en el Palacio de los Deportes. Agradecemos al Hotel Brick y a Arts & Crafts México por las facilidades para esta plática.

El día de hoy tendremos una actividad muy especial con una de las bandas más consentidas de México, Austin TV. Se tratará de una conversación en vivo a través de Twitter. ¿Cómo funcionará? Completamente en tiempo real. Desde nuestra cuenta en Twitter (@LifeBoxset) comenzaremos a preguntar a Austin TV (@Austin_TV) en punto de las 5:00 p.m. y durante 30 miuntos intercambiaremos replies y menciones las cuales podrán ser vistas por todos aquellos que siguen ambas cuentas. Hablaremos sobre la nueva etapa de la banda, su nuevo disco, su presentación en el Teatro Metropólitan y muchos temas más de una forma muy dinámica.

Si desean participar en esta conversación, manden su pregunta en un reply a @LifeBoxset y nosotros la replicaremos para que todos los seguidores de la entrevista puedan conocer su pregunta la cual, con todo gusto, será respondida por la banda.

Recuerden, en punto de las 5:00 p.m. de hoy, Lunes 4 de julio, arrancaremos. ¡No olviden seguir ambas cuentas en Twitter (@LifeBoxset y @Austin_TV)!

Las actividades del festival MUTEK 2011 en Montreal, Canada, continúan y nosotros hemos podido acercarnos a distintos artistas participantes para poder entrevistarlos. Uno de ellos ha sido FaltyDL con quien pudimos charlar antes de su presentación en NOCTURNE 3, en Metropolis. Estas fueron sus palabras grabadas con la ayuda de la Grabadora Digital Sony ICD-PX820..

LifeBoxset.com: ¿Cómo te sientes con tu presentación de esta noche en Mutek?

FaltyDL: Estoy muy contento, es un honor estar aquí. Nunca había tocado en Montreal. He visitado Montreal antes pero nunca para tocar. Es muy cerca de Nueva York así que es bonito venir en un viaje tan corto para tocar un show. Básicamente me bookearon a través de Modeselektor, ellos escogieron quién tocaría con ellos y pues así fue. Es algo grandioso realmente lo agradezco.

LB: Tiene que ver con Modeselektion, ¿no?

FaltyLD: Sí, exacto

LB: ¿Qué opinas de eso?

F: Me parece algo fantástico, es muy interesante que llegaran a un punto ene l que son muy reconocidos y ahora ellos pueden ayudar a otros grupos. Hacen lo mismo con su disquera, editan música de artistas emergentes y acaban de hacer una compilación bastante buena también. Yo toqué con ellos en NYC hace como 6 meses y así fue. Es bastante cool lo que hacen.

LB: Acabas de editar tu nuevo álbum, ¿cómo te sientes al respecto?

F: Me siento aliviado, satisfecho, contento de que este afuera. La respuesta en general ha sido bastante buena. Es divertido que cada ve que saco un álbum a la luz quiero empezar a hacer el nuevo. Mi sonido cambia muchísimo también cada vez que escribo música nueva. Las canciones que he escrito en los últimos 2 meses son muy diferentes al sonido del álbum.

LB: Hablando de eso, te gusta explorar muchos sonidos y género a través de tu música pero, ¿cuál crees que es el que mejor define el sonido de FaltyDL desde el interior?

F: El primer género que empecé a hacer y con el que edité mi primer material y que lo siento como mi hogar es el UK Garage y el 2Step, pero siendo totalmente honesto, la música con la que crecí y que sigue llamando mi atención es la electrónica británica como Aphex Twin o Squarepusher. Algunos lo llaman IDM pero en lo personal me parece un terrible nombre. Amo ese tipo de música pero también me gusta mucho la música Dance aunque el IDM es otro tipo de música Dance pero bueno…

LB: IDM quiere decir “Intelligent Dance Music”…

F: Sí y de hecho es bastante insultante (jaja) ya que quiere decir que toda la demás música que no es IDM no es bailable. Yo creo que toda la música que te hace bailar es bastante inteligente. Yo creo que ver a la gente y sólo rascarse las mejillas es menos interesante y menos inteligente en cierto modo. Hay menos conexión con la gente.

LB: Claro, pero al final del día, mucha gente te reconoce como un importante productor de Dubstep, ¿cómo te hace sentir eso?

F: Estoy bien con eso, no es algo que me haga muy feliz porque no creo que yo haga Dubstep. Y por el otro lado, cuando empecé a editar discos hace 2-3 años, yo formaba parte del grupo de artistas que sí hacía Dubstep y que me gustaba mucho formar parte de eso porque la gente que estaba ahí era muy buena y su música era increíble. Pero la verdad es que es una manera muy fácil de llamarle a la música que se hacía en esos tiempos, no es tan acertado pero me gusta el término Dubstep y me gusta mucha música del género.

LB: El Dubstep funciona increíblemente bien en Reino Unido, es muy bien conocido como un género que nació en Londres con actos como Benga, Skream, etc, ¿cómo funciona el Dubstep en Estados Unidos con la gente y con los artistas?

F: Hay pocos promotores en América, algunos en NYC y otros en San Francisco que hacían noches de Dubstep en el 2005 y 2006 y traían a los primeros actos reconocidos como Skream, Benga, etc. En lo personal disfrutaba mucho esas noches de Dubstep en el 2005-2006 pero seguía muy undergound en América. Sólo en las grandes ciudades como en Los Ángeles, NYC o San Francisco, pero con el paso de los años el Dubstep se ha hecho más grande y más conocido en América, hay una nueva forma de Dubstep que es mucho más agresivo. Es algo que Skream y Benga siguen haciendo pero no todos.

LB: ¿Qué opinas de su nuevo proyecto, Magnetic Man?

F: No he escuchado el álbum completo, no es mi música favorita pero hace mucho sentido. Hace 15 años en la música electrónica fueron los Chemical Brothers, Prodigy, Underworld, estos grandes grupos que se hicieron famosos en el género. Tiene mucho sentido porque llevas el género a terrenos más populares y accesibles. No es justo decir que es sólo un género, Magnetic Man no es sólo Dubstep, tiene muchos otros género: Pop Tunes, Transmusic, etc.

LB: Cuando creas un ambiente nostálgico en tus tracks, ¿a qué responde?

F: En parte es porque sampleo discos viejos y eso hace que tenga un ambiente nostálgico porque es música que ya no se produce, entonces, o descubres que ya no se produce o te acuerdas de que existía y que creciste con esa música. Son sonidos viejos y antiguos. Además el hecho de samplear discos o canciones antiguas tiene una calidad de sonido diferente, un sonido particular. Suena simplemente viejo, eso le da el toque nostálgico.

LB: ¿Qué ha pasado en tu vida entre el primer y el segundo álbum?

F: Hago mucho de DJ, hice un tour por Europa un par de veces y toqué en varios shows. Me di cuenta de cómo funcionaba mi música en la escena de los Clubes, y hubo cosas que me gustaron mucho como las cuestiones del Dance pero otras no tanto. Así que me hizo regresar a casa y hacer tracks para la pista de baile, lo hice por un tiempo. Edité un par de sencillos entre los álbumes. El siguiente álbum es un paso adelante en mi producción y me siento más cerca de conseguir el sonido que tengo en mi cabeza. He madurado como productor en los últimos años.

LB: ¿Eso quiere decir que aún no consigues el sonido que quieres plasmar?

F: No sé si alguna vez lo encuentre. Lo he dicho antes, en el viaje de tratar de hacer música o cualquier tipo de arte, lo más importante es lo que pasa entre el punto A y el punto B. Lo que suceden entre el punto de partida y a donde querías llegar. Ya sea en el sentido personal, o en el musical o en el arte. Para mí eso es mucho más importante que el resultado final. El resultado final es encontrar el sonido perfecto que quiero pero no creo que llegaré a eso ya que cuando llegue ya me gustará otro sonido y trataré de encontrarlo. Y así es como se dan las cosas, es un dilema y es un poco deprimente porque nunca estás totalmente feliz con lo que haces. Es difícil pero es bueno, te mantiene activo.

LB: ¿Tienes planeado editar un nuevo álbum pronto?

F: Sí claro!, me encararía sacar pronto un álbum pero creo que no saldrá sino hasta el próximo año pero quiero seguir haciendo música y probablemente en unos 8 meses me sentaré a ver los 100 tracks que he hecho en un año y veré cuales funcionan en el álbum. Definitivamente quiero seguir haciendo álbum sólo tengo que hacerlo con calma.

LB: ¿Te interesa hacer carrera dentro de la producción pero para otros artistas?

F: Lo que me interesa en estos momentos es encontrar a un buen vocalista que viva en Brooklyn cerca de mí y que no haya editado nada antes. Me gustaría hacer muchos tracks así y quizá hacer un nuevo proyecto. He hecho un par de tracks con vocalistas y me gustan mucho.

LB: ¿Tienes alguna banda favorita de rock?

F: Hay dos, una es Tame Impala. Recién conseguí su disco y me parece fantástico. Tiene ese modo a los Doors y a otras bandas de antes. Y también me gusta mucho Warpaint. El track “Elephant” me gustó mucho. La vocalista que también toca el bajo es actriz y salió en un par de películas cuando era joven. Es bastante cool. Me gustan mucho esas dos bandas.

Así concluyó nuestra entrevista con FaltyDL en el festival MUTEK 2011 con la ayuda de la Grabadora Digital Sony ICD-PX820.

Aardvark. Humanos fuera de su habitat.

Texto: Edgar Lazarín

Aardvark significa oso hormiguero, un animal que en su hábitat natural succiona hormigas para alimentarse. El nombre como tal no tiene mucho que ver con la narrativa de la película, pero el director se encargó de explicar en conferencia de prensa que le interesaba explorar qué pasaría si un oso hormiguero fuera sacado de su ambiente y puesto en un estacionamiento.

Así son los personajes de Aardvark; Larry, un invidente y alcohólico en recuperación, y Darren, joven profesor de yuyitzu y fiestero empedernido; dos hombres solitarios y extraños a casi todo lo que les rodea. Cuando Larry comienza a tomar clases de yuyitzu con Darren hacen química de inmediato y comienza una amistad que parece completar a ambas partes, sin embargo, Darren muere debido a su “misteriosa” vida, al parecer, de asesino a sueldo, y Larry queda de nuevo solo, sintiéndose fuera de hábitat.

Kitao Sakurai, el director de este filme, nos concedió una entrevista después de la función. Sakurai nació en Japón pero desde muy joven vive en Cleveland, Ohio. Como sus personajes, parece un extranjero en cualquier parte. A continuación la entrevista completa:

LifeBoxset.com: Sobre su pasado y cómo acabó en el cine:

Kitao Sakurai: Nací en Japón y crecí en Cleveland, Ohio, mis padres trabajaban en el negocio de la música. Mi madre era una solista de laúd y mi padre hacía instrumentos, yo fui un niño actor  desde muy pequeño y así fue como entré al cine.

LB: Sobre la influencia de su pasado como actor en su cine:

KS: El poder de la actuación es impresionante y expresivo, creo que todo lo que he hecho después de ser actor todavía se relaciona a la idea de interpretar. Cuando llegué a Nueva York empecé a ser fotógrafo de cine y eventualmente la cinefotografía se conviritió en mi fuente de ingresos. Incluso en ese momento sentía que seguía siendo un actor y que era un intérprete de la imagen, más que un fotógrafo.

LB: Sobre cómo nació Aardvark:

KS: Yo estaba en Buenos Aires atendiendo al Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), veía películas con mi socio productor y de pronto vino esta idea a mi cabeza, la película vino completa a mí. Es rarísimo que algo así suceda, que concibas la película de principio a fin, entonces le conté la historia a mi socio y de inmediato decidimos hacerla. No necesitábamos mucho dinero y los intérpretes estaban dispuestos a hacerlo así que rápidamente decidimos levantar el proyecto.

LB: Sobre sus pretensiones como artista en esta película:

KS: Es un filme muy personal, no es acerca de mí pero sí proviene de mi entendimiento espiritual interno de lo que es una relación. Estoy fascinado por varias cuestiones de las relaciones humanas como por ejemplo, las relaciones físicas que tienen los hombres, la idea de no poder comprender por completo el mundo que te rodea o de estar perdido. Hay un montón de ideas que yo tenía en mente, pero más que nada creo que esta película es una proyección de mi interpretación o entendimiento de estos aspectos reales del mundo y tiene la intención de transformarlos en algo que se pueda ver. Creo que lo que quiero decir es que hay una realidad más grande que la vida que vivimos, y lo que intenté hacer fue ficcionar esta realidad para exponenciarla todavía más y así poder transmitir una cierta verdad sobre el mundo.

LB: Sobre el guión:

KS: La historia está basada en la vida real de Larry y Darren y en cómo se conocieron, yo conocía un poco de esa relación, pero después entrevisté más a fondo a Larry y supe más de su vida e incorporé toda esa información en la película. A partir de ahí escribí un documento de veinte páginas que funcionó como una especie de esquema. El documento incluía prosa, poesía e imágenes que formaron las bases en las que produjimos la película. Sabía qué tenía que filmar ciertas escenas pero dejé el proceso muy abierto para cuando estuviéramos filmando.

LB: Sobre sus influencias:

KS: Abbas Kiarostami es uno de mis cineastas favoritos, sus primeros trabajos son impresionantes. Su aproximación al usar gente real para interpretar a sus personajes es el modelo que yo utilizo, pero él lo hace de una manera posmoderna y orgánica y eso hace que se sienta muy natural. Me encanta Paul Schrader, American Gigolo es una de mis películas favoritas, la manera en la que trabaja con la masculinidad en las imágenes es increíble. Podría seguir mencionándote influencias pero para esta película no usamos ninguna referencia.

LB: Sobre su propuesta fílmica:

KS: Cuando filmábamos la película teníamos esta idea llamada “la cámara cayendo”, que contradecía un poco la teoría cinematográfica donde tienes que encontrar el ángulo perfecto que lo dice todo y que es hermoso; la belleza estricta nunca ha sido de gran interés para mí. Me gusta la idea de hacer las cosas caóticas y aleatorias, “la cámara está ahí sólo por que ahí está”. Jim Jarmusch tiene una anécdota de cuando filmaba Death Man con Robby Müller como fotógrafo, y cuenta que de pronto encontraban paisajes hermosos, y en vez de filmarlos volteaban la cámara ciento ochenta grados y hacían la escena en dirección opuesta a la vista espectacular. A mí me gusta esa idea, ver lo feo y lo aleatorio. Sin embargo, en el proceso de edición terminamos buscando una forma bastante clásica, casi hollywoodense y pienso que eso tampoco está mal.

LB: El elemento más importante en su película:

KS: Los personajes son el elemento más importante de la película, y la manera en la que se conciben. El hecho de que sean personas reales y que su historia es la que se está contando es lo trascendental.

LB: Sobre su método para dirigir “no actores”:

KS: Creo que lo más importante es que apoyes a tu gente. Cuando estás probando algo nuevo y las cosas no están saliendo bien debes ser comprensivo y no presionar a tus colaboradores, no solamente a los intérpretes, si no al resto del equipo. Nunca debes enojarte con alguien que está haciendo un trabajo creativo, es absurdo.

LB: Sobre los formatos de producción de la película y su opinión de las nuevas tecnologías:

KS: El soporte que usamos fue digital, pero usamos unos lentes anamórficos rusos que se hicieron en los setenta y por eso tenía ese look raro y específico. Creo que en este momento ya no hay mucha diferencia entre el video digital y la fotografía, ambos se ven muy bien, los dos son caros. Y no creo que haya una gran diferencia para hacer una película en términos del soporte, sea digital o no, costará mucho dinero.

Pueden ver Aardvark en la Cineteca Nacional el próximo domingo 5 de junio a las 18:00 hrs.

Distrital cine y otros mundos / Del 27 de mayo al 5 de junio
Sedes: Lumiere Reforma, Cineteca Nacional, Centro Cultural Bella Época-Cine Lido y CCU Tlatelolco
Cartelera: www.distrital.mx

Texto: Daniel Patlán (@folkmetender) y Christan Rojas (@christianxrojas)

Foto: Daniel Patlán (@folkmetender)

Hace unos días pudimos platicar con Daniel Kessler, guitarrista, fundador y principal compositor de la banda neoyorkina Interpol. Entre recuerdos del mezcal y los famosos “toques-toques” de los bares, Daniel nos contó muchas cosas acerca del nuevo Interpol tras la salida de Carlos Dengler y sus visitas a México.

A continuación la entrevista completa.

LifeBoxset.com: ¿Cómo la pasa Interpol en estos días?

Daniel Kessler: ¡Muy bien! Estamos en la tercera semana de tour y nos queda todavía mucho por recorrer.

LB: ¿En qué maneras es diferente Interpol (el álbum) a sus pasadas tres producciones?

DK: Es un paso adelante, se trata de nunca repetirnos e ir hacia adelante. Fue un disco que salió después de tres años, suena a Interpol y reconoces elementos de cada miembro pero tiene un nuevo sonido ¿sabes? Además hemos adquirido un poco de experiencia en la escritura de canciones y en la grabación de las mismas.

LB: ¿Qué ha cambiado en Interpol a raíz de a salida de Carlos D, tanto arriba del escenario como abajo del mismo?

DK: Es sencillo, trata de sacar a algún integrante de una banda y la dinámica cambia de inmediato. Carlos es un gran músico una gran persona pero bueno, como sabes, dejo la banda para seguir sus propios proyectos. Sin embargo seguimos trabajando con gente muy importante, están Brandon (Curtis) y Brad (Truax). Somos muy buenos amigos y hay gran quimica entre nosotros, lo que nos ha permitido dar grandes shows.

LB: Cuéntanos un poco sobre cómo llegaron Dave (Pajo) y Brandon (Curtis) a la alineación de Interpol

DK: Bueno, Dave ya no está con nosotros, tiene una familia muy nueva y decidió quedare en casa y crear su hogar. Yo conozco a Brad desde hace 15 años, somos grandes amigos. Eso es bien importante (tocar con amigos y gente que conoces), además son grandes músicos. Brandon toureó con nosotros cuando los Secret Machines abrían nuestros shows, es un placer estar con ellos. Son gente muy responsable

LB: ¿Cómo se sienten de ser una especie de Nirvana o The Cure para las nuevas generaciones?

DK: No lo sé, la gente dice eso pero a mí me cuesta trabajo creerlo. Lo que quiero decir como músico es exactamente lo que hago, no importa mucho lo demás, no lo controlamos. Tenemos fans muy dedicados pero no sé en dónde estamos respecto a las generaciones que nos escuchan. Quizá un día lo haga y ponga atención a eso, pero ahora no.

LB: ¿Qué hacías durante el tiempo que Paul Banks estaba ocupado con Julian Plenti?

DK: Trabajaba en las canciones que formaron parte del cuarto álbum. En ese tiempo escribíamos mucho. Mientras Paul se fue yo me quede básicamente a hacer el nuevo disco (jaja).

LB: El próximo año es el décimo aniversario del primer álbum de Interpol, Turn On the Bright Lights (Matador/Noiselab, 2002), ¿cómo se sienten al respecto? ¿tienen planeado alguna celebración especial como un DVD o un tour o una re-edición?

DK: No lo sabemos aún. Ha pasado rapidísimo el tiempo. Para mi no han sido 10 años, hemos estado muy activos y en giras al rededor del mundo así que es un poco raro, hay demasiadas aventuras y experiencias en 10 años. No se que hagamos pero seguro será algo especial.

LB: ¿Cuál ha sido tu concierto favorito de Interpol en México: 2005, 2007 o 2010?

DK: 2011 (jaja). El próximo me emociona mucho.

LB: Cuéntanos una anécdota curiosa que te haya pasado en México

DK: Conozco muchas grandiosas personas en México y todas las veces que hemos ido me la he pasado muy bien. La primera vez fuimos, nos llevaron a tomar Tequila y había un señor que daba toques (jaja) así que nos dieron unos toques. Es un combinación peligrosa (Tequila y toques). El Mezcal me encanta, me gusta más que el Tequila.

LB: Y por último, ¿cuál es tu opinión sobre los blogs de música?

DK: Estoy contento y feliz de que existan. Me parece increíble. Yo no los leo ni los uso pero son una genialidad, una maravilla libre y dedicada a la música. Es un apoyo brutal a los musicos ya que los chicos  no tienen que esperar a los periodicos o las revistas.

Así concluyó una breve charla de tan sólo 10 minutos vía telefónica con Daniel Kessler. Interpol se presentará el próximo 28 de junio en el Palacio de los Deportes y su último álbum Interpol está a la venta a través de Arts & Crafts México.

Foto: Joe Gall

Texto: Daniel Patlán (@folkmetender) y Christian Rojas (@christianxrojas)

Como parte de la celebración del décimo aniversario de la Revista Marvin, platicamos con Brian Borcherdt (tecladista y efectista) de la banda canadiense Holy Fuck, quienes serán uno de los actos estelares del Festival Marvin. A continuación, la plática que tuvimos con motivo al show que darán este Sábado.

LifeBoxset: Holy Fuck es un nombre muy interesante, ¿cómo surgió?

Brian Borcherdt: (jaja) Pues sí, no hay mucho que hablar (jaja). Cuando empezamos no hacíamos mucho más que salir y cotorrear pero teníamos clavada esa palabra desde el principio. No teniamos muchas expectativas, solo queríamos hacer algo experimental y creativamente diferente a lo que habíamos hecho. Tuvimos muchos shows con amigos de fuera, sin embargo no era algo muy serio (jaja). De alguna manera pusimos ese nombre como broma, para demostrar que no nos lo tomamos muy en serio pero creyeron lo contrario (jaja). La verdad es que era una broma pero salió muy bien.

LB: ¿Cómo se sienten de venir a México?

BB: Estamos super emocionados. Este año no hemos hecho mucho tour, hemos hecho muchísimas giras los últimos 5 años y decidimos que nos tomaríamos este año libre. De vez en cuando damos un show aquí y alla, hicimos la excepción porque nos emociona muchísimo ir allá. Es un highlight para nosotros.

Foto: Dave Park

BB: Me parece increíble, es una gran iniciativa. En el sentido creativo se me hace muy emocionante.  Ser parte de la ciudad y de la comunidad, será algo especial con amigos y nuevos conocidos. Nunca iria a Coachella si no fuera al festival a tocar (jaja). Hay demasiada gente.

LB: ¿Cómo le ha ido a Holy Fuck con su LP Latin (XL Recordings, 2010)?

BB: Muy bien. Es el primer disco que hacemos con el respaldo de nuestra fan base (jaja). Se siente como algo nuevo, porque los pasados eran basicamente para darnos a conocer. Hemos toureado mucho este álbum. Es como el orden en el caos y estamos muy emocionados por el nuevo álbum que haremos.

LB: ¿Cómo se sintieron de haber sido nominados para el Polaris Music Prize?

BB: Fue algo asombroso, un verdadero honor. No estamos muy clavados en eso de los premios, ya que puede ser una distracción del proceso creativo pero es padre, sigue siendo un honor ser nominado con bandas amigas.

LB: ¿Hay algún sonido específico que no hayan conseguido?

BB: Nuestras canciones tienen que ver con lo creativo más que con ser popular, siempre somos muy puros y muy fieles a nosotros mismos. El siguiente disco queremos hacerlo mucho mejor, como si nunca hubiéramos hecho un álbum. Hay muchos niveles que encontrar, experimentar y descubrir, mucha experimentación sobre todo. Queremos algo más profundo, ir mas allá.

Foto: Brett Jorgensen

BB: No, no hacemos nada de Circuit Bending, hacemos algo muy puro. Buscamos algo usado, pasado de moda, generalmente es basura entonces lo conseguimos muy baratos. Experimentamos con ellos y listo. Hay una razón muy creativa, cuando usas una pieza de equipo específica sólo hace una sola cosa, y no lo hace tan bien (jaja) entonces mientras más cosas tenemos, más podemos experimentar y hacer cosas muy creativas. Darle vueltas jugando para crear algo más interesante que nos hace únicos y originales. Esa es la razón.

LB: ¿Hay alguna banda con la que les gustaría salir de tour?

BB: Somos muy afortunados, desde que empezamos nos invitaban bandas de nuestros amigos a irnos de tour y ahora es muy emocionante hacer lo mismo. Hemos toureado muchisisimo con !!! y gente que cree en lo que hacemos desde antes que la industria y la gente creyera en nosotros. Nos ayudaron mucisisimo, por ejemplo M.I.A y bandas similares, amigos. Siempre hay bandas nuevas que descubrir. Sería muy emocionante abrirle a Slayer o Sonic Yputh, siempre es un honor, mantenerlo más real e ir con bandas amigas que son parte de nuestro mundo.

LB: ¿Hay algún músico que les gustaría tener en el escenario con ustedes?

BB: A Neil Young, sería feliz que se subiera con nosotros a aventarse unos solos de guitarra.

LB: ¿Qué sigue para Holy Fuck?

BB: No mucho, seguir tocando, tomarnos tiempo libre y tratar de ser seres humanos normales. Dejar un poco las giras para componer nuestro nuevo álbum el cuál espero que vea la luz el próximo año.

Foto: Joe Gall

Holy Fuck se presentará el próximo sábado en El Imperial al lado de Descartes a Kant, Vicente Gayo y Bengala. Los boletos están disponibles a través de E-Ticket.

Foto: Surfer Blood

Texto: Daniel Patlán (@folkmetender) y Christian Rojas (@christianxrojas)

Como parte de las festividades del décimo aniversario de nuestros amigos de la Revista Marvin, platicamos con Thomas Fekete, guitarrista del novel grupo oriundo de Florida (E.E.U.U.), Surfer Blood. Acá les dejamos la plática completa.

LifeBoxset.com: ¿Cómo la pasa Surfer Blood en estos días?

Thomas Fekete: ¡Muy bien! Acabamos escuchar nuestro nuevo EP finalmente mezclado, ahorita está en el proceso de masterización. Son cuatro nuevas canciones, inéditas. Acabamos de regresar de tourear con Trail of Dead (sic.) [refiriéndose a ...And You Will Know Us By The Trail of Dead]. Vamos terminando el tour y estamos agotados (jaja).

LB: ¿Cómo se sienten de venir por primera vez a México?

TF: Muy emocionados, no podemos esperar. Hemos ido a muchos lugares en muy poco tiempo pero no a México, eso nos emociona. Además hemos escuchado que el público es muy salvaje (jaja).

Foto: Surfer Blood

LB: ¿Esperaban un inicio así? ¿Cuando empezaron estaba en sus planes todos estos tours y críticas de la prensa internacional?

TF: Empezamos la banda porque no teníamos opciones, era lo que queríamos hacer con nuestra vida. Queríamos dejar todo y dedicarnos a esto. Tuvimos mucha atención con Astro Coast (Kanine Records, 2010) pero no creímos que fuera a ser tan rápido, todo ha sido muy rápido ¿sabes?. La verdad es que desde el inicio soñábamos con esto, pero para ser una banda tan joven todo ha sido muy rápido. Por supuesto que no nos quejamos, hemos trabajado muy fuerte, sin embargo también tuvimos mucha suerte. Y eso siempre se agradece.

LB: Cuéntanos un poco sobre el proceso de composición y grabación de su álbum debut.

TF: JP (vocalista) llegaba con el esqueleto de las canciones, osea con la progresión de acordes y nosotros le agregamos detalles, riffs, efectos, sonidillos, cosas, ya sabes. Fue un proceso complejo ya que pasaron muchas cosas y cambiaron mucho las canciones. Mientras grabábamos escuchábamos las canciones y las arreglabamamos en el estudio, fueron 6 meses haciendo eso. Ahora con el EP fue diferente, nosotros escribimos al 100% y las canciones estuvieron listas antes de entrar al estudio. Lo escribimos durante la gira.

Foto: Surfer Blood

LB: ¿Tú crees que una banda nueva debe estar influenciada por los grupos de rock clásico o por los sonidos nuevos y frescos que están de moda?

TF: Ambos, sin duda. Nosotros estuvimos influenciados por ambas, desde Nirvana, Pavement, Sonic youth, y más, hasta los clásicos: los Stones, Beatles, Doors, etc. Las bandas actuales que nos gustan y admiramos fueron las que nos inspiraron a grabar un álbum, son las bandas que han hecho los mejores álbums en los últimos años. La inspiracion debe venir de ambas, muchas bandas de rock clásico son grandiosas.

LB: ¿Cuáles son los planes para el futuro de Surfer Blood? ¿Algún larga duración próximamente aparte del EP que saldrá pronto?

TF: Decidimos sacar el EP porque nuestro siguiente larga duración no verá la luz este año, seguro saldrá hasta principios del próximo año. En el EP que lleva por nombre I’m Not Ready (2011) hay cuatro canciones nuevas que escribimos en la gira. Van bastante bien, esperamos poner esas cuatro canciones en el próximo LP. Pero sentimos que era el momento perfecto para sacar un EP por lo que te comentaba del próximo álbum. Aunque ya tenemos cuatro canciones escritas para el nuevo LP aparte de las cuatro antes mencionadas. Estas canciones nuevas forman parte de nuestro setlist en vivo.

Foto: Surfer Blood

LB: Como mencionaste, han tenido mucho éxito con Astro Coast (Kanine Records), ¿qué cosas han cambiado o han hecho diferente en su nuevo álbum?

TF: Suena a cliché pero las letras son más maduras, es la verdad (jaja). Hemos crecido mucho en los últimos 2 años. Se nota en nuestra música, las canciones están mejor estructuradas. El primer álbum es muy poppy. Ahora estará mucho mejor grabado ya que lo haremos en un verdadero estudio de grabación. Sigue sonando a Surfer Blood pero mejorado.

LB: Si pudieran invitar a un músico legendario a que cantara con ustedes en su nuevo álbum, ¿a quién sería?

TF: Hay diferentes respuestas (jaja). Para mí sería sin duda Morrissey, pero bueno, sabemos que el señor es un poco cotizado y difícil de conseguir (jaja) y para JP seguro sería David Bowie.

LB: ¿Cuál ha sido su mejor show en lo que llevan de carrera?

TF: ¡Uff! que difícil pregunta, es complicado decirlo. Fuimos a un festival en Oslo (Noruega), se llama Oya Festival, ¡fue increíble! Había muchas bandas increíbles, grandes y pequeñas como nosotros. Estuvo Pavement por ejemplo, además había muchísima gente. En Barcelona también fuimos a un festival muy loco, muchas bandas dicen lo mismo (jaja) es muy enfermo ese festival, se llama Primavera Sound (jaja).

LB: ¿Conocen alguna banda mexicana?

TF: Hemos estado buscando información sobre las bandas con las que tocaremos allá. Acabamos de llegar del tour hoy y ha sido difícil ponerse al corriente. Apenas hoy nos enviaron el flyer y estamos buscando canciones y discos sobre las bandas. Eso nos emociona mucho al salir de nuestro país,  conseguimos discos muy interesante y conocemos muchas bandas que después son nuestros amigos.

LB: Y por último, ¿qué podemos esperar de su show en vivo?

TF: Un show brutalmente energético. Astro Coast (Kanine Records, 2010) es muy meloso pero en vivo es mucho mas ruidoso, ponemos mucha energía en el live show. Además tocaremos las cuatro canciones inéditas del EP.

Foto: Surfer Blood

Surfer Blood se presentará el próximo sábado en el Caradura Stage Bar ubicado en Nuevo León 73, Condesa. México, DF. Los Esquizitos, Atto & the Majestics y Bicicletas (Arg) compartirán cartel con los oriundos de Florida (EEUU).

Foto: Daniel Patlán (@folkmetender)  | Texto: Christian Rojas (@christianxrojas) y Daniel Patlán (@folkmetender)

La tercera visita de !!! (Chk Chk Chk) a la ciudad de México se llevó a cabo hace un par de meses cortesía de la revista Nylon quienes trajeron al grupo para amenizar su fiesta de segundo aniversario en el Laboratorio Arte Alameda. Un día antes de su presentación pudimos platicar con Nic Offer (vocalista) y Mario Andreoni (guitarrista) en su hotel, acá está la entrevista completa.

LifeBoxset: ¿Qué es lo que más les gusta de tocar en la ciudad de México?

Nic Offer: ¡¡Tacos!! (jaja)

Mario Andreoni: ¡¡Tacos!! (jaja)

NO: Amo a la ciudad de México, es una de mis ciudades favoritas en todo el mundo, aún cuando tenga que manejar horas para poder ir de una entrevista a otra -como hoy- conozco lugares que no conocía antes. Es una hermosa ciudad.

MA: Para mí también es una de mis ciudades favoritas en el mundo, hay una energía increíble en esta ciudad. Además tiene todo tipo de arquitectura y de edificios, eso me gusta.

LB: ¿Cuáles son las principales diferencias entre el !!! que se presentó la vez pasada en el José Cuervo Salón y el !!! actual?

NO: Tenemos un nuevo bajista, Shannon (corista) ya no está en la banda. Tenemos un álbum nuevo, básicamente eso: nuevos sonidos, nuevo bajista y sin Shannon, creo que es bastante diferente.

MA: La vez pasada que tocamos acá eran tiempos complicados para nosotros, creo que ahora estamos mucho mejor y eso se siente en la banda. Estamos en un buen momento.

LB: Ustedes tienen una pausa de tres años entre cada álbum de !!!, ¿qué pasa con ustedes en ese tiempo?

NO: Básicamente pasamos el primer año de gira, al rededor de nueve meses escribiendo y nueve meses grabando y después de eso nueve meses esperando para regresar. Así de sencillo.

MA: Es un proceso largo, quizá es más largo para nosotros que para muchas otras bandas, algunos de nuestros contemporáneos sacan discos cada dos o incluso cada año. Siempre es una meta y un reto sacar un álbum. Físicamente es complicado para una banda como nosotros y tenemos que esperar el momento en que estamos inspirados para hacerlo. Y si no llega pues tienes que sacar lo mejor de tí para encontrar ese momento, tienes que buscarlo.

LB: Cuéntenos un poco sobre el proceso de composición de Strange Weather, Isn’t It? (Warp Records, 2010)

NO: No puedo decirte nada, es un método ultra secreto (jaja).

LB: ¡Claro! Son nueve meses escribiendo y nueve meses grabando ¿no?

NO: (jaja) ¡Totalmente! Son nueve meses sentados esperando en una habitación blanca y haciendo ritmos con nuestros dedos y la mesa hasta que encontramos un beat que nos gusta y decimos: “Aha!”.

MA: Pasamos mucho tiempo tratando de definir el proceso de composición, a veces las canciones salen muy rápido. La última canción que escribimos así de rápido fue “The Most Certain Sure” del nuevo álbum. Hay canciones que salen muy rápido pero que nunca tocamos en la gira. Sin embargo hay canciones como “AM/FM” en las cuales hicimos mucha improvisación al rededor para que saliera la canción. Varía mucho.

NO: Seguimos inclinándonos por la improvisación pero intentamos mantener muchas maneras de componer para que las canciones sean frescas.

LB: ¿De qué manera afectaría o cambiaría su sonido si en lugar de siete personas hubiera dos o tres en el escenario?

NO: Nunca he estado en una banda con menos de siete personas, no sabría decirtelo.

MA: Yo solía tocar en bandas con menos gente y era más tranquila la cosa. Hace unos días tocamos en Texas y fue un poco complicado porque no teníamos a alguien que se hiciera cargo de los monitores así que era muy complicado escuchar a todos los demás. Fue muy raro para mí porque pensaba que la otra persona no estaba ahí y era muy feo sentir eso. Creo que todos somos vitales en este punto de la banda.

LB: ¿Qué cosas son las que más disfrutan mientras están arriba del escenario?

NO: Suele pasarme que la canción más nueva en el set es la que más disfruto en vivo, eso siempre me emociona: sentir la canción y hacerla crecer en vivo. Hay ciertas canciones, mis favoritas, en las que hay espacio para que la canción crezca y tenga momentos de improvisación. Me gusta mucho eso. Nunca había pensado cuál era mi parte favorita del show ya que todo el hecho de tocar en vivo me fascina, lo veo como un todo. Me encanta desde cinco minutos antes de subir al escenario, me gusta todo (jaja). Es una pregunta interesante. Lo que más me gusta definitivamente es dar un gran show y un gran concierto, no hay mejor sentimiento en el mundo que ese.

MA: Cada quien tiene su papel en el show y es increíble esuchar y ver que todos lo hacen de maravilla. Cuando un concierto suena bien y das un buen show, la sensación es hermosa. Puedes sentir mucha energía de parte del público, eso es de los mejores momentos del show, es muy emocionante.

LB: Después de llevar 10 años en las escenas de Nueva York y California, ¿cómo las ven hoy en día?

NO: Es emocionante, ¿sabes? Cuando empezamos no escuchábamos indie rock, sólo música disco y hip-hop contemporáneo, era la única música nueva que nos gustaba. Es emocinante ver que tus amigos tocan en las bandas que te gustan y que escuchas. Siempre hay bandas nuevas en Nueva York, hay cosas muy interesantes saliendo de ahí. Es increíble ver como va cambiando la música.

MA: Comparando los tiempos de cuando empezamos, hay muchas más personas haciendo cosas interesantes. Creo que ese ha sido el caso desde hace cinco años. Hemos visto a mucha gente salir de la nada y consolidarse como actos interesantes y dignos de ver y escuchar. Cuando iniciamos parecía que estábamos rodeados que bandas que sonaban igual, todas y cada una de ellas, ahora es diferente. Es un buen momento para hacer música definitivamente.

LB: ¿En dónde prefieren tocar: venues pequeños e íntimos o grandes festivales?

NO: Creo que es mejor vernos en un venue pequeño, pero definitivamente es emocionante tocar en un gran festival. Honestamente me gusta hacer los dos, son diferentes. Tienes diferentes herramientas. He visto muchas bandas grandes que no han podido dar ese salto a los festivales. En nuestro caso somos siete músicos en el escenario así que usamos todo el escenario y podemos contagiar esa energía al público. Me encanta tocar en grandes festivales pero los shows pequeños son especiales también. Ambos están bien.

MA: En los grandes shows generalemente tienes que probar que puedes hacerlo, lograr ganarte al público. Ese es un aspecto que nadie toma en cuenta y nadie te dice (jaja).

LB: La música de !!! podría ser el soundtrack o el score de una película de los años 70′s u 80′s o incluso de un blaxploitation film, tiene esos toques funky que caracterizan esos temas, ¿están interesados en lograr este crossover con las películas y hacer un score o un soundtrack?

NO: Es algo que podría ser un sueño lejano, no es algo que específicamente sienta que podemos hacer o que seamos los indicados para hacer pero si la persona correcta nos pregunta y es un proyecto que nos emociona, puede ser. Me gusta cuando los grupos hacen algo que te sorprende, que dices: “No sabía que podían hacerlo”. No tomaríamos ninguna película tonta ni boba pero si hay algo interesante o nos gusta el director, podríamos hacerlo. Le daría una oportunidad definitivamente.

MA: Creo que es muy interesante trabajar en terrenos poco conocidos, si tuvieramos algo o alguien con quien respondieramos visualmente y nos dijera: “escribe 30 minutos de música para esto”, seguro lo intentaríamos. Aunque no tendría que ser algo tan específico como eso, ya que trabajar con la libertad de hacerlo también nos gusta. Es algo que yo tengo en mente desde proyectos anteriores, hacer soundtracks o trabajar en películas, pero con !!! nunca ha salido a colación, nunca lo hemos hablado. Es dificl para nosotros incluso hacer un video entonces… (jaja)

LB: Y para terminar, ¿qué opinión tiene sobre los blogs y los sitios especializados en música?

NO: Creo que es algo muy emocionante. El poder de convocatoria es impresionante, es una reinterpretación sobre lo que era el punk y el DIY (Do It Yourself/Hazlo tú mismo) en un inicio: cualquiera puede hacerlo, cualquiera que tenga algo interesante que decir puede hacer un blog y decirlo. Cuando empezamos hace 15 años era algo inimaginable, ha sido muy interesante ver el proceso evolutivo de los blogs. Nos parece algo muy bueno.

MA: Yo visito una gran variedad de blogs, tengo mis favoritos y son muy específicos según el género musical. Siempre agradezco a las personas que tienen el tiempo y la obsesión de compartir con las demás personas. Lo único que en verdad odio es que me he topado blogs que en teoría comparten tu música pero realmente piden “donaciones” para no tener que trabajar y tratan de vivir de lo que tú haces, en verdad los odio. Prefiero que haya alguien que regale mis discos y se puedan descargar para promover al artista y demás cosas a que alguien llegue y me diga que va a poner unos discos para descarga pero que quiere una donación para seguirlo haciendo, eso me parece terrible, no lo soporto.

NO: ¡Que se jodan esos tipos! (jaja)

Así concluyó nuestra entrevista con Nic Offer y Mario Andreoni. !!! (Chk Chk Chk) continúa promocionando su último álbum de estudio titulado Strange Weather, Isn’t It?.

Momentos después del soundcheck (en donde escuchamos en exclusiva “Pulling Our Weight”) y unas horas antes de que los suecos de The Radio Dept. se presentaran en el Lunario, tuvimos la oportunidad de platicar con Martin Larsson (guitarrista / bajista) quien nos comentó acerca de la portada de su más reciente álbum Clinging to a Scheme (Labrador, 2010), su participación en el film de Sofia Coppola, Marie Antoinette, el origen de la banda, el por qué un EP es mejor que un LP, el show más grande que han dado y los blogs musicales.

Foto: Daniel Patlán

LifeBoxset: ¿Cómo te sientes de tocar por primera vez en México?

Martin Larsson: ¡Me encanta! Hemos visto un poco de actividad en blogs y en Facebook acerca del show. De hecho, antes de que supiéramos que vedríamos, había mensajes en nuestro Facebook que decían “por favor vengan a México” pero nunca esperamos que fuera a ser un show tan grande, en uno de los venues más grandes en los que hemos tocado solos. Nos dio mucho gusto cuando nos avisaron que tocaríamos aquí, aunque al mismo tiempo nos dio miedo por ser un lugar tan grande. No lo esperábamos, no podíamos saberlo. No sabíamos cuantas personas vendrían al show. Nos sentimos muy afortunados de poder hacer esto y estar aquí. Siempre hemos querido hacer algo mucho más grande y llegar a Sudamérica pero es muy costoso y toma mucho tiempo, me da mucho gusto haber podido hacer esta parada dentro de nuestra gira por Norteamérica, es mucho más sencillo.

LB: The Radio Dept. tiene más EP’s que LP’s, ¿a qué se debe esto y cuál formato les gusta más?

ML: Creo que puedo contestar las dos preguntas con una sola respuesta. Preferimos el formato del EP por muchas razones. Primero, porque requiere menos tiempo para hacerse. Somos un poco impacientes y nos gusta sacar constantemente música nueva. Siempre es divertido recibir feedback de todo lo que haces. Cuando lanzas algo en poco tiempo tienes esa reacción en poco tiempo y es más divertido. Esa es una de las razones. La segunda razón es que esteticamente amamos el formato, además es un poco excluyente ya que recibes menos reseñas, la gente le pone atención a los B Sides y a los A Sides, nosotros nos esforzamos mucho en los B Sides. Por otro lado, es una cuestión en la que somos muy necios (jaja) nuestra disquera -Labrador- nos odia porque queremos grabar tres canciones y tomarnos nuestro tiempo y hacerlo con calma. Ellos, lo único que quieren es sacar un single y nosotros los convertimos en un EP (jaja) y toma más tiempo entonces se frustran mucho con nosotros (jaja). Pero amamos el formato, es sencillo, puedes explorar con distintos géneros y elementos musicales sin tener que definirnos a nosotros mismos. Por ejemplo, podemos jugar un poco con el dub y si lo hiciéramos en un LP, entonces nos catalogarían como una banda de dub, ¿sabes?. Un EP está fuera del radar y por ende no te define.

Foto: Daniel Patlán

LB: ¿Cuándo sintieron o supieron que The Radio Dept. comenzaba a recibir atención de los medios internacionales?

ML: Supongo que fue desde el principio, cuando sacamos “Why Won’t You Talk About It?” conseguimos un contrato discográfico con Shelflife en Estados Unidos y fuimos a tocar ahí en el año 2003. Las gente nos ha contactado desde el principio, así que nunca nos dimos cuenta, aunque la gran diferencia fue aparecer en Maria Antonieta, el film de Sofía Coppola. No tuvimos el gran impacto que nosotros pensamos, de hecho teníamos miedo ya que eramos una banda pequeña y no sabíamos que hacer con nuestra música ni a dónde ir, y tener que definirte con tres canciones en una gran película era algo aterrador, digo, si nos aterra hacer discos y por eso hacemos EP’s, obviamente nos daba mucho miedo aparecer en el film (jaja). Pero claro, amamos sus películas y la respetamos mucho así que teníamos que hacerlo. Ahí fue cuando todo empezó a tener más potenica. Tuvimos shows en Perú y Tailandia, algo que nunca esperamos y eso probablemente fue por la película. Sin embargo los medios no nos pusieron mucha atención (jaja).

LB: ¿Puedes platicarnos un poco más sobre esa experiencia con Sofía Coppola?

ML: El supervisor musical de Sofía, Brian Reitzell, fue el que nos contactó. Leyó y escucho algo de nosotros y se lo enseñó a Sofía y a ella le gustó así que empezamos a grabar tracks exclusivos para la película. No funcionó y decidieron que mejor usarían canciones de nuestras previas grabaciones. No fue una gran experiencia para nosotros ya que fue todo por e-mail (jaja) pero por supuesto que estamos halagados y nos sentimos muy contentos. Sentimos que tenemos una conexión estética con ella (Sofía) y la respetamos mucho. Fue muy lindo.

LB: The Radio Dept. nació en los 90′s, ¿cierto?. Cuéntanos un poco sobre el inicio del grupo.

ML: Pues, lo único que nació en los 90′s fue el nombre. Johan (Duncanson, guitarra y voz) tenía una banda con Elin (Almered) llamada The Radio Department en los 90′s y cuando Johan y yo empezamos a escribir canciones en serio, tomamos el nombre. Supongo que es más el nombre lo que es de los 90′s, no tanto el grupo en sí ya que Johan y yo empezamos esto y Daniel (Täjder, teclados) entró en el 2003. Nosotros decimos que la banda realmente empezó en el año 2001.

foto: Daniel Patlán

LB.: ¿Cuáles eran las bandas que admiraban en aquella época?

ML: Depende, la “admiración” como tal es un poco rara. En lo personal no puedo admirar a alquien que no conozco, aunque sé a lo que te refieres. Escuchamos mucho a Neutral Milk Hotel, My Bloody Valenine y The Jesus and Mary Chain, supongo que bandas que salieron por aquel tiempo como The Strokes, pero en realidad no nos influenciaban. Aunque Neutral Milk Hotel y el DIY (Do It Yourself / Hazlo tú mismo) y el shoegaze de My Bloody Valentine sí lo hicieron. En realidad no sabría decirte, escuchábamos a Suicide, Stereolab, muchas bandas más. Supongo que puedes escucharlo en el álbum, en el primero -Lesser Matters (Labrador, 2003)- tratamos de robarnos todo lo que pudimos (jaja).

LB: Cuéntanos un poco sobre el arte del álbum Clinging to a Scheme (Labrador, 2010)

ML: Johan lo hizo. Encontró una imagen en la TV. Bueno, más bien tomó una foto directo de la TV de una película llamada Grass, que es sobre marigüana y “hierba”. Yo no la he visto pero Johan tomó la foto de esa escena en la que aparece un soldado en Vietnam fumando marigüana en su arma como si fuera pipa. Es una escena sumamente emotiva, podría parecer algo “cool”, mucha gente lo ve como un tipo fumando mota y reaccionan como si nosotros quisieramos ser “cool” con esa imagen, pero para mí, un soldado fumando marigüana de un rifle no es nada “cool”, al contrario, es algo deprimente y es algo sumamente triste y poderoso. Es una imagen muy vívida para nosotros y muy descriptiva con respecto a las letras y a la banda.

Foto: Daniel Patlán

LB: ¿En qué sentido este álbum es diferente a sus producciones pasadas?

ML: Clinging to a Scheme es un disco más directo, sin tanto rodeo. Si algo no nos gustaba, lo repasaríamos unas 20 horas tratando de hacerlo mejor, en lugar de tratar 60 horas de mejorarlo, nos moveríamos a algo más, tirábamos la canción y nos íbamos a la siguiente. Ese método nos trajo montones de grabaciones así que tuvimos muchas canciones incompletas. Básicamente fue eso, nos enfocamos en hacerlo más directo, no sé cómo describirlo, tratamos de que impresionara al escucha directamente, que dijera: “OK, esto es bueno”. No queríamos que trataran de encontrar lo bueno en los tracks y los desmenusaran, ¿sabes? Queríamos que fuera algo directo, si te gusta perfecto y si no, pues a lo que sigue. Ese fue el mayor cambio. Tratamos de hacerlo más up-tempo, más sucio y crudo pero siento que es lo mismo de arriba, el hecho de hacer un álbum directo.

LB: La última pregunta es, ¿cuál es tu opinión acerca de los blogs de música, tienes algun favorito?

ML: Creo que ahora es cuando en verdad están sucediendo los blogs, nunca había visto tantos blogs y nunca había escuchado a tantas personas en la escena hablando sobre blogs, nunca. Así que supongo que es un gran momento para los blogs, creo que también es un gran momento para los músicos. Siempre ha habido y habrá mucho de todo, así que nunca se sabe, pero presiento que es algo bueno. No tengo un blog favorito. A Johan le gusta leer noticias de la música sueca, pero a mí no se me da, no tengo uno favorito, sólo los de siempre y ya es aburrido, ¿sabes? (jaja).

Foto: Daniel Patlán

Foto: Daniel Patlán

Hace unas semanas pudimos platicar con Evan Mast, el 50% del dúo neoyorkino Ratatat, el cual se presentará los días 16 y 17 de febrero en Voilá Acoustique. Los boletos están agotados y este par de shows promete ser de lo mejor que veamos este año en la ciudad de México.

Hablamos del Festival Sonofilia, de LP4 (XL Recordings, 2010), de las bandas de dos integrantes y de sus experiencias en México, entre otras cosas. A continuación la entrevista que LifeBoxset.com tuvo con Evan Mast.

Foto: James Keni

LifeBoxset: ¿Cómo se sienten de regresar a México, saben que tienen una gran base de fans en la ciudad?

Evan Mast: Nos da mucho gusto regresar. Sentimos que estamos en deuda por que los shows pasados tuvimos problemas con el audio y fueron un desastre así que nos emociona regresar a tocar a México.

LB: Cuéntanos un poco sobre tu experiencia en las pasadas visitas de Ratatat a México y sobre el Festival Sonofilia con Björk.

EM: Mi experiencia en México ha sido bastante buena, muy intensa también. Hemos dado tres shows, muy raros todos ellos (jaja), Guadalajara fue muy raro, el Festival Sonofilia fue algo enorme, tuvimos muchísimos problemas técnicos y todo fue un desastre. La verdad es que no fue nuestro mejor show, me siento muy frustrado por ello y siento que le debemos algo a los chicos que fueron al show de Guadalajara. Espero regresar pronto y recompensarlos.

LB: ¿Qué prefieren: un venue pequeño e íntimo o un gran festival?

EM: En ambos nos sentimos cómodos aunque son diferentes. En un venue pequeño es más divertido y como dices, es mucho más íntimo. En un festival es muy raro, dependes de muchos factores: el clima, el público, el grupo anterior y el que sigue, etc. En realidad no sé, aunque Coachella ha sido uno de nuestras mejores audiencias hasta ahora, creo que prefiero los shows pequeños.

Foto: Toni Francois

LB: Hablemos un poco sobre el sonido de Ratatat, ¿ese sonido tan único fue meticulosamente planeado o fue algo espontaneo que simplemente pasó?

EM: Fue algo muy natural. Simplemente escribíamos canciones, las cuales cambiaban todo el tiempo hasta que terminaron sonando como suena Ratatat. Pocas veces hacemos las cosas tan planeadas, no nos gusta forzarlas a que pasen, preferimos que se den solas y de manera natural.

LB: ¿De qué maneras ha evolucionado Ratatat desde su primera grabación hasta su más reciente álbum LP4 (XL Recordings, 2010)?

EM: Ahora somos mejores compositores de canciones. Al principio no teníamos mucha idea, sólo tocabamos y ya. Ahora somos menos inocentes (jaja). Es extraño, ahora somos mejores en lo que hacemos.

Foto: James Keni

LB: ¿Tienen planes o han pensado en convertirse en una banda de más de dos integrantes?

EM: No lo sé, en los tours tenemos a veces un tercer miembro que nos ayuda con diferentes teclados. Es complicado porque tener una banda de dos integrantes es muy sencillo: los dos nos conocemos muy bien, tenemos las mismas ideas, etc. Cuando hay más integrantes no todos piensan igual y es más dificil tener todo bajo control. Quizá alguna vez lo haremos, la verdad es que no sé.

LB: Algunos nombres de sus canciones son en castellano, ¿cuál es la razón para ello, hay alguna historia detrás?, ¿cómo es el proceso de nombrar sus canciones?

EM: No, no hay ninguna razón en específico, simplemente suenan bien así (jaja). “Mirando” es una bella palabra, suena muy bien. Yo tuve clases de castellano a los 14, la verdad es que nunca me han servido mucho (jaja) y desde entonces me gusta esa palabra -Mirando-, ahora era el momento adecuado para usarla. Respecto a los nombres de las canciones, lo que hacemos es poner palabras que coincidan con la música, es todo.

LB: Si pudieran o tuvieran que tocar un álbum completo de su discografía, ¿cuál sería?

EM: LP4, es el álbum más reciente. Nos emociona mucho tocar en vivo cada una de las canciones que hay en él. Además es el álbum más complicado para interpretar en directo, es realmente imposible imitar en vivo cada sonido que hicimos en el estudio.

Foto: Toni Francois

LB: Hablando del live act, ¿cómo transforman las canciones de sus álbumes en estudio al show en vivo?

EM: Elegimos canción por canción y buscamos la esencia de la misma. Unimos las partes pensando en el público y agregamos uno que otro detalle.

LB: ¿Qué música escuchas en estos días?

EM: Tracks raros y bizarros de Elvis -Presley- (jaja). Últimamente mi novia es la que está a cargo del iPod así que se dedica a ponerlo en shuffle y a ver qué sale (jaja). Ha habido mucho hip hop, eso sí.

LB: Por último, ¿qué podemos esperar de sus presentaciones en el DF?

EM: Mucha diversión. Algunas locuras y mucho salvajismo, muchísimo.

Foto: James Keni

Los ruidosos muchachos de No Age visitarán la ciudad de México por segunda ocasión el día 4 de febrero y LifeBoxset.com platicó con Randy Randall (guitarra) hace un par de días sobre esta visita, sobre su álbum Everything in Between, el All-Ages Movement y Altamont Apparel.

Foto: Todd Cole

LifeBoxset: ¿Cuál es la principal diferencia entre una alineación común (guitarra, bajo, batería y voz) y una banda de sólo dos integrantes (batería y guitarra)?

Randy Randall: Realmente no hay muchas diferencias. Nosotros, por ejemplo, queremos sonar como una banda de 10 integrantes y sólo somos dos, estamos muy interesados en ver hasta dónde podemos llegar musicalmente hablando. Queremos conseguir un sonido tan grandioso como el de los Beach Boys, por citar a alguna banda.

LB: ¿Por qué decidieron ser una banda de dos integrantes?

RR: Un chico -Jeremy Villalobos- abandonó la banda que teníamos -Wives- y Dean (Allen Spunt, voz/batería) y yo decidimos no trabajar con nadie más y ser sólo nosotros. Entre más personas estén involucradas en el proyecto se vuelve más complicado, en cambio, dos personas es mucho más sencillo (jaja).

Foto: Todd Cole

LB: ¿Cómo es el proceso de composición y de grabación dentro de No Age?

RR: Generalmente la idea principal sale en guitarra y después en voz. Cuando grabamos es diferente, buscamos crear sampleos con instrumentos reales para crear melodías y luego loopearlos eternamente (jaja). Al final de todo metemos las voces y listo.

LB: ¿Qué diferencias podemos encontrar entre Everything in Between (Arts&Crafts México/Sub Pop, 2010) en comparación con sus producciones anteriores?

RR: Principalmente los samplers y los sonidos que creamos. Tratamos de inventar sonidos con nuestros propios instrumentos para después despedazarlos y convertirlos en algo diferente. Hay loops de guitarra y de voces. Otra diferencia es que para este álbum escribimos canciones más personales que en los anteriores.

LB: ¿Cómo fue el proceso de firmar con Arts&Crafts México y poder editar este álbum en nuestro país?

RR: La verdad es que sé muy poco de eso, lo único que sé es que Sub Pop -nuestra disquera- tiene una muy buena relación con A&CMx y por ahí se dio este deal.

LB: ¿Puedes platicarnos un poco sobre su participación con Altamont Apparel?

RR: Altamont Apparel es una marca de skate y de ropa de California. Nosotros siempre hemos sido muy fans del skate y tenemos una relación muy buena con Andrew Reynolds -Altamont Apparel- así que todo se dio de manera muy fluida. Estamos constantemente intercambiando ideas. Somos colaboradores musicales.

Foto: Glenn Koening/LA Times

LB: Cuentanos un poco sobre el All-Ages Movement y sobre cómo funciona.

RR: El All-Ages Movement comenzó en Seattle con la finalidad de compilar información sobre bandas y venues que apoyaran shows para todas las edades y no solamente para mayores de edad. Nosotros crecimos con la mentalidad DIY (Do It Yourself) y los mejores shows a los que he ido fueron antes de que tuviera 21. El All-Ages Movement trata de que cada vez haya más shows en venues para menores de edad, sin restricciones. Es ridículo ¿sabes?, ese tipo de acciones son discriminatorias para los chicos.

LB: ¿Cómo ves el 2011 en términos musicales? ¿Qué crees que nos espera?

RR: Viene bastante bien. La verdad es que no conozco muchas bandas nuevas, es complicado porque pasamos mucho tiempo de gira, sin embargo creo que viene bien este año. Hay un montón de bandas nuevas en Los Angeles. Además creo que las nuevas tecnologías ayudan mucho, ya sabes, todo ese rollo de Internet.

Foto: Todd Cole

LB: ¿Qué podemos esperar de su show en vivo?

RR: ¡Es sumamente salvaje! Aunque depende mucho del PA que hay en el venue. Nuestros shows son muy diferentes a nuestros discos. En los álbumes todo está cuidadosamente preparado, el ambiente que envuelve a los álbumes es muy controlado, y en los shows es todo lo contrario, hay un contacto directo con los fans y hay una gran comunión entre todos, es muy divertido. Cuando tocamos en vivo todo es energía y diversión. La gente que va a los shows celebra con nosotros y se vuelve algo muy divertido y agradable.

LB: ¿De qué maneras ha evolucionado No Age desde su pasada visita a la ciudad de México?

RR: La vez pasada que fuimos no teníamos todas las canciones terminadas, había muchas canciones nuevas que ahora son parte de Everything in Between. Ahora tenemos un tercer miembro que tourea con nosotros entonces hay un sonido mucho más completo en los shows. Las melodías son más impactantes ahora y la experiencia de ir a un show de No Age es mucho más completa.

Con eso terminamos la agradable charla con Randy Randall, guitarrista del duo No Age, quienes se presentaran el próximo sábado 04 de febrero en el Pasagüero, en un evento organizado por nuestros amigos de Arts&Crafts México.

Foto: Todd Cole

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Texto y foto: Fabricio Tomé (@fabriciots)

Napoleón Solo es una banda española que, a menos de un año con su actual alineación y con sólo un disco publicado, ya ha logrado rebasar sus fronteras para venir a México a dar dos conciertos. LifeBoxset.com tuvo el gusto de platicar con ellos, donde básicamente estuvimos “Perdiendo el Tiempo” durante aproximadamente 30 minutos entre charla, juegos, sesión de fotos y, sobre todo, risas.

LB: ¿Su visita a México es parte de alguna gira internacional?

NS: ¡No qué va, ojalá! En México sólo tenemos una fecha además de estar en Festival Corona Capital y después nos regresamos a España, donde sí tenemos varios conciertos de una gira que estábamos haciendo ahí.

LB: No sé si ya lo saben pero, en México se aproxima el Día de Muertos así que, a propósito de ¿si pudieran revivir a un músico para un palomazo a quién escogerían?

NS: – Tchaikovsky / James Brown / Beethoven / A alguien que pudiera sustituir al bajista nuevo que tenemos (risas no grabadas)/ A Michael Jackson.

LB: ¿Les sorprendió mucho cuando se enteraron que los pedían en México?

NS: Sí, mucho, de hecho todavía no la creemos.

LB: ¿Qué les han dicho del público mexicano?

NS: Escuchamos que es muy pasional pero no lo sabemos; sólo por los mensajes que nos han escrito ahí en el MySpace de que al parecer algunos son muy fans.

LB: Creen que la Internet es un medio que le ha permitido a bandas como la suya crecer y llegar más lejos en menor tiempo?

NS: Yo creo que sí. Definitivamente, para la música es muy bueno, no tanto para las disqueras, pero sí para la música como algo audible, algo artístico, ya que le permite a la gente conocer cosas nuevas. Los discos podrían acabarse como los conocemos, pero la música estará siempre y cosas como la Internet hace que las personas cada vez tengan más acceso que antes.

Después hicimos “El Intercambio”, ellos posaron para algunas fotografías y LifeBoxset.com, a falta de presupuesto, les mandó unas bailarinas exóticas, pero de plástico. También me pidieron la URL, la cual les escribí al reverso de un boleto de la “Ópera” de París, que encontré perdido en mi mochila y que vendría muy al caso por el nombre de su primer disco.

LB: ¿Ya los llevaron a comer tacos?

NS: No, todavía, ¿pero hoy podría ser nuestro primer día de comida mexicana?

LB: No, yo les recomiendo que sea después del concierto porque les puede caer mal a la panza.

LB: ¿Qué bandas Mexicanas conocen y les gustan?

NS: Conocimos en España al Instituto Mexicano del Sonido y suenan muy bien, también Café Tacuva de la cuál conocimos a Meme, y… está Furland. Escuchamos por ahí a Porter a raíz de un comentario en el que nos relacionaban y sí, nos gustó mucho.

LB: Hablando de otras bandas y a propósito del origen de su nombre, ¿alguna vez han pensado en la hipotética posibilidad de hacer una colaboración junto a Illya Kuryaki and the Valderramas?

NS: No lo habíamos pensado pero sí, Illya Kuryaki es el co-protagonista de Napoleón Sólo en la serie de tv.

LB: Lo pregunto porque por ahí detecté entre sus composiciones algún sonido funky.

NS: Sí, es lo que nos han dicho y a él siempre le gusta estar tocando funky (risas).

Pasamos a una pausa para pedirles que nos regalarán unos Dibujos en el Etch & Sketch de bolsillo, casi todos manifestaron lo malos que eran para dibujar y recalcaron que por eso no hicieron ellos su portada, así que Alonso hizo “un taco mexicano” que luego alguien se lo comió y posteriormente nos dibujó su versión de la Ciudad de México.

LB: Además del talento, ¿a qué le atribuyen el éxito tan repentino de la banda?

NS: Si esto es talento (refiriéndose a su dibujo), que baje Dios y lo vea (risas).

LB: ¿Desde cuándo ensayan con ésta alineación que se presenta en México?

NS: A finales de enero, pero hemos tocado todos en bandas distintas desde chicos y por ahí nos conocemos, pero como tal, es decir como Napoleón Solo desde principios de año.

LB: Yo sólo conocí Barcelona, pero nada más estuve un par de días, ¿Cómo es la vida allá en Granada, su ciudad de origen?

NS: Bueno, Barcelona es lo que menos se parece a España, Granada es un pueblo grande o ciudad pequeña (como lo quieras ver) pero tiene mucha vida, hay un gran movimiento de gente joven, mucha cultura, hay de todo.

LB: ¿Les gusta más tocar en lugares pequeños como bares locales o en festivales más grandes?

NS: Bueno, a mí me pone más nervioso un lugar pequeño, se siente más la energía de la gente / A mí me están gustando más los sitios grandes pero más que por la gente, por comodidad, porque luego cuando tocas en un escenario pequeño chocas con los instrumentos.

¿Qué esperan de su presentación en el Corona Capital?

NS: Bueno, pues todo es sorpresa, la verdad es que estamos emocionados pero, en realidad, no sabemos cómo será.

La plática estaba muy amena y creo que nos podríamos haber seguido hasta hacerse De noche, pero Al final pensé esto Tiene que acabar, así que me despedí de ellos y me fui nadando por Reforma.

Como muchos de ustedes sabrán, “la banda desconocida más famosa de Los Angeles” según Ibero 90.9, Autolux, se presentará en Voilá Acoustique presentado por LifeBoxset.com el día 22 de septiembre. Previo a esta visita, tuvimos la oportunidad de platicar con Greg Edwards, guitarrista de Autolux y esto fue lo que nos contó:

LB: ¿Qué significa Autolux para tí?

Greg: Significa demasiado (jaja), es una gran parte de mi vida. He invertido emocionalmente mucho más de lo que la mayoría de la gente invierte en sus trabajos. Abarca desde lo laboral hasta lo personal.

LB: ¿Qué pasó entre Future Perfect y Transit Transit?

Greg: Tomó mucho tiempo es cierto. El problema inicial fue debido a compañías discográficas. Nosotros ya no queríamos estar en nuestro sello discográfico, realmente no teníamos ningun interés en hacer un álbum para ellos, así que no nos sentíamos inspirados para trabajar y terminar el disco. Necesitabamos salir de esa situación antes de avanzar en el proceso de composición. Al final, una vez que el álbum estuvo terminado, no queríamos sacarlo hasta que tuvieramos la disquera apropiada para hacerlo, para tener la distribución que queríamos, para poder hacer giras y que tuvieramos los medios adecuados para hacerlo llegar a la gente. En medio de todo eso, vivimos un proceso de experimentación tratando de definir qué queríamos hacer con este álbum, hacia dónde lo queríamos llevar. Yo entré en un periodo en el que me la pasaba probando sonidos, escribía mucho, cosas que ni siquiera eran canciones, eran más bien collages a base de sonidos en los que había mucho caos y si los escuchabas 20 o 30 veces quizá podías escuchar algo de música en ellos (jaja). Al poco tiempo nos dimos cuenta de que no había lugar en el disco para esto, sin embargo teníamos algunas ideas que terminaron en el disco. Aún cuando tomó mucho tiempo, cada uno de los procesos que vivimos era necesario para hacer el disco que hicimos. La manera en que veo esto es que hasta cierto punto nos saltamos el segundo disco, no lo hicimos, en lugar de ello escribimos nuestro tercer álbum. Del primero saltamos al tercero.

LB: Su sonido puede ser descrito como “un sonido celestial proveniente de la post-muerte”, debido a todas esa capas de sonido envolvente y a sus angelicales voces, ¿qué puedes decir al respecto?

Greg: Eso fue uno de los conceptos sónicos que discutimos desde el inicio cuando nos conocimos. Recuerdo ir en el auto con Eugene (Goreshter) y hablar sobre la idea de tener esta unión entre las vocales suaves y melódicas con sonidos distorsionados e intensos. En ese momento la metáfora visual que teníamos era la de un ángel bebé sentado en el motor de un jet.

LB: ¿Cómo te sientes de venir a México? ¿Saben que hubo una excelente respuesta por parte de los medios y del público cuando supieron que venían al DF?

Greg: ¿En México? ¡Wow! No, no lo sabíamos. Es una completa sorpresa, no puedo creer que pase eso ya que nunca hemos tocado en México y hasta donde sé no tenemos ningun tipo de promoción allá. México es un lugar muy bueno para tocar.

LB: ¿Qué podemos esperar de su show en vivo?

Greg: Acabamos de iniciar la gira así que estamos terminando de planear los shows. Tocamos todas las canciones de nuestro nuevo álbum así que es sin duda una mezcla de canciones de nuestros discos, aunque la mayoría son del nuevo. Hay mucha más tecnología, hay teclados en el escenario y demás gadgets. Es muy diferente al primer show que dimos con nuestra primera gira.

LB: Últimamente hay muchas bandas nuevas que recuperan el sonido del shoegaze, ¿crees que esto sea una moda?

Greg: Dudo mucho que sea una moda, es algo más grande que eso. La influencia de Sonic Youth y My Bloody Valentine es muy similiar a la influencia que los Rolling Stones o los Beatles han tenido. Afecta a todo tipo de música. Puedes escuchar la influencia de My Bloody Valentine en la música electrónica y en practicamente cualquier estación de radio. Todo se trata de la evolución natural del sonido del rock, por eso creo que es mucho más que una moda. Aunque claro hay bandas que hacen exactamente lo mismo que Sonic Youth o MBV, en esos casos sí creo que es puramente una moda. Es el mismo caso que con los Ramones. Todo depende de cómo te ha influenciado la música.

LB: ¿Qué puedes decirnos sobre la relación deAutolux con Trent Reznor?

Greg: Hicimos un tour con NIN y ahí fue cuando descubrimos que Trent era fan nuestro. Es grandioso tener el apoyo de alguien a quien respetas y admiras. Es algo recíproco.

LB: ¿Cómo es su relación con la cultura hispana al vivir en Los Angeles, conocen alguna banda mexicana?

Greg: No conozco bandas mexicanas pero bueno, casi no salgo de casa así que no conozco muchas bandas norteamericanas tampoco (jaja). En efecto, cuando vives en Los Angeles, la cultura hispana está en todos lados, es parte de lo que es L.A. Hace poco estuve en la ciudad de México y estoy seguro de que es como vivir en L.A. (jaja).

Así terminó una interesante plática con Greg, quien amablemente nos regaló algunos minutos desde New York hace algunos días. Autolux se presentará este Miércoles 22 de septiembre en Voilá Acoustique dentro de Plaza Antara. Aún pueden conseguir sus boletos entrando aquí.

Texto y Fotos: Daniel Patlán (@folkmetender)

Hace unos días tuvimos la oportunidad de platicar con Yayo González, guitarrista y vocalista del grupo Paté de Fuá. Esta amena plática se llevó a cabo en la sala del estudio del grupo y pudimos hablar entre otras cosas, de su presentación en el Teatro Metropólitan el 16 de octubre, de su postura ante los blogs y las descargas “ilegales”, asi como de Martin Scorsese, Roman Polanski y Guiseppe Tornatore.

LifeBoxset.com: ¿Qué significa Paté de Fuá para ti?

Yayo: Para mí significa, hablando de manera profesional y también sentimentalmente, lo más importante que me ha pasado en la vida. Yo siempre soñé con un proyecto así, con esas características: con amigos, que funcione, que me permita vivir y continuar profundizando en ese proyecto y ver cómo crece. En realidad un proyecto musical o un trabajo, a veces para los hombres -dicen los psicólogos- son como hijos, ¿no? Uno lo ve crecer, pone muchísimo de uno mismo en eso y bueno, tener la suerte de tener un proyecto para invertirle muchísimo trabajo y ver que funciona, que ese trabajo se ve representado con algún progreso o algún éxito es realmente maravilloso. Yo siempre soñé con un proyecto así, y que esté funcionando es algo que no sólo me llena de alegría sino de ansiedad, a veces tengo que bajarle un poquito porque soy como niño con juguete nuevo.

LB: ¿Por qué decidieron crear un proyecto de música popular en lugar de uno de música clásica?

Y: En realidad todos los músicos de Paté son de formación académica, unos más que otros pero en realidad venimos la mayoría, excepto Victor -quien sí estudió mucha música clásica pero también mucha música popular- venimos todos de la música popular. Definamos primero la música popular: es toda la que no es clásica, desde el jazz, el tango, el bolero, el chun-ta-ta, el rock, etc. Todo eso es música popular, a veces ese término aquí en México se mal entiende. Luri (contrabajista), Guillermo (corneta, banjo) y Rodrigo (batería) también vienen del jazz, yo vengo del tango, más bien de la música populare de mi país. Victor (acordeón) tuvo formación un poco clásica pero lleva 15 años con su quinteto de tango, Alexis (marimba y vibráfono) viene del rock pero escucha muchísimo jazz y muchos estilos de música.

En realidad lo que hacemos es música que nos gusta mucho, es la que escuchamos por ahí sobre todo Guillermo Peralta y yo que somos los compositores escuchamos ese tipo de música, entonces al momento de hacerla uno hace siempre lo que le gusta, es eso que le llaman “influencia”. Lo que ocurre es que nosotros tenemos la suerte de por ahí tener un gusto que es un poco diferente a la mayoría de los artistas que son contemporaneos a nosotros y eso hace que cuando hacemos música, esta se separe un poco de todo lo que se está ofreciendo y eso realmente fue un problema en un principio pero hoy en día termina siendo una gran característica y algo muy positivo que nos pasa. Poder sonar accesibles pero muy distintos a todo lo demás. Pero bueno, esa es la razón por la cual hacemos esa música: es la que nos gusta.

LB: Si Paté de Fuá fuera una película, ¿de qué director sería?

Y: Paté podría ser el soundtrack de alguna película de Scorsese ojalá (jaja), de Polanski no porque tiene mucho suspenso. Podría ser de Tornatore, de los buenos pues (jaja) no quiero ser mamón pero bueno, los que tienen un parentezco de claridad y narrativa, que eso es lo que tiene la música y las canciones de Paté: un respeto hacia la estructura, no es música desestructurada. En el cine pasa muchas veces lo mismo, los directores que a mí me conmueven son gente que respeta cierta estructura y que tiene estilo y personalidad respetándola. Eso es lo que hace que por ahí ese cine tenga una claridad que puede ser una analogía con la música de Paté, pero bueno eso tiene que ver con gustos personales y con búsquedas personales del artista. No significa que lo otro esté mal, está muy bien pero bueno, cada uno sabe qué quiere hacer. Nuestra música yo siento que no es difusa, es clara. Puede ser muy compleja en muchísimos aspectos pero el resultado termina siendo claro. Eso es algo que nosotros procuramos cuidar muchísimo, ese equilibrio: que la complejidad sea para el músico y no para el que la está escuchando.

LB: ¿Cómo es el proceso de composición en Paté de Fuá?

Y: El proceso de composición tiene que ver con un ping-pong entre Guillermo Peralta y yo que somos los dos compositores. Componemos cada uno por su lado, nos mostramos el material, siempre debatimos sobre las piezas. Muchas veces Guille compone música, muchas veces yo le pongo letra a lo que él compone, otras veces yo compongo música y letra solo, otras veces él hace una canción instrumental, etc. Funciona muy bien esa mancuerna de nosotros dos porque no hay caprichos, siempre hay argumentos detrás cuando tenemos que corregir algo. De esa manera componemos. Una vez que la pieza está terminada, osea la idea principal de la pieza que puede ser la melodía o la armonía y la letra, Guille pasa al proceso del arreglo. Guille es el arreglista. Se hacen las partituras, todos los músicos se las llevan, se estudian esas partituras, se montan en el ensayo, se le hacen correcciones, se busca por ahí si algo no funciona hacerlo de otra manera y ahí se termina montada la pieza. Ese es todo el proceso.

LB: Tal cual cómo una película…

Y: Sí, nosotros funcionamos como una pequeña orquesta. En otros tipos o estilos de música por cuestiones de lenguaje se monta todo y tocan: yo hago esto, yo toco esto otro, etc. Es otra forma de trabajar, eso tiene mucho que ver con el rock, con otros tipos de lenguajes. Nuestra música resulta más ligada hacia las estructuras. La propuesta de Paté también es eso, nosotros tenemos una idea musical y queremos darla a conocer de la manera que más potencie esa idea. Aparte somos un sexteto, hay muchas voces y para no meternos “palos en las ruedas” entre nosotros, necesitamos cierta manera de organización que es como funcionan las orquestas. Si improvisan todos los músicos a la vez pues se convierte en un gallinero, aunque sí hay momentos de improvisación en la música de Paté pero están pactados.

LB: Las historias que cuentan en sus letras como “Don Serafín” o “La Camarera”, ¿en verdad existieron o son ficción?

Y: Mira quien sabe, algunas sí exstieron, otras existieron a medias y otras nunca existieron (jaja). La del “Fantasma enamorado” logicamente no es autobiográfica porque ninguno de nosotros está muerto pero en realidad el fin justifica todos los medios, cuando se trata de una canción puede ser verdad puede ser ficción. En eso se parece mucho al cine o a la literatura, en esta última puedes tener una gran biografía o una maravillosa novela y qué importa si es verdad o no. Cuando nace una letra lo que busca es tener algun tipo de chiste o algo que merezca ser contado, nuestras letras en realidad son como nuestra música: tiene desarrollo y son muy claras. Son narrativas en la mayoría de los casos: pueden contar una historia, desarrollar una temática o un concepto en sí como en “Celoso y desubicado” que toma una postura hacia cierto tema, puede ser una historia o una fábula como “El fantasma enamorado” o puede ser como “El supermercado” que fue algo que alguna vez me contaron pero que uno lo va condimentando a favor de la canción. En mi opinión no es un mérito que una canción sea real. Puede llegar a tener un disparador que haya sido real pero después uno tiene que ponerse en favor de la canción y que esa idea tome la mayor dimensión posible por decirlo de alguna manera. Pero bueno, las canciones nacen de ahí: de ideas, de cosas que nos pasan, de cosas que se nos ocurren, tratamos de que cada canción tenga su propio universo o su propia trama.

LB: Cuando no son Paté de Fuá, ¿a qué se dedican?

Y: Yo en realidad trabajo las 24 horas para Paté, pero cuando no, veo cine, me gusta mucho, pinto aficionadamente, me gusta mucho leer, antes leía pero ahora ya no me queda tiempo. Lo que pasa con un músico es que hay muchos oficios en los que uno nunca deja de serlo, sobre todo los que te demandan pasión. Uno nunca deja de hacer música, en realidad -me lo dice mi mujer- es un poco insoportable tener una relación con un músico porque de lo único que habla es música y de lo que le pasa en su trabajo (entre comillas) porque uno no lo ve como trabajo. Cuando uno tiene el oficio de músico y uno lo disfruta entonces lo hace cuando uno está trabajando y cuando tiene tiempo libre también (jaja) porque es como oficio y hobby a la vez. Más que nada descansamos haciendo cosas de entretenimiento que pueden ser viajar o ver películas o televisión.

LB: ¿Cómo surgió el proyecto de hacer un disco/DVD en vivo?

Y: Nosotros nos planteamos como estrategia intentar crecer como banda y hacer que nuestro público crezca y bueno, llegar a escenarios cada vez más grandes es un objetivo que tiene cualquier banda. Nos planetamos hace mucho soñando que teníamos el objetivo de que si todo seguía creciendo ya podríamos hacer un foro importante, no tanto el Auditorio (nota ed: el Auditorio Nacional) porque ese si ya es demasiado, quizá es uno o dos añitos (jaja) pero el Metropólitan (nota ed: Teatro Metropólitan) se nos hacía que sí era coherente para hacer algo ahí y por qué no, grabar un disco en vivo aprovechando que hasta ese momento seguramente será la presentación más grande que demos nosotros solos. Sería increíble dejar documentado eso con la grabación de un disco en vivo y de un DVD. También como son una gran inversión, mucho más caro que un disco en estudio porque es en tiempo real y hay mucha gente trabajando en ese momento, sobretodo lo que es la filmación, necesitabamos un aforo grande por una cuestión de gastos y también para que la entrada no se encarezca tanto. Entonces se nos hizo una excelente oportunidad para festejar y promocionar la fecha, un disco en vivo que todos los fans tengan la oportunidad de tener y saber que estuvieron presentes ahí esa noche. Se nos hace significativo tanto para nuestro público como para nosotros, de ahí surgió la idea y las ganas de hacer un disco en vivo y que afortunadamente nuestros discos en estudio han tenido mucho éxito y se han vendido muchísimo y la gente nos recalca la diferencia que sienten cuando nos ven en vivo respecto al disco de estudio. Una sana diferencia, eso hace que sea agradable ir a ver a una banda en vivo.

En estudio uno puede duplicar guitarras o ponerle capas, etc, hacer muchas más cosas y en vivo nosotros entre los seis resolvemos todo y eso da una dinámica diferente. Se nos hacía una muy buena oportunidad el hacer un disco en vivo donde quedaran registradas las versiones en vivo de estos dos discos que fueron una etapa tan exitosa y tan importante para nosotros, cerrarla con un disco en vivo y con dos o tres piezas inéditas. De eso se trata la fecha del Metropólitan y también festejar que nosotros como banda independiente solitos a paso lento pero seguro y constante llegamos a un escenario como el Metropólitan.

LB: Para terminar, ¿qué opinan ustedes sobre el movimiento que se ha generado a partir de los blogs y las nuevas maneras de distribuir música?

Y: El desarrollo de los blogs y todo el canal que tiene que ver con la informacion en Internet siento que es una discusión un poco absurda. En mi opinión no se puede estar de acuerdo o en desacuerdo por qué es algo que ya está ahí y es una herramienta tecnológica, es como no estar de acuerdo con la rueda (jaja). Es algo que está ahí y está para usarse y es algo absurdo hacer creer que alguien que compra un disco pirata o una copia pirata de algo es un delincuente. A mí se me hace absurdo esa publicidad de “papá pirata”, me da mucho coraje porque entiendo que la industria se ve afectada por eso pero también entiendo que la industria ha teniado una actitud totalmente retrógrada y la sigue teniendo. Si le entregaran premios a los necios los tendría todos la industria discográfica porque tiene una actitud terriblemente soberbia, vienen en picada hace 20 años y siguen por el mismo camino, queriendo romper una pared a cabezazos. La verdad es que yo como músico y chavo que soy todavía, siempre he bajado música por Internet y claro también compro cosas originales pero logicamente hoy en día escucho 100 veces más música de lo que escuchaba cuando tenía que comprar los originales. Entonces eso es relativo, yo creo que por otro lado, bandas como nosotros aunque nos pega la cuestión de la piratería y que se pueda bajar el disco gratuito por Internet, hemos tenido muchos beneficios de la difusión por Internet. Sigue siendo un canal enorme para nosotros para poder difundir nuestra música. Hay que ver los dos aspectos de esa herramienta. Se me hace que también está muy bueno que los chicos intercambien información. Paté no sería lo que es si no fuera por las redes sociales, por los blogs, porque los chicos se recomiendan por esos canales nuestra música.

Ahora, nosotros hacemos un gran esfuerzo porque nuestros discos siempre estén baratos, para que valga la pena tener un original y a nosotros nos ha servido muy bien, porque también tienen que saber los chicos: si a uno le gusta una banda, tiene que apoyarla, comprando un disco, ir a verlos en vivo, etc. Eso hace que si te gusta la música que hacen, sigan haciendo esa música porque si no los proyectos se extinguen. Yo creo que tristemente el disco va en camino a la extinción dentro de cinco o diez años más, a no ser que surga una moda -lo cual es muy probable- en donde la gente empiece con una tendencia retro como pasó con los viniles y la gente quiera tener los discos fisicamente. Me parece que lo más inteligente es desde los músicos, tratar de hacer discos de calidad, que valga la pena comprar, que haya un plus y que sean baratos. Que no haya tanta diferencia entre comprar el original y uno pirata. Que es lo que ha pasado con la industria, antes con las películas te decían que no compraras piratería pero un DVD costaba $300.00, ahora que han bajado de precio pues mejor compramos originales. Yo no lo veo como algo moralista, eso no me gusta, cuando lo ponen de esa manera. No es deshonesto alguien que compra un disco pirata o baja música por Internet y si es deshonesto, entonces yo también lo soy.

Con esto terminó la plática con Yayo vocalista y guitarrista de Paté de Fuá quien se mostró muy emocionado con su show del Teatro Metropólitan el cual se llevará a cabo el 16 de octubre.

El dueto franco-alemán Stereo Total se presentará el mes de septiembre en nuestra ciudad en el Salón Covadonga y con motivo de esta visita, en LifeBoxset.com platicó con Brezel (guitarrista, vocalista y compositor). Habló acerca de su nueva producción titulada Baby Ouh! (Kill Rock Stars, 2010), su pasada visita a México, su opinión acerca de websites como LifeBoxset.com y su costoso concierto en la ciudad de Monterrey.

1. ¿Qué ha pasado en la vida de Stereo Total desde su pasada visita a México?

Brezel: Empezamos a escribir nuestro nuevo álbum llamado Baby Ouh! (Kill Rock Stars, 2010) y un álbum cantado en su totalidad en español llamado No Controles (Elephant Records, 2009). En nuestra última visita prometimos que para la próxima vez hablaríamos español a la perfeccción: Françoise Cactus aprendió muy rápido, Brezel no aprendió nada.

2. ¿Cuál ha sido su mejor show en el continente americano?

B: Por mucho los de la ciudad de México. Son muy locos, hay gente guapa, fuera de control y muy escandalosa. Han habido muchos shows buenos en otros lados también: San Francisco en el 2005, Nueva York en el 2001, Bogotá este año y Montreal en el 2008

3. Cuando no son Stereo Total, ¿a qué se dedican?

B: Francoise ha estado escribiendo libros -novelas de ficción- y es una reconocida artista dentro de la pintura y el arte-objeto. Es muy famosa por su “knitted live size sex doll out of wool” ( muñeca sexual de tamaño real tejida en lana) que causó un gran escándalo en una exposición.

Yo he estado dando shows con una orquesta barroca – estoy improvisando y sacando sonidillos con viejos sintetizadores mientras los demás interpretan música del siglo 17–. Además de eso, tengo una disquera, Verboten in Deutschland (que significa “prohibido en Alemania”) la cual se dedica a sacar releases de bandas nóveles de punk que son demasiado “punk” como para estar en una disquera profesional o “grande”.

4. ¿Qué ofrece Stereo Total en su acto en vivo?

B: Las personas que ven a Stereo Total por primera vez quedan estupefactas por lo primitiva y anti-virtuosa que es la banda.  Nuestros álbumes están grabados en calidad lo-fi -comparado con la música estandar del mainstream- pero en los conciertos tenemos que reducir las canciones y tocarlas de manera muy minimalista ya que sólo somos dos personas en el escenario. Tratamos de tocar muy energéticamente, muchas canciones cortas y guiar al público del chanson al punk y del punk al electro y del electro al garage y de ahí a la música disco.

Francoise toca la batería y canta, además toca un Chaoszillator y un theremin. Yo tengo algunos pequeños y anticuados gadgets y una guitarra que yo mismo construí. Así es, nada de computadoras, ni instrumentos profesionales costosos ni teclados fancy…

5. ¿Cuál es la mayor diferencia entre dar un show en Europa y en América?

B: En Europa me siento como un alien, pero cuando vamos a América es como su fueramos oriundos de Marte. Siempre me ha sorprendido las diferentes reacciones de la gente al rededor del mundo hacia nuestra música: en América hay un cierto mood fiestero, aún cuando la música no es 100% fiestera, al contrario, tienden a fiestear más duro cuando la música es más compleja. Por ejemplo, en México yo siempre disfruto lo compenetrada que está la gente con la música, al grado que están escuchando y disfrutando cuidadosamente, pero al mismo tiempo son sumamente salvajes y locos (jaja).

6. ¿Qué nos pueden decir sobre Baby Ouh! (Kill Rock Stars, 2010)?

B: Baby Ouh! (Kill Rock Stars, 2010) es un álbum pop (pero un pop undeground por supuesto). Trabajamos mucho en las melodías y tratamos de incluir muchos sonidos perturbadores y efectos locos dentro de esas melodiosas canciones. Escribimos canciones sumamente icónicas -sobre Andy Warhol, Divine, etc- covereamos a Kraftwerk… En general este disco es como escuchar a nuestra estación de radio ideal: entretenimiento, pero no para las masas.

7. Después de 14 años de carrera, ¿qué le falta a Stereo Total hacer en su vida?

B: Estamos sorprendidos sobre como han pasado las cosas con Stereo Total desde nuestro comienzo. Nunca planeamos hacia dónde ir o qué debíamos hacer. Siempre es el placer del momento lo que nos mueve a hacer algo.

8. ¿De dónde viene el nombre de Stereo Total?

B: Cuando conocía a Francoise me grabó un mixtape con su música favorita. Ella dibujó un par de senos en la portada y escribió Stereo Total debajó del dibujo. Pensé que es eera un buen nombre para la banda.

9. ¿Qués es lo más importante al momento de escribir canciones?

B: La idea inicial tiene que ser buena: la lírica debe ser chistosa o inteligente y la melodía debe ser fuerte. Así que basicamente la composición lo es todo. Cuando tenemos una buena canción podemos incluso grabarla en cassette: siempre será una buena canción. Es por esto que no pasamos mucho tiempo en un estudio de grabación. Todo depende de si tiene una buena idea o no.

10. ¿Tienen planes de ser Stereo Total para siempre? ¿O piensan terminar esto en algun punto en el futuro?

B: Como dijimos antes, nunca tuvimos planes para el futuro y estamos sorprendidos que aún sigamos tocando, ya que cuando empezamos, nunca pensamos que esta banda se volvería tan importante en nuestra vida por tanto tiempo. Sin embargo, somos una pareja y hacer música u obras de teatro (como lo hicimos este año) es para nosotros una manera de vivir juntos.

En un principio la música sonaba extraña para muchas personas, pero el tiempo ha sido nuestro aliado. Hoy en día vivimos de ideas que tenía en ese entonces. En realidad no sé que pasará con las ideas que tengo hoy.

11. ¿Cómo será el Stereo Total que verémos en el escenario en septiembre en la ciudad de México?

B: Espero que sea salvaje, ruidoso, divertido, anarquista… La música siempre es la excepción, lo exraordinario, y yo quiero que nuestros shows sean así.

12. Si pudieras curar un festival, ¿a qué bandas invitarían?

B: Antes que nada, serían por lo menos 50% de artistas femeninas. Invitaría bandas que hacen cosas diferentes y que no les da miedo hacerlas de ese modo. En mi disquera por ejemplo, tengo muchas bandas que no tienen un plan para su carrera, pero que están dedicados y comprometidos con cierto estilo de música y tratan de mejorar la calidad de su música mas no pretenden venderla, porque ellos saben que nunca será la adecuada para la audiencia mainstream.

Así que de acuerdo a esto, invitaría a mi festival a Madonna, Jay Z y Shakira.

13. ¿Cuál es su opinión acerca de las revistas en línea o webzines como LifeBoxset.com y su papel dentro de la industria musical?

B: En verdad disfruto la influencia que tiene Internet en la percepción de la música. Una gran cantidad de cosas que me pierdo en revistas impresas solamente las puedo encontrar en fanzines o blogs sobre música.

14. ¿Esperaban regresar a México después de algunos años a un venue más grande?

B: No. Estamos muy sorprendidos y agradecidos, es fantástico.

15. ¿Recuerdan alguna experiencia chistosa que les haya pasado durante su pasada visita a México?

B: Tuvimos de invitados en la casa (en Berlin) a dos chicos punk-rockers que se durmieron en una cama cerca del poster de nuestro show en Monterrey. En el poster dice el precio del boleto, fue de $200, ellos pensaron que eran 200 dólares y nos dijeron: “Wow, ustedes deben de ser muy grandes y famosos allá…” (jaja)

Fotos: Daniel Patlán (@folkmetender)

Hace exactamente una semana fuimos a platicar con Triángulo de Amor Bizarro al lugar que fungió como hogar de la banda española durante su estancia en la Ciudad de México: Casa Conde. Ahí pudimos entrevistar a Julían Ulpiano (baterista) y a Rodrigo Caamaño (guitarrista y vocalista) quienes, amablemente y con gran sencillez, respondieron todas nuestras preguntas y llamaron a sus compañeros de banda para hacer unas cuantas fotografías.

A continuación lo sucedido:

LifeBoxset.com: ¿Cómo se sienten de regresar a México después de haber venido hace relativamente poco?

Julián Ulpiano: Muy contentos, la otra ocasión que vinimos nos acogieron de maravilla, ahora es igual y nos encanta venir aquí. A parte de todo lo que es encontrarse con algo nuevo, cruzar el charco y todas estas cosas que siempre nos hicieron mucha ilusión, a nivel público nos sentimos muy cómodos. La gente tiene una respuesta muy buena y te lo hace saber en los conciertos, eso para nosotros es muy importante porque ayuda a que todo salga mejor

Rodrigo Caamaño: Es como empezar de cero. Como cuando empiezas el grupo y la gente comienza a ir a las tocadas. Yo creo que realmente ayuda a que el grupo se mantenga fresco siempre.

LB: La vez pasada que vinieron le abrieron a Los Bunkers en el Hard Rock Live y el público fue bastante hostil, ¿qué impresión tuvieron ustedes de esa presentación?

RC: La pasamos muy bien, creo que es de los conciertos que mejor me la pasé, justo por eso (jaja). En España el público quizá es igual de hostil o todo lo contrario, pero no lo demuestran, y encontrarnos frente a eso realmente es fantástico. La pasé muy bien.

JU: Es como la ilusión de decir: “algún día tocaré para todos estos que no les va a gustar nada” y ahí lo pudimos hacer. Fue como un sueño hecho realidad.

RC: Fue muy vitalizante la verdad.

LB: ¿Qué pueden decirnos de este Año Santo y por qué titular el disco de esa manera?

JU: Bueno el título fue porque… El patrón de España es Santiago Apostol, en Galicia, que es de donde nosotros somos, está Santiago con su catedral y cada cierta cantidad de años es el Año Santo porque el día festivo de Santiago cae en domingo… y bueno, una serie de historias (jaja), y este año es Año Santo. Cuando estábamos pensando el nombre del disco había luces de neón por todos lados que decían “Año Santo, Año Santo” (jaja) y dijimos: “¿por qué no?” (jaja).

LB: Platíquenos un poco sobre el proceso de composición y de grabación de Año Santo, ¿cuáles son las diferencias respecto al disco anterior?

RC: Principalmente que las canciones del pirmero están hechas en un proceso de tiempo muy largo y un proceso de aprendizaje del instrumento también. Este disco está mucho más enfoncado ya que las canciones las escribimos con la intención de que estuvieran en un disco, ¿sabes? Antes hacíamos canciones que no sabíamos muy bien que pasaría con ellas. Este disco está mucho más enfocado y es mucho más homogéneo. Muchas cosas se van componiendo al mismo tiempo y van teniendo sentido, es muy diferente a hacerlo en distintos momentos y tiempos.

LB: ¿Hay algún ingrediente extra que hayan agregado a su presentación en vivo?

RC: Cuando vinimos la primera vez a México era nuestro estreno con cuatro personas en el escenario, ya que toda la gira del primer disco en España fuimos tres. Representa un cambio muy fuerte en cuanto a toda la instrumentación, cambiamos incluso los amplificadores que usamos, fue un cambio muy importante para la banda. Justo en ese momento fue que vinimos a México. Hace dos años era completamente distinta la forma en que plasmábamos el disco en vivo.

LB: ¿Qué opinan de la unión de Mushroom Pillow y Arts & Crafts México para editar su disco en nuestro país?

JU: ¡Es estupendo! ¡Todo es serpentina volando!

LB: En México ha crecido en los últimos años el interés por los grupos españoles, ¿creen que esto se deba a la cultura digital de los blogs y al hecho de poder bajar música mucho más facil?

JU: También es porque hay buenas bandas en España.

RC: Hubo una época en que realmente era un desierto, estaban Los Planetas como único gran grupo y había algunos grupos pequeños pero nuestra escena era… tú sabes. Toda esa época de los 90′s y principios de los años 2000 fue una época muy rara. Ahora están saliendo grupos como nunca. Creo que precisamente las nuevas tecnologías son las que fomentan que haya más y mejores grupos.

LB: Hablando de bandas españolas, ¿qué bandas españolas los han influenciado a ustedes?

JU: ¿Influenciado? Bueno, Surfin Bichos y otras bandas de antes, Los Planetas, bueno, a mí no tanto pero en general sí.

RC: Todos nosotros tenemos nuestras bandas favoritas.,

LB: Bueno, no hablemos de influencias, sino de gustos.

JU: Hoy en día hay muchas bandas buenas, podemos hablar de Hidrogenesse, por ejemplo.

RC: A lo largo de toda la historia musical de España han salido cosas sueltas, rarezas dentro del panorama musical español que siempre fue bastante putre. Había cosas muy rancias y los grupos más masivos, la mayoría me parecen basura. Abajo siempre hubo puntos de luz, bellezas como Family, Los Planetas, los Surifn Bichos y ahora hay grupos maravillosos como Hidrogenesse, Los Punsetes o Delorean, mismos con los que tocarémos el sábado.

LB: Año Santo ha tenido mucho éxito en relativamente poco tiempo, ¿este hecho hace que cambien o replanten sus metas como banda? ¿Hacia dónde quieren llegar o quizá ahora sean más ambiciosos?

RC: Ambiciosos en la parte puramente artística siempre lo hemos sido y nuestra máxima ambición es ser siempre certeros. En cuanto a comercialidad, somos plenamente conscientes hasta dónde podemos llegar en cuanto a público y también es algo que aceptamos y te digo, toda la ambición que tenemos es plenamente artística, es más, ahora ya estamos pensando qué vamos a hacer y aún no recogemos los frutos de este disco en España porque apenas empezaremos la gira la semana que viene. Tampoco sabemos muy bien la aceptación del público pero ya tenemos en mente el siguiente paso. Hay que hacer otra visión de Triángulo.

LB: Sabemos que ustedes son sumamente políticos, ¿están al tanto de la situación política que vive México, la guerra contra el narcotráfico, etcétera?

JU: La verdad es que las noticias que llegan a España son muy parciales.

RC: No tenemos la versión completa para poder crear una opinión.

JU: Acabamos de ver un periódico aquí, El Gráfico (jaja), algo así es lo que vemos en España.

RC: Lo que llega allá siempre son las noticias horribles. En España tenemos también una cantidad de problemas terribles y una crisis económica que nunca se había visto en la época de la democracia.

LB: Se los preguntaba porque nos interesa su opinión al respecto, entiendo que no tengan muchas herramientas para opinar, creo que El Gráfico no fue la mejor manera de enterarse (jaja).

JU: Bueno pero nos gusta mucho ese tipo de prensa (jaja).

LB: Sus líricas tienen un alto contenido religioso, al igual que el nombre del disco, ¿esto se debe a algo en particular?

JU: Yo creo que es porque somos de Galicia y es una realidad, ahí está muy arraigado.

RC: Está presente en todas partes de la vida, está ahí. Usamos la religión como medio, no es que realmente hablemos de eso. Usamos figuras para hablar de otras cosas y es que ahí en Galicia ya te digo, la mitad de las frases tienen algo que ver con religión. Toda la vida siempre está ahí presente aunque lo ignores.

JU: Y además está toda la imaginería.

RC: Lo usamos para hablar de otras cosas, relamente el disco no habla de religión. Estamos como en un lugar de observadores y en todo caso usamos el ritual, ¿sabes? No nos adentramos en más cosas, me aburren sus locuras.

LB: Va la última pregunta: Sus canciones, en particular las de Año Santo, suenan como himnos de batalla aunque yo se que esa no es la intención, pero si ustedes hicieran canciones de batalla o de guerra, ¿qué causa o causas pelearían?

JU: ¡Wow!

RC: La causa humanista del ser humano medio que sólo quiere vivir en paz, ya que al final todos los problemas del mundo son culpa de personas que viven totalmente agenas de la realidad humana. La causa de la gente que simplemente quiere vivir sin molestar a los demás.

JU: Estoy con él, me acaba de sorprender (jaja).

El sábado 12 de junio, Triángulo de Amor Bizarro se presentó junto con sus compatriotas Delorean en el Pasagüero para dar cátedra de lo que significa hacer buena música y dejarlo todo en el escenario. Acá pueden ver las fotos y leer la reseña que hicimos en LifeBoxset.com.