El dueto franco-alemán Stereo Total se presentará el mes de septiembre en nuestra ciudad en el Salón Covadonga y con motivo de esta visita, en LifeBoxset.com platicó con Brezel (guitarrista, vocalista y compositor). Habló acerca de su nueva producción titulada Baby Ouh! (Kill Rock Stars, 2010), su pasada visita a México, su opinión acerca de websites como LifeBoxset.com y su costoso concierto en la ciudad de Monterrey.

1. ¿Qué ha pasado en la vida de Stereo Total desde su pasada visita a México?

Brezel: Empezamos a escribir nuestro nuevo álbum llamado Baby Ouh! (Kill Rock Stars, 2010) y un álbum cantado en su totalidad en español llamado No Controles (Elephant Records, 2009). En nuestra última visita prometimos que para la próxima vez hablaríamos español a la perfeccción: Françoise Cactus aprendió muy rápido, Brezel no aprendió nada.

2. ¿Cuál ha sido su mejor show en el continente americano?

B: Por mucho los de la ciudad de México. Son muy locos, hay gente guapa, fuera de control y muy escandalosa. Han habido muchos shows buenos en otros lados también: San Francisco en el 2005, Nueva York en el 2001, Bogotá este año y Montreal en el 2008

3. Cuando no son Stereo Total, ¿a qué se dedican?

B: Francoise ha estado escribiendo libros -novelas de ficción- y es una reconocida artista dentro de la pintura y el arte-objeto. Es muy famosa por su “knitted live size sex doll out of wool” ( muñeca sexual de tamaño real tejida en lana) que causó un gran escándalo en una exposición.

Yo he estado dando shows con una orquesta barroca – estoy improvisando y sacando sonidillos con viejos sintetizadores mientras los demás interpretan música del siglo 17–. Además de eso, tengo una disquera, Verboten in Deutschland (que significa “prohibido en Alemania”) la cual se dedica a sacar releases de bandas nóveles de punk que son demasiado “punk” como para estar en una disquera profesional o “grande”.

4. ¿Qué ofrece Stereo Total en su acto en vivo?

B: Las personas que ven a Stereo Total por primera vez quedan estupefactas por lo primitiva y anti-virtuosa que es la banda.  Nuestros álbumes están grabados en calidad lo-fi -comparado con la música estandar del mainstream- pero en los conciertos tenemos que reducir las canciones y tocarlas de manera muy minimalista ya que sólo somos dos personas en el escenario. Tratamos de tocar muy energéticamente, muchas canciones cortas y guiar al público del chanson al punk y del punk al electro y del electro al garage y de ahí a la música disco.

Francoise toca la batería y canta, además toca un Chaoszillator y un theremin. Yo tengo algunos pequeños y anticuados gadgets y una guitarra que yo mismo construí. Así es, nada de computadoras, ni instrumentos profesionales costosos ni teclados fancy…

5. ¿Cuál es la mayor diferencia entre dar un show en Europa y en América?

B: En Europa me siento como un alien, pero cuando vamos a América es como su fueramos oriundos de Marte. Siempre me ha sorprendido las diferentes reacciones de la gente al rededor del mundo hacia nuestra música: en América hay un cierto mood fiestero, aún cuando la música no es 100% fiestera, al contrario, tienden a fiestear más duro cuando la música es más compleja. Por ejemplo, en México yo siempre disfruto lo compenetrada que está la gente con la música, al grado que están escuchando y disfrutando cuidadosamente, pero al mismo tiempo son sumamente salvajes y locos (jaja).

6. ¿Qué nos pueden decir sobre Baby Ouh! (Kill Rock Stars, 2010)?

B: Baby Ouh! (Kill Rock Stars, 2010) es un álbum pop (pero un pop undeground por supuesto). Trabajamos mucho en las melodías y tratamos de incluir muchos sonidos perturbadores y efectos locos dentro de esas melodiosas canciones. Escribimos canciones sumamente icónicas -sobre Andy Warhol, Divine, etc- covereamos a Kraftwerk… En general este disco es como escuchar a nuestra estación de radio ideal: entretenimiento, pero no para las masas.

7. Después de 14 años de carrera, ¿qué le falta a Stereo Total hacer en su vida?

B: Estamos sorprendidos sobre como han pasado las cosas con Stereo Total desde nuestro comienzo. Nunca planeamos hacia dónde ir o qué debíamos hacer. Siempre es el placer del momento lo que nos mueve a hacer algo.

8. ¿De dónde viene el nombre de Stereo Total?

B: Cuando conocía a Francoise me grabó un mixtape con su música favorita. Ella dibujó un par de senos en la portada y escribió Stereo Total debajó del dibujo. Pensé que es eera un buen nombre para la banda.

9. ¿Qués es lo más importante al momento de escribir canciones?

B: La idea inicial tiene que ser buena: la lírica debe ser chistosa o inteligente y la melodía debe ser fuerte. Así que basicamente la composición lo es todo. Cuando tenemos una buena canción podemos incluso grabarla en cassette: siempre será una buena canción. Es por esto que no pasamos mucho tiempo en un estudio de grabación. Todo depende de si tiene una buena idea o no.

10. ¿Tienen planes de ser Stereo Total para siempre? ¿O piensan terminar esto en algun punto en el futuro?

B: Como dijimos antes, nunca tuvimos planes para el futuro y estamos sorprendidos que aún sigamos tocando, ya que cuando empezamos, nunca pensamos que esta banda se volvería tan importante en nuestra vida por tanto tiempo. Sin embargo, somos una pareja y hacer música u obras de teatro (como lo hicimos este año) es para nosotros una manera de vivir juntos.

En un principio la música sonaba extraña para muchas personas, pero el tiempo ha sido nuestro aliado. Hoy en día vivimos de ideas que tenía en ese entonces. En realidad no sé que pasará con las ideas que tengo hoy.

11. ¿Cómo será el Stereo Total que verémos en el escenario en septiembre en la ciudad de México?

B: Espero que sea salvaje, ruidoso, divertido, anarquista… La música siempre es la excepción, lo exraordinario, y yo quiero que nuestros shows sean así.

12. Si pudieras curar un festival, ¿a qué bandas invitarían?

B: Antes que nada, serían por lo menos 50% de artistas femeninas. Invitaría bandas que hacen cosas diferentes y que no les da miedo hacerlas de ese modo. En mi disquera por ejemplo, tengo muchas bandas que no tienen un plan para su carrera, pero que están dedicados y comprometidos con cierto estilo de música y tratan de mejorar la calidad de su música mas no pretenden venderla, porque ellos saben que nunca será la adecuada para la audiencia mainstream.

Así que de acuerdo a esto, invitaría a mi festival a Madonna, Jay Z y Shakira.

13. ¿Cuál es su opinión acerca de las revistas en línea o webzines como LifeBoxset.com y su papel dentro de la industria musical?

B: En verdad disfruto la influencia que tiene Internet en la percepción de la música. Una gran cantidad de cosas que me pierdo en revistas impresas solamente las puedo encontrar en fanzines o blogs sobre música.

14. ¿Esperaban regresar a México después de algunos años a un venue más grande?

B: No. Estamos muy sorprendidos y agradecidos, es fantástico.

15. ¿Recuerdan alguna experiencia chistosa que les haya pasado durante su pasada visita a México?

B: Tuvimos de invitados en la casa (en Berlin) a dos chicos punk-rockers que se durmieron en una cama cerca del poster de nuestro show en Monterrey. En el poster dice el precio del boleto, fue de $200, ellos pensaron que eran 200 dólares y nos dijeron: “Wow, ustedes deben de ser muy grandes y famosos allá…” (jaja)

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Fotos: Daniel Patlán (@folkmetender)

Hace exactamente una semana fuimos a platicar con Triángulo de Amor Bizarro al lugar que fungió como hogar de la banda española durante su estancia en la Ciudad de México: Casa Conde. Ahí pudimos entrevistar a Julían Ulpiano (baterista) y a Rodrigo Caamaño (guitarrista y vocalista) quienes, amablemente y con gran sencillez, respondieron todas nuestras preguntas y llamaron a sus compañeros de banda para hacer unas cuantas fotografías.

A continuación lo sucedido:

LifeBoxset.com: ¿Cómo se sienten de regresar a México después de haber venido hace relativamente poco?

Julián Ulpiano: Muy contentos, la otra ocasión que vinimos nos acogieron de maravilla, ahora es igual y nos encanta venir aquí. A parte de todo lo que es encontrarse con algo nuevo, cruzar el charco y todas estas cosas que siempre nos hicieron mucha ilusión, a nivel público nos sentimos muy cómodos. La gente tiene una respuesta muy buena y te lo hace saber en los conciertos, eso para nosotros es muy importante porque ayuda a que todo salga mejor

Rodrigo Caamaño: Es como empezar de cero. Como cuando empiezas el grupo y la gente comienza a ir a las tocadas. Yo creo que realmente ayuda a que el grupo se mantenga fresco siempre.

LB: La vez pasada que vinieron le abrieron a Los Bunkers en el Hard Rock Live y el público fue bastante hostil, ¿qué impresión tuvieron ustedes de esa presentación?

RC: La pasamos muy bien, creo que es de los conciertos que mejor me la pasé, justo por eso (jaja). En España el público quizá es igual de hostil o todo lo contrario, pero no lo demuestran, y encontrarnos frente a eso realmente es fantástico. La pasé muy bien.

JU: Es como la ilusión de decir: “algún día tocaré para todos estos que no les va a gustar nada” y ahí lo pudimos hacer. Fue como un sueño hecho realidad.

RC: Fue muy vitalizante la verdad.

LB: ¿Qué pueden decirnos de este Año Santo y por qué titular el disco de esa manera?

JU: Bueno el título fue porque… El patrón de España es Santiago Apostol, en Galicia, que es de donde nosotros somos, está Santiago con su catedral y cada cierta cantidad de años es el Año Santo porque el día festivo de Santiago cae en domingo… y bueno, una serie de historias (jaja), y este año es Año Santo. Cuando estábamos pensando el nombre del disco había luces de neón por todos lados que decían “Año Santo, Año Santo” (jaja) y dijimos: “¿por qué no?” (jaja).

LB: Platíquenos un poco sobre el proceso de composición y de grabación de Año Santo, ¿cuáles son las diferencias respecto al disco anterior?

RC: Principalmente que las canciones del pirmero están hechas en un proceso de tiempo muy largo y un proceso de aprendizaje del instrumento también. Este disco está mucho más enfoncado ya que las canciones las escribimos con la intención de que estuvieran en un disco, ¿sabes? Antes hacíamos canciones que no sabíamos muy bien que pasaría con ellas. Este disco está mucho más enfocado y es mucho más homogéneo. Muchas cosas se van componiendo al mismo tiempo y van teniendo sentido, es muy diferente a hacerlo en distintos momentos y tiempos.

LB: ¿Hay algún ingrediente extra que hayan agregado a su presentación en vivo?

RC: Cuando vinimos la primera vez a México era nuestro estreno con cuatro personas en el escenario, ya que toda la gira del primer disco en España fuimos tres. Representa un cambio muy fuerte en cuanto a toda la instrumentación, cambiamos incluso los amplificadores que usamos, fue un cambio muy importante para la banda. Justo en ese momento fue que vinimos a México. Hace dos años era completamente distinta la forma en que plasmábamos el disco en vivo.

LB: ¿Qué opinan de la unión de Mushroom Pillow y Arts & Crafts México para editar su disco en nuestro país?

JU: ¡Es estupendo! ¡Todo es serpentina volando!

LB: En México ha crecido en los últimos años el interés por los grupos españoles, ¿creen que esto se deba a la cultura digital de los blogs y al hecho de poder bajar música mucho más facil?

JU: También es porque hay buenas bandas en España.

RC: Hubo una época en que realmente era un desierto, estaban Los Planetas como único gran grupo y había algunos grupos pequeños pero nuestra escena era… tú sabes. Toda esa época de los 90′s y principios de los años 2000 fue una época muy rara. Ahora están saliendo grupos como nunca. Creo que precisamente las nuevas tecnologías son las que fomentan que haya más y mejores grupos.

LB: Hablando de bandas españolas, ¿qué bandas españolas los han influenciado a ustedes?

JU: ¿Influenciado? Bueno, Surfin Bichos y otras bandas de antes, Los Planetas, bueno, a mí no tanto pero en general sí.

RC: Todos nosotros tenemos nuestras bandas favoritas.,

LB: Bueno, no hablemos de influencias, sino de gustos.

JU: Hoy en día hay muchas bandas buenas, podemos hablar de Hidrogenesse, por ejemplo.

RC: A lo largo de toda la historia musical de España han salido cosas sueltas, rarezas dentro del panorama musical español que siempre fue bastante putre. Había cosas muy rancias y los grupos más masivos, la mayoría me parecen basura. Abajo siempre hubo puntos de luz, bellezas como Family, Los Planetas, los Surifn Bichos y ahora hay grupos maravillosos como Hidrogenesse, Los Punsetes o Delorean, mismos con los que tocarémos el sábado.

LB: Año Santo ha tenido mucho éxito en relativamente poco tiempo, ¿este hecho hace que cambien o replanten sus metas como banda? ¿Hacia dónde quieren llegar o quizá ahora sean más ambiciosos?

RC: Ambiciosos en la parte puramente artística siempre lo hemos sido y nuestra máxima ambición es ser siempre certeros. En cuanto a comercialidad, somos plenamente conscientes hasta dónde podemos llegar en cuanto a público y también es algo que aceptamos y te digo, toda la ambición que tenemos es plenamente artística, es más, ahora ya estamos pensando qué vamos a hacer y aún no recogemos los frutos de este disco en España porque apenas empezaremos la gira la semana que viene. Tampoco sabemos muy bien la aceptación del público pero ya tenemos en mente el siguiente paso. Hay que hacer otra visión de Triángulo.

LB: Sabemos que ustedes son sumamente políticos, ¿están al tanto de la situación política que vive México, la guerra contra el narcotráfico, etcétera?

JU: La verdad es que las noticias que llegan a España son muy parciales.

RC: No tenemos la versión completa para poder crear una opinión.

JU: Acabamos de ver un periódico aquí, El Gráfico (jaja), algo así es lo que vemos en España.

RC: Lo que llega allá siempre son las noticias horribles. En España tenemos también una cantidad de problemas terribles y una crisis económica que nunca se había visto en la época de la democracia.

LB: Se los preguntaba porque nos interesa su opinión al respecto, entiendo que no tengan muchas herramientas para opinar, creo que El Gráfico no fue la mejor manera de enterarse (jaja).

JU: Bueno pero nos gusta mucho ese tipo de prensa (jaja).

LB: Sus líricas tienen un alto contenido religioso, al igual que el nombre del disco, ¿esto se debe a algo en particular?

JU: Yo creo que es porque somos de Galicia y es una realidad, ahí está muy arraigado.

RC: Está presente en todas partes de la vida, está ahí. Usamos la religión como medio, no es que realmente hablemos de eso. Usamos figuras para hablar de otras cosas y es que ahí en Galicia ya te digo, la mitad de las frases tienen algo que ver con religión. Toda la vida siempre está ahí presente aunque lo ignores.

JU: Y además está toda la imaginería.

RC: Lo usamos para hablar de otras cosas, relamente el disco no habla de religión. Estamos como en un lugar de observadores y en todo caso usamos el ritual, ¿sabes? No nos adentramos en más cosas, me aburren sus locuras.

LB: Va la última pregunta: Sus canciones, en particular las de Año Santo, suenan como himnos de batalla aunque yo se que esa no es la intención, pero si ustedes hicieran canciones de batalla o de guerra, ¿qué causa o causas pelearían?

JU: ¡Wow!

RC: La causa humanista del ser humano medio que sólo quiere vivir en paz, ya que al final todos los problemas del mundo son culpa de personas que viven totalmente agenas de la realidad humana. La causa de la gente que simplemente quiere vivir sin molestar a los demás.

JU: Estoy con él, me acaba de sorprender (jaja).

El sábado 12 de junio, Triángulo de Amor Bizarro se presentó junto con sus compatriotas Delorean en el Pasagüero para dar cátedra de lo que significa hacer buena música y dejarlo todo en el escenario. Acá pueden ver las fotos y leer la reseña que hicimos en LifeBoxset.com.

• Fotos: Triángulo de Amor Bizarro y Delorean @ Pasagüero
• Triangulo de Amor Bizarro y Delorean en México
• Ganadores: Boletos gratis para Triángulo de Amor Bizarro
• Entrevista con The Dears para LifeBoxset.com
• Triángulo de Amor Bizarro por Güili Damage

Texto: Christian Rojas y Daniel Patlán | Foto: Daniel Patlán

The Sunshine Underground, los ingleses (alguna vez) catalogados como new rave pero, en realidad, representantes del indie rock de U.K., están por primera vez no solo en México, también en América Latina. Con su segundo disco de larga duración recién salido del horno, Nobody’s Coming To Save You, la banda brindó unos minutos de su tiempo previos a su presentación en el Bulldog Cafe de la Ciudad de México en el marco de una fiesta presentada por Nylon Magazine. Estas fueron las palabras que nos regaló Craig Wellington, frontman de la banda.

LifeBoxset.com: ¿Cómo se sienten en esta su primera visita a la Ciudad de México?

Craig Wellington: Es bastante emocionante, había querido venir a México desde hace mucho tiempo. Es uno de los beneficios de ser parte de un grupo (jaja), puedes viajar a muchos lados. Nunca había venido a México.

LB: ¿Habías venido a América Latina alguna vez?

CW: No, nunca. Es mi primera vez. He ido a Estados Unidos pero nada más.

LB: ¿Qué puedes contarnos acerca de su nueva producción Nobody’s Coming To Save You?

CW: Pues nos tomó como tres años hacerlo, fue bastante tiempo ya que fue entre el 2006 y 2007 que salió nuestro primer disco. Ahora queríamos hacer algo más obsucro y más pesado, diferente a nuestro debut. Este nuevo disco lleva en el mercado alrededor de cuatro o cinco meses, vamos a empezar a hacer muchas tocadas en festivales, es bastante padre regresar a tocar después del largo tiempo de inactividad que nos dimos.

LB: ¿A qué se debió su pausa de cuatro años entre este disco y su álbum debut, Raise The Alarm?

CW: Fue debido a la gran aceptación de Raise The Alarm, ya que como fue muy exitoso, tuvimos muchas presentaciones. Al final del 2007 decidimos que nos daríamos un año entero para poder escribir y luego regresaríamos a grabar el disco. Decidimos tomarnos todo con mucha calma, así que nos dimos otros seis meses para terminar el disco y que quedara como queríamos. Somos muy afortunados de haber podido hacer eso en nuestra disquera ya que hay muchas bandas que se ven forzadas a sacar discos cada dos años y de manera apresurada.

LB: Como banda independiente, ¿cuáles son los principales cambios que perciben con la cultura de los blogs y las comunidades por Internet? Hace cuatro años cuando ustedes sacaron su disco debut, los blogs no estaban tan fuertes como hoy en día.

CW: ¿Conoces Hype Machine?

LB: Sí

CW: Pues para mí es una maravilla (jaja). Ahí encuentro todo tipo de música nueva. Creo que es una manera de esparcir la palabra y lo apoyo totalmente. Es una gran herramienta como músico poder tener estas opciones tan a la mano, toda esta nueva cultura de los blogs y de las comunidades en la red. Quizá, a las grandes disqueras, no les agrade tanto (jaja), pero para nosotros es una maravilla, ya que lejos de ser algo que nos dañe, nos acerca con el público, el cual se interesa por la banda a través de estos sitios. Es algo que tiene que pasar ya que la industria musical cambia y hay que cambiar con ella.

LB: ¿Creen que el crecimiento y/o éxito de bandas como The Sunshine Underground ha sido gracias a nuevos medios como blogs o revistas electrónicas y no a medios tradicionales como radio, T.V. o revistas impresas?

CW: Sí, sin duda, ya que nosotros no tenemos todo el presupuesto de una gran disquera para poder promocionarnos en todos lados. Lo nuestro es más bien que los fans hablen y escriban sobre nosotros, el clásico boca en boca. Además, puedes tener contacto directo con otras bandas, hablar con ellas y hacer amistad e invitarlos a tus shows. Sin duda eso ayuda a las bandas pequeñas a darse a conocer.

LB: ¿Tienen algún plan para cuando terminen la gira de este disco?

CW: Sí, de hecho, ya estamos escribiendo el tercer disco (jaja), ya que cuando regresemos a Reino Unido tenemos presentaciones en festivales los fines de semana, pero durante todo el siguiente mes tenemos días libres en la semana, así que podemos irnos de festival el fin de semana y grabar los demás días. Es una buena oportunidad para hacerlo y además queremos tener el siguiente disco listo para el próximo año, no más pausas (jaja).

LB: ¿Alguno de ustedes tiene proyectos alternos a The Sunshine Underground?

CW: No, ahora no. Quizá en el futuro lo hagamos pero actualmente estamos enfocados en The Sunshine Underground y en el nuevo disco, el cual es un proyecto muy grande y que consume todo nuestro tiempo. Sin duda en el futuro tendremos proyectos alternos, siempre y cuando no descuidemos al proyecto principal que es The Sunshine Undeground.

LB: ¿Qué música escuchas hoy en día?

CW: Algunas bandas nuevas como Yeasayer ¡me encantan!, también Animal Collective. El nuevo disco de Julian Casablancas me gusta mucho también. Basicamente eso, ¡ah! también el nuevo disco de Gorillaz, me fascina.

LB: ¿Qué podemos esperar de su presentación en vivo?

CW: Nuestras presentaciones son muy energéticas, en Reino Unido somos famosos por nuestras energéticas presentaciones y nuestro gran sonido en vivo. Hay mucho sudor, calor y energía.

LB: Además de ser músicos, ¿tienen contacto con otras artes o se dedican a otras artes como por ejemplo: la pintura, la fotografía o el cine?

CW: A mí me interesa mucho la pintura y el arte en general, la disfruto mucho. No soy muy bueno dibujando pero me gusta leer y disfruto la poesía también. Me dedico al disco dancing (jaja).

Así concluyó esta breve pero amena plática con Craig, cantante de The Sunshine Underground en un pub muy conocido de la colonia Condesa, en la Ciudad de México horas antes del primer concierto de su carrera en México.

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Desde San Francisco, los novatos del indie rock transnacional Girls, vendrán a nuestra ciudad para ofrecer un concierto en El Lunario próximo Jueves, 3 de junio, y, tomando este mismo pretexto, la banda se tomó unos minutos para platicar con nosotros acerca de su música y se su próxima visita a México.

LifeBoxset.com: ¿Por qué Girls? En México hay una banda llamada Niña, Girl en inglés…

J.R. White: Pues las chicas (girls) son muy importantes en nuestra vida, relamente no hay una historia detrás del nombre, simplemente parecía el adecuado. Es simple y sencillo y, además, suena bien (jaja).

LB: ¿Es cierto que Christopher Owens (vocalista, guitarrista y compositor) es o fue parte de la secta The Childern Of God? y ¿de qué manera eso afecta su música?

JRW: Sí, no creo que la afecte de ninguna manera. Las primeras cosas que Christopher escuchó de música fue ahí, entonces por supuesto que está influenciado por esa música, los Beach Boys, entre otras bandas. Él ve la música de una manera particular y singular gracias a eso. La verdad es que yo no soy el adecuado para contestar eso (jaja).

LB: ¿A qué se debe que haya tan poca información sobre ustedes en la red?

JBW: Pues no se por qué la gente querría saber algo sobre mí (jaja), Chris es el compositor y la mente detrás de Girls así que seguro de él hay más que de mí (jaja).

LB: ¿En dónde estaba Girls hace dos años?

JRW: Chris hacía presentaciones esporádicas con diferentes músicos. Ambos vivíamos en la misma casa y nos dedicabamos a escribir y preparar el disco en San Francisco, ninguno de los dos tenía trabajo pero teníamos muchas ideas (jaja). Como banda, no estábamos seguros hacia dónde íbamos ni qué estaba pasando, no teníamos un futuro seguro, pero bueno, afortunadamente eso ya pasó (jaja).

LB: ¿Quién es Laura?

JRW: Una amiga muy cercana de Chris y mía. Tiene 23 años, es rubia, muy inteligente y talentosa y vive en Los Angeles y, a veces, en San Francisco. Es muy divertido estar con ella cuando está borracha (jaja) aunque a veces no es tan divertido. Pone a todas las novias celosas (jaja) pero nada fuera de lo normal.

LB: ¿Cuál fue la canción más complicada de escribir?

JRW: No sabría decirte, todas las escribió Chris.

LB: ¿Qué podemos esperar de su presetnación el próximo Jueves 3 de junio?

JRW: Cinco personas arriba del escenario haciendo lo que mejor saben hacer: tocando música. Nada espectacular, sólo música. No hay video ni visuales, puro rock and roll americano.

LB: ¿Qué canciones te gusta más tocar, las que tienen un sonido pop, fresco y divertido o aquellas con sonidos psicoldélicos y obscuros?

JRW: Realmente todas, soy muy fan de tocar todas las canciones. “Hellhole Ratrace” me encanta, nunca me canso de tocarla. Las nuevas canciones también me gustan mucho, auqneu la verdad es que sí hay unas cuantas de las cuales me canso pero por ahora no recuerdo ninguna (jaja).

LB: Por último, ¿qué bandas deben de escuchar las personas si les gusta Girls?

JRW: Mmmm déjame pensar, ¿bandas nuevas?

LB: Sí y viejas también.

JRW: Nuevas: Dum Dum Girls, sobre todo en vivo. Viejas: Beach Boys. Últimamente me gusta mucho Ariel Pink.

Así concluyó una breve charla con Girls, los oriundos de California previo a su visita a nuestro país y deleitarnos con su indie rock el cual sólo ha sido encapsulado (por Arts & Crafts) en un disco de larga duración: Album. Si aún no tienen su entrada, entrén aquí y asegúrenla.

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LifeBoxset.com: ¿Era su intención ser una banda tributo desde su formación?

Ras: No, la verdad es que no. Todos éramos músicos de sesión en Nueva York, siempre tocábamos en diferentes proyectos de dub de la disquera Easy Star y nos gutaba mucho lo que hacíamos. Nunca pensamos en convertirnos en estrellas y ser populares. Fue hasta el Dub Side Of The Moon que surgió la idea de ser un grupo y salió Easy Star All-Stars. Es un honor ser parte de este grupo.

LB: ¿Podrías describir el proceso de descomponer las canciones y reinterpretarlas en dub como lo han hecho en sus discos?

R: La mente maestra detrás de todos los arreglos es Michael G (Goldwasse, fundador, productor, director musical, arreglista y guitarrista), él es quien transforma y modifica las canciones. Sabe escoger mágicamente al vocalista adecuado para cada canción. Va a la raíz de la canción original y la desintegra para hacer una versión maravillosa de dub.

LB: ¿Han tenido contacto directo con las bandas cuyos discos han reversionado?

R: Sí, de hecho, han sido muy bien recibidos, los únicos con los que no hemos tenido contacto han sido The Beatles, ni con el management ni con ellos, pero con todos los demás sí. Ha sido algo muy padre.

LB: ¿Qué opinas de la evolución de la música dub y los nuevos géneros como el dubstep?

R: Lo que más me sorprende del dub es cómo ha crecido en todo el mundo, cómo cada vez a la gente le gusta más. Es increible ver cómo el dub en diferentes versiones va en ascenso.

LB: ¿Cuáles discos les gustaría hacer en dub?

R: ¡Wow, esa es una gran pregunta! ¡El que sea de Queen, no me importa cuál! Entre las sugerencias que nos dan los fans, hay un disco que siempre piden: Thriller de Michael Jackson, creo que sería grandioso poder hacerlo. No nos han dicho qué disco sigue, sólo sé que quedará mejor que los anteriores, jaja.

LB: ¿Puedes contarnos cómo fue que obtuvieron los derechos para usar canciones de Pink Floyd, Radiohead y The Beatles?

R: Pues fue un poco difícil el proceso con los derechos. Al principio no querían que hicieramos los discos, entonces les llevamos un demo y cuando lo escucharon quedaron sorprendidos y accedieron a que usáramos las canciones. Fueron los demos los que lograron que nos dieran permiso, antes de escucharlos estaban totalmente en contra, jaja.

LB: Hay un documental llamado Dub Echoes en donde Lee Perry dice que cualquier música puede hacerse en dub, ustedes son el mejor ejemplo de esto, pero ¿cómo te imaginas las canciones clásicas de dub en otro género como el rock o el pop?

R: ¡Muy cierto! Toda la música puede ser dubeada. La música se puede hacer una sola con el dub porque lo que hace el dub es desnudar la canción hasta su mismísimo núcleo. El dub siempre ha sido y será experimental, eso es lo que lo hace más divertido.

LB: Última pregunta, ¿qué recomendación podrías darle a las nuevas bandas de dub?

R: El error más grande que cometen las bandas jóvenes es que pierden el fundamento del dub, le quitan la escencia. Yo les diría que cuiden esa parte, cuiden el fundamento, la raíz, el núcleo, la constante de lo que significa este género. Esa es la clave del dub, la magia. Manténgalo real, manténgalo fuerte.

Así terminó nuestra plática con Ras, bajista del colectivo Easy Star All-Stars quien nos deseó un muy buen día y se despidió con un: “‘Till the next time, lots of love!”

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El próximo 28 de mayo, una de las bandas islandesas más importantes que vio crecer la década pasada, Múm, ofrecerá su primer concierto en nuestra Ciudad en el marco de una micro gira por nuestro país que hará una segunda escala en la ciudad de Guadalajara el día 29 de mayo. Previo a dicha visita, LifeBoxset.com tuvo la oportunidad de enlazarse hasta Islandia para platicar con Gunnar Örn Tynes, integrante activo de la banda. He aquí el resultado de la charla.

LifeBoxset.com: Lo siento pero, debido al impacto mundial que tuvo lo siguiente, tengo que preguntarlo, ¿cómo se vive en Islandia después de lo que que acaba de pasar con lo del volcán Eyjafjallajoekull?

Gunnar Örn Tynes: Es muy extraño cómo esta situación ha afectado a todo el mundo, tenemos muchos volcanes que a veces hacen lo mismo, pero es muy extraño que haya parado a millones de personas que estaban viajando. Para mí fue algo sumamente emocionante, ya que yo sigo todos los días la cobertura y noticias sobre terremotos y desastres naturales, por lo tanto estoy muy consciente de lo que significan estos desastres naturales, nos hacen ver que somos muy pequeños en comparación a ellos, es algo fuera de nuestro control.

LB: De hecho hace poco vi un documental de National Geographic acerca un grupo de expertos que fueron al volcán justo después de que hizo erupción y fue algo impresionante.

G: Los últimos meses he estado en la casa de verano de mis padres, muy cerca de las montañas, a una hora y media de la ciudad y diario las veo a través de mi ventana con el humo que sale de ellas y es algo hermoso y lleno de paz. Es algo que en la ciudad pasa desapercibido, es difícil imaginar que algo así haya afectado tanto al mundo.

LB: En fin, platiquemos sobre su música. ¿De qué manera la cultura, costumbres y modo de vida de Islandia inspira o afecta su música?

G: Creo que es algo muy fuerte para nosotros como banda y creo que todo a lo que estás expuesto, todo lo que vives y ves es algo que afecta tu creatividad, pero es muy dificil separar cosa por cosa. Personalmente (y creo que así pasa con todas las personas) lo que pasa a mi alrededor me ha hecho ser de la forma que soy, eso me gusta.

LB: Tienen muchas referencias a animales en sus canciones, por ejemplo: “If I Were a Fish”, “They Made Frogs Smoke ‘Till They Expode” o “I Was Her Horse”, ¿por qué escriben tan seguido acerca de los animales?

G: En el caso de la canción “Frogs…” fue inspirada por una historia que un amigo finlandés nos contó. Cuando él era pequeño en Finlandia fue al campo con su familia y un primo le contó la leyenda de que si a una rana le ponías un cigarro enfrente, la rana succionaría todo el humo hasta explotar, es muy extraño. A partir de esta canción discutimos sobre las cosas extrañas y bizarras que nos han contado desde que eramos pequeños, tratamos de aplicar a las canciones estos recuerdos, es muy dificl de explicar, pero partimos del principio de que todas las personas han tenido una experiencia así, ya sea familiar o con sus amigos o en la escuela. Experiencias en las que la gente ha sido muy cruel con los animales, en las que experimentan con ellos porque creen que tienen algún poder especial. No creemos que la gente sea mala sin embargo es un aspecto interesante a estudiar.

LB: ¿Qué pueden contarnos acerca de la experiencia de ser parte del documental Screaming Masterpiece?

G: Eso nos cayó de sorpresa, nosotros simplemente estábamos dando un concierto en Brighton (Inglaterra) y nos preguntaron si podían grabarnos y listo (jaja). Después nos dijeron para qué era y ya (jaja).

LB: ¿Han escuchado algo que les hayan contado otras bandas acerca de la experiencia de tocar en México o sobre cómo es nuestro país? ¿Qué esperan ustedes de esta visita?

G: Estoy muy emocionado de ir, ansío mucho visitar México. Ninguno de mis amigos en Islandia ha ido a México y no he tenido la oportunidad de hablar con otras bandas así que no se qué esperar, pero por lo que puedo deducir, el público es muy apasionado y amistoso. Pienso que será algo increíble, puedo sentirlo. Estoy muy emocionado de ir ya que estarémos en México dos semanas y quiero hacer nuevos amigos (jaja).

LB: ¿Cómo describirías la escena músical de Islandia?  Sabemos que hay bandas como Sigur Rós, Björk o Jóhann Jóhannsson, pero en realidad conocemos muy poco.

G: Es muy pequeña y de perfil bajo (jaja) hay mucha gente haciendo cosas muy creativas y haciendo música grandiosa, pero Islandia es muy pequieño, los shows son pequeños, etc. Parece como si estuvieramos todos juntos en el mismo barco, tenemos que apoyarnos mucho entre nosotros. Contrario a lo que he visto en muchos países y ciudades, en Islandia hay mucho apoyo entre bandas, todos trabajamos juntos para lograr el mismo objeivo, no hay mucha competencia, a diferencia de Londres por ejemplo, donde siempre están compitiendo como si fuera un juego, es muy diferente acá. Es muy divertido y al mismo tiempo muy lindo. No hay esa necesidad de ser famoso o convertirse en celebridad.

LB: ¿Qué puede esperar la gente de México acerca de sus próximas presentaciones?

G: Pienso que serán unas hermosas noches, tocarémos música nueva y música vieja, no hemos decidido el setlist, no se si haya alguna petición especial (jaja). Estoy muy emocionado en verdad, para mí es un placer, serán grandes shows. Cuando los fans se van a casa contentos, entonces quiere decir que fue un buen show.

LB: Sus primeros discos: Yesterday Was Dramatic, Today Is Ok y Finally We Are No One, se caracterizaron por tener un ritmo lento, tranquilo e incluso obscuro, a diferencia de sus últimas producciones que son más alegres y con ritmos más pop, ¿cómo ha sido esta evolución, este crecimiento?

G: Pues, siempre tratamos de hacer cosas nuevas. Antes de escribir música no decidimos hacia dónde irá o cómo lo haremos, simplemente tocamos y vemos cómo sale. Es dificl de explicar ya que es algo que se da espontaneamente al momento de crear música.

LB: Si les pidieran hacer el score de una película, ¿con qué director les gustaría trabajar?

G: ¡Uff esa es una muy buena pregunta! ¿puede ser quién sea, de cualquier parte del mundo, vivo o muerto (jaja)?

LB: ¡Sí claro!

G: Muy probablemente diría que Hitchcock porque me fascina lo que hacía en sus películas y sería una colaboración muy extraña (jaja). Me encantaría su punto de vista acerca de nuestra música.

LB: Si hicieran una película como la de Pink Floyd: Live at Pompeii, ¿en qué lugar la filmarían?

G: ¡En el volcán Eyjafjallajoekull.(jaja)!

LB: ¡Claro! ¡Deberían hacer un concierto ustedes con Sigur Ros y Björk ahí en el volcán! ¿no crees?

G: (jaja) Sí, sería fantastico si la gente no corriera peligro (jaja). Sería épico.

LB: Última pregunta: Si ustedes hicieran la curaduría del festival All Tomorrow’s Parties, ¿qué bandas escogerían?

G: Eso es muy difícil (jaja) llamaríamos a todos nuestros amigos (jaja). Definitivamente a Sonic Youth, Micachu & The Shapes y un montón de bandas más (jaja)

LB: Muchas gracias por tu tiempo y tu cooperación. Estamos muy emocionados de verlos por acá.

G: ¡Gracias a ustedes! Nosotros también estamos muy emocionados y ansiosos de ir.

Así concluyó una muy entretenida entrevista con Múm desde México hasta Islandia. Si aún no cuentan con su boleto para el concierto, entren aquí y adquiéranlo ya.

• Fotos: Múm @ José Cuervo Salón
• Flyer: Múm en México
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• Juan Son en el José Cuervo Salón
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Acá abajo redactaremos nuestra plática con Caribou, quien se presentará el próximo 21 de mayo en el Salón Covadonga junto con Toro & Moi y Los Amparito.

LifeBoxset.com: ¿De qué manera aplicas a la música tus conocimientos en matemáticas? [Dan Snaith estudió la licenciatura en matemáticas en la Universidad de Toronto y tiene además un postgrado también en matemáticas en el Imperial London College]

Caribou: No lo hago (jaja). Creo que son dos cosas completamente diferentes aunque ambas involucran la creatividad, la intuición y la imaginación. La música es totalmente emocional y las matemáticas totalmente lógicas y racionales.

LB: ¿Por qué el nombre de Manitoba y después el de Caribou?

C: Ambos representan el hecho de estar aisalado, lejos del centro musical donde suceden todas las cosas. Por otra parte, me encantan esas dos palabras (Manitoba y Caribou). Cuando tuve que cambiar mi nombre artístico decidí ponerme Caribou porque seguí la misma línea y la misma idea.

LB: ¿Qué idea tienes sobre México?

C: Cuando era pequeño, alrededor de tres o cuatro años,  mi papá (matemático también) colaboraba con una empresa mexicana, entonces veníamos seguido. Recuerdo poco, pero una de las cosas que sí recuerdo son las Pirámides del Sol y de la Luna, además ese es uno de mis primero recuerdos de la infancia. Me emociona mucho regresar ya que asocio a México con mi familia. A pesar de que no he ido en muchos años, mi amigo Kieran [Hebden, Four Tet] me dijo que se la pasó increible cuando fue el año pasado.

LB: ¿Quién es el encargado del arte visual de Caribou? Ya que el arte visual alrededor de Caribou es muy homogéneno, los videos, el arte de los discos, los visuales, etc., pareciera que tuvieran la misma dirección y fueran hechos por una sola persona.

C: La parte visual es muy importante en Caribou aunque yo no soy una persona muy visual, por eso hago música (jaja). He tenido la suerte de trabajar con gente super talentosa como Jason Evans quien hizo el arte del último disco y las playeras de la gira. En cuanto al show en vivo es también una gran oportunidad para colaborar con artistas interesantes.

LB: ¿Qué música escuchaste durante el proceso de composición y grabación de tu último disco?

C: La verdad es que no lo recuerdo (jaja), escucho todo tipo de música, desde la electrónica hecha en Londres hasta el hip-hop sucio de Detroit. Trato de no mezclar lo que oigo con lo que escucho.

LB: ¿Cómo describirías tus presentaciones en vivo?

C: Como un show, hay video-proyecciones, dos baterías, teclados, guitarras y bajos. Es muy electrónico pero a la vez muy orgánico, hay mucha improvisación lo cual me llena de emoción, ya que eso quiere decir que hay gran sentimiento al momento de tocar. Me emociona mucho estar de gira.

Con eso terminó nuestra plática con Dan Snaith aka Caribou, quien se presentará el próximo 21 de mayo en el Salón Covadonga junto con Toro & Moi y Los Amparito.

• LifeBoxset.com platicó con Stereo Total
• Fotos: Los Amparito y Toro & Moi @ Salón Covandonga
• Fotos: Caribou @ Salón Covadonga
• Ganadores: Boletos gratis para Caribou
• Ganadores: Boletos gratis para Steve Aoki

Con motivo de su próxima visita a la ciudad de México, tuvimos la oportunidad de platicar con la banda originaria de Montreal, The Dears, quienes presentarán su nueva placa discográfica (la cual no se ha grabado) los días 6, 7 y 8 de mayo en el Pasagüero.

La entrevista fue con Natalia Yanckak, Robert Benvie y Jeff Luciani, a continuación leerán todos los detalles de esta charla.

LB: ¿Por qué dicen que el nuevo disco es “el disco de sus vidas”? (Esta cita la encontramos en su website: “The Dears form dream team of all-stars from yesteryear to create ‘album of our lives’”)

Natalia: Es una manera de adquirir cierta identidad, ya que The Dears han estado un poco difíciles de definir o confundidos y ahora estamos más confiados, y creo que esa confianza se verá reflejada en las canciones.

Robert: Han habido diferentes facetas en la historia de los Dears, algunos hemos estado intermitentemente, bueno, Natalia siempre ha estado (jaja) pero hace unos años hubo un periodo obscuro en el cual se cuestionaba el futuro de la banda, pero al final la respuesta siempre ha sido: sí, la banda sigue, y ahora estamos en el proceso de renacimiento, aunque la banda nunca murió pero es más bien una nueva definición de la banda, un nuevo espíritu de amistad y de trabajo colectivo. Así que es el disco de nuestras vidas, aunque todos los discos lo son pero en este caso estamos trabajando juntos y hay ese halo de conjunto y colectividad que no hay en ninguno de los discos anteriores.

Creo que en este disco tenemos mucho que probar como banda, a nosotros mismos y a nuestra audiencia.

LB: Hablando de “los nuevos Dears”, ¿cómo se sienten en esta nueva etapa?

R: Yo estuve en los Dears tiempo atrás, los conocí hace 10 años y fuimos amigos, después estuve en el grupo por un periodo corto pero siempre en contacto con ellos, así que siento que aunque no era parte de la banda, estaba cerca de ellos como amigo y asesor.

Es interesante porque fui parte de la banda en los primeros años y ahora regreso mucho tiempo después, aunque no estuve todos esos años pues estaba cerca. En broma empezamos a referirnos a nosotros mismos como un dream team de los Dears, pero en cierto modo sí lo es y en verdad se siente como una banda en forma, con mucha experiencia. Tenemos mucha comunicación, es nuevo y viejo, es como la ciudad de México (jaja), emerge de lo clásico y se junta con lo nuevo, hablando de arquitectura e historia (jaja).

LB: ¿Por qué decidieron hacer esta residencia en México y no en Canadá, Estados Unidos o Europa?

N: Cuando la banda ha estado en sus momentos más críticos y complicados, cuando había mucha incertidumbre porque algunos integrantes salían de la banda, para Murray y para mí era muy complicado definir lo que significaban los Dears. Recordamos que todas las veces que hemos venido a tocar a México han sido increíbles ya que el público es tan apasionado como nosotros en el escenario y eso crea una gran interacción. Cuando tuvimos esta idea fue el primer lugar en el que pensamos que pordíamos tener esa interacción para hacerlos parte de este disco y eventualmente eso afectará la manera en que grabemos las canciones. México nos ha inspirado mucho, esa es la razón.

R: Esta es la primera vez para Jeff y para mí aquí, pero he oído mucho por estos muchachos (jaja) y tengo la impresión de que el público mexicano entiende y de verdad se involucra con los Dears y su música, hay mucha más pasión aquí que en casa (Canadá). En la etapa en la que estamos ahorita, terminando de componer y definiendo a qué sonará el nuevo disco, lo estamos tomando totalmente en serio, entregándonos por completo a la música, entonces queríamos una audiencia que respondiera de la misma manera. Si lo hiciéramos en Montreal, la gente diría: (burlándose) “ooh los Dears, bla bla”, no sería tan especial, habría más gente afuera fumando que poniendo atención al show. Queríamos tocar para un público que lo comprendiera y agradeciera porque es lo que la banda necesita en este momento y en este punto de su vida, así que México fue la primera idea que salió de la cabeza.

LB: Su acto en vivo es bastante teatral e impresionante, ¿componen las canciones pensando en su acto en vivo?

N: No, todo es espontáneo, no creo que “el teatro” que armamos sea planeado (jaja). Es bastante emotivo porque estamos todos en el escenario y realmente nos concentramos en la música, no me importa si me veo cool o si hago movimientos extraños.

R: Estamos trabajando en una parte para nuestro nuevo set en la que Krief (guitarrista) y yo hacemos unos movimientos como de mimo y actuamos todas las letras y luego sale fuego de todo el escenario y terminamos (jaja), es muy teatral (jaja).

LB: La muerte es un tema muy recurrente en su música, ¿se debe a algo en específico o simplemente sucede?

N: Al igual que todos los temas que tocamos en nuestra música, es un tema real, tiene que ver con la realidad.

R: Todos moriremos, dejame decirte que algún día vas a morir aunque no quieras pensar en ello (jaja).

N: No creo que toquemos un tema en específico, los cosas más fuertes son el amor, estar juntos o separados, nacer, morir, al final del día como seres humanos es todo lo que tenemos, no celulares, ni dinero ni nada de eso.

LB: Esta pregunta la hicieron nuestros lectores; en la historia de The Dears hay muchos cambios de alineaciones, ¿a qué creen que se deba esto?

N: La gente crece y madura, las metas y aspiraciones de lo que quieren hacer en sus vidas cambia al igual que sus prioridades y no puedes obligarlos a que se queden en la banda ni forzarlos a nada. La prioridad de los Dears siempre ha sido y será la música, así que la gente que quiera seguir haciendo eso es la que está con nosotros, si alguien quiere dejar de hacer eso pues no tiene que continuar en la banda.

• Fotos: The Dears @ Pasagüero
• Victoria Mil, La Banderville y On TV serán los teloneros de The Dears
• Ganadores: Boletos gratis para Hallogallo
• Broken Social Scene en México
• Spoon en México

Con el pretexto de su próxima visita a la ciudad de México, tuvimos la oportunidad de platicar con Sharin Foo, vocalista, guitarrista y bajista del dúo The Raveonettes.

LifeBoxset: Hey, ¿cómo estás? ¿Cómo se sienten de regresar a la ciudad de México?

Sharin Foo: Nos sentimos muy emocionados porque este será nuestro primer show en un club y como headliners. Habíamos tratado de hacer esto desde hace mucho pero siempre había obstáculos. Estamos muy emocionados también porque siempre ha habido muy buena respuesta de parte de los fans que nos han pedido ir a tocar allá y todo eso, entonces creemos que será muy divertido.

LB: Tuvieron un muy buen recibimiento la vez pasada que vinieron a abrir el show de Depeche Mode. ¿Cómo fue que The Raveonettes abrió ese show? ¿Cómo los contactaron?

SF: Ya habíamos tocado con ellos antes en el Touring The Angel tour por allá del 2005 o 2006, Martin Gore es fan de la banda, también Dave, así que estuvimos en contacto con ellos desde entonces y fue lindo que nos invitaran a tocar con ellos de nuevo.

LB: Ustedes han dicho que The Everly Brothers los inspiraron al inicio de la banda, ¿qué bandas los inspiraron para su último disco?

SF: No lo sé, no hubo alguna banda en particular, lo que hablamos antes de trabajar en el disco fue que queríamos tener más coros y también queríamos tener las voces al frente de todo, resaltarlas más. Esas fueron las cosas que acordamos, después fuimos al estudio y estuvimos seis semanas y dejamos que todo fluyera espontáneamente.

LB: ¿A qué se refieren cuando dicen que tienen un contenido lírico obscuro? Tomamos esta referencia de su biografía oficial en el website de The Raveonettes.

SF: Nuestro último disco es bastante obscuro, trata sobre el suicidio, violaciones, drogradicción, violencia domestica, entre otros temas fuertes. Hay demasiada tragedia pero está creado en este contexto de música suave y pop, es un contraste musical en el que la música es fácil de escuchar pero las letras son duras.

LB: ¿De dónde surge el título Lust Lust Lust?

SF: Parecía ser el nombre apropiado para ese disco. La canción que lleva el mismo título fue le tema central, así que de ahí partimos para tomar el nombre. De esa canción salieron todas las demás, nos mostró la dirección en la que iría ese disco.

LB: Cuéntanos un poco acerca de la escena musical danesa, ¿cómo ha evolucionado y crecido en los últimos años?

SF: Hasta donde yo sé, hay muchas bandas buenas en Dinamarca y muchas otras bandas que son muy ambiciosas para salir de allí, pero no sé mucho porque no vivo allá desde hace ocho años, así que no sabría decirte mucho ya que no estoy dentro de la escena, pero sé que hay muy buenas bandas por ejemplo Mew, que por cierto son grandes amigos nuestros. Hay una banda nueva que se llama Efterklang que también nos gusta mucho. [En la entrevista con Kashmir, banda danesa, nos recomendaron a Efterklang]. Creo que son buenos tiempos para las bandas danesas. Para serte honesta, The Raveonettes y Junior Senior fueron las primeras bandas en abrirse paso y salir a la escena internacional e hicieron que las bandas jóvenes tuvieran esa hambre de salir y exporar nuevos terrenos.

LB: Su disco Whip It On fue considerado el mejor disco rock en los Danish Music Awards, ¿cómo cambió su carrera a raíz de esto?

SF: No creo que haya cambiado en lo más mínimo (jaja) es lindo recibir premios y reconocimientos, es halagador. Nos gusta.

LB: ¿Cómo fue el proceso de composición de su disco In And Out Of Control?

SF: Fue una colaboración con el productor Thomas Troelsen quien también participó en las canciones y colaboró en ellas. Fue la primera vez que alguien externo colabora con nosotros en esta etapa. Fue bueno porque no sólo estuvimos Sune y yo haciendo las canciones, sino que tuvimos a alguien que aportara cosas del exterior y nos retara.

LB: ¿Cómo describirías el live act de The Raveonettes?

SF: Creo que en este momento es un acto muy minimalista y muy crudo, tenemos guitarras, bajo, batería y voces, es muy ruidoso e intenso. Yo diría que el sonido es mucho más punk que escuchar el disco.

LB: Gracias. ¡Estamos muy emocionados de verlos en El Lunario!

SF: ¿Es un buen venue?

LB: ¡Sí claro!, Kashmir tuvo tres fechas con sold out.

SF: ¡Wow! ¡Eso nos emociona más!

Así concluyó la breve entrevista que tuvimos con Sharin Foo de The Raveonettes, quienes se presentarán el día de mañana, Miércoles 21 de abril, en El Lunario como parte de un Secret Show de MySpace presentado por Noiselab. El concierto es gratis, entren aquí para saber cómo estar ahí.

• Fotos: The Raveonettes @ Lunario
• Ganadores: Boletos gratis para The Raveonettes
• Ganadores: Boletos gratis para El Otro Yo
• Gary Numan en México
• LifeBoxset.com platicó con Girls

Antes del show de A Place To Bury Strangers en la ciudad de Atlanta, GA y con la ayuda de la gente de Mute Records, LifeBoxset.com tuvo la oportunidad de platicar con Oliver Ackermann, guitarrista de APTBS y creador de Death By Audio, proyecto que en un inicio fue conocido como una marca de pedales de efectos personalizados. Quizás el tiempo para la entrevista no fue muy largo, pero definitivamente la plática fluyó de forma perfecta y pudimos conocer algunos aspectos importantes de esta banda originaria de Brooklyn, Nueva York.

LifeBoxset: Comencemos platicando un poco acerca de tu proyecto Death By Audio y cómo esta filosofía del DIY (Do It Yourself) influye en A Place to Bury Strangers.

Oliver Ackermann: Bueno, Death By Audio es el nombre de una comunidad formada por mí y algunos amigos de Brooklyn, en donde creamos un venue dentro de nuestra casa, así como un sello discográfico y una boutique de pedales de efectos personalizados. Se trata de hacer todo por nuestra cuenta, desde las portadas de nuestros discos, hasta playeras, estampas y los mismos instrumentos que usamos al tocar. Todo esto tiene como objetivo ayudar a algunas otras bandas y crecer todos juntos.

LB: ¿A quiénes les has hecho estos pedales personalizados?

OA: Hasta ahora hemos trabajado con Trent Reznor (NIN), The Edge (U2), Jeff Tweedy (Wilco), Kevin Shields de My Bloody Valentine y otros más.

LB: Nada mal, eh. Por otro lado, la carrera de APTBS aparentemente tuvo un gran boost después de que Pitchfork los tomó en cuenta para su sección Best New Music. ¿Cómo ha sido su relación hasta ahora con la prensa alternativa, los fanzines, los webzines y los blogs extranjeros como nosotros?

OA: Ha sido genial, definitivamente nos han ayudado mucho. Todos estos blogs y sitios de Internet han estado al pendiente de lo que hacemos y eso nos ha ayudado a que más gente nos conozca sin nosotros hacer mucho.

LB: Qué bien, me da gusto que nosotros como medios alternativos seamos útiles para bandas como ustedes.

OA: Lo son.

LB: Nunca los he visto en vivo y aún faltan un par de horas para que suban al escenario, pero he escuchado que son una banda bastante ruidosa. ¿Consideran que el volumen es una parte importante de su sonido?

OA: Se trata más bien de jugar con las intenciones a la hora de tocar, claro que el volumen es una parte importante y se utiliza de distintas maneras. Lo importante es saber qué quieres hacer con él, ya sea destruir el sonido que traes detrás o explotar la canción al máximo. Pero por supuesto que es importante al tocar en vivo.

LB: A pesar de que una de las principales características de ambos discos de APTBS es el sonido tan crudo que consiguieron, ¿cuál fue la diferencia, si la hubo, al grabar este último?

OA: Realmente fue muy diferente. Esta vez utilizamos más tiempo para pensar y enfocarnos en lo que queríamos hacer, que era un sonido más a como es APTBS en vivo. El primer disco lo grabamos en unos pocos días ahí en la casa donde vivimos, y este último lo pensamos más, trabajamos más las canciones.

LB: Sí, la verdad suena mucho mejor. Por otro lado, ¿cuál es tu parte favorita de las giras?

OA: Me encanta ir a diferentes lugares y conocer mucha gente nueva, como tú. Es una gran oportunidad para conocer lugares que en tu vida habías visitado. La peor parte de estar de gira es que nunca hay tiempo suficiente para conocer a fondo los lugares o a las personas.

LB: Y hablando de shows, tuvieron la oportunidad de abrirle algunos a Nine Inch Nails. ¿Qué tal esa experiencia?

OA: Fue fantástico que nos invitaran a tocar algunos shows con ellos. Ser parte de una gira de ese tamaño es muy divertido, salvaje y loco.

LB: ¿Y cómo fue que los invitaron?

OA: No sé exactamente, pero creo que fue a partir de que escucharon acerca de los pedales de efectos. Investigaron sobre nosotros, nos escucharon y terminaron invitándonos. Quizás fue también culpa de Pitchfork [jaja].

LB: Yo en lo personal no sé cómo describir muy bien su música. ¿Cómo se la describirías a gente que nunca los ha escuchado?

OA: Siempre digo que es hippie country rock o raw music, pero creo que no es una buena descripción [jaja]. No sé si es música experimental o pop, siempre me cuesta mucho trabajo describirla.

LB: Ok, mejor pasemos a otra cosa. APTBS es parte de un importante regreso del shoegaze al mainstream. ¿Qué otras bandas les gustan?

OA: Hay muchas, pero en especial hay una llamada Darker My Love que tienen que escuchar. Son unos californianos no muy famosos pero que se les debe de poner atención.

LB: Perfecto, la buscaremos. Sobre sus pedales de efectos personalizados, ¿qué es lo que están usando en estos momentos?

OA: Utilizamos muchos diferentes creados por nosotros en los que mezclamos los sonidos de los reverbs, delays y muchas otras cosas para siempre crear sonidos distintos. Siempre estamos buscando nuevas cosas que hagan ruido.

LB: Por último me gustaría hacerte la pregunta obligada: ¿Alguna vez irá APTBS a México?

OA: Eso espero, nos encantaría. No recuerdo sus nombres pero he escuchado varias bandas mexicanas que son excelentes, además de que la gente mexicana que conozco es increíble.

Así fue como terminó la agradable entrevista con Oliver Ackemann, quien prometió estar al pendiente para cuando estuviera publicada aquí en LifeBoxset.com. Entren aquí para ver algunas fotos del show y un video que sirve como una pequeña muestra de lo que es A Place To Bury Strangers en vivo.

• LifeBoxset.com platicó con Stereo Total
• Kashmir platicó con LifeBoxset.com
• Phoenix platicó con LifeBoxset.com
• LifeBoxset.com platicó con Los Amparito
• Entrevista con Murcof: Próximamente

Cuando una entrevista se convierte en una plática entre dos viejos amigos, sabes que algo está bien. Cuando los dos viejos amigos son una de tus bandas favoritas y tú, sabes que nada podría estar mejor. Pero, cuando tienes la oportunidad de compartir esa amena charla con otros fans y público en general, agradeces tu trabajo y el poder hacer partícipe a otras personas. Hace unas horas LifeBoxset.com platicó con Kasper Eistrup, Henrik Lindstrand, Mads Tunebjer y Asger Techau, mejor conocidos como Kashmir.

Nota: Usar el formato tradicional de pregunta-respuesta sería injusto y no retrataría fielmente la conversación, razón por la cual, la redacción de esta entrevista será más coloquial y a manera de diálogo.

Pasadas las 10:30 hrs., dentro de una sala de prensa en Sony Music, disquera de Kashmir en México, se encontraba un sillón con capacidad para cuatro personas, razón por la cual pensé que la entrevista sería con el grupo completo. Minutos después, la chica de prensa me dijo que sería sólo con Kasper y Henrik -perfecto- pensé. Sin embargo, minutos antes de que llegaran los chicos de Kashmir a donde yo me encontraba, la misma chica de prensa me dijo que sería con los cuatro, -excelente- me dije a mí mismo.

Llegaron los cuatro daneses muy amables, saludaron a todos los presentes y se sentaron en el sillón antes mencionado. La primera entrevista fue para Ache Producciones (promotora encargada de la visita de Kashmir en México y proximamente de los Arctic Monkeys). Cuando terminó el turno de ellos, LifeBoxset.com se dispuso a entrevistar a cuatro individuos que más allá de tener editados seis discos, haber hecho giras por todo el mundo y lograr tres fechas sold out en la Ciudad de México, son personas común y corrientes, como todos nosotros, que se dedican a hacer música de gran calidad y que han tenido éxito alrededor del mundo. La definición que usualmente se conoce del mote rockstar no aplica para ellos, quienes derrochando sencillez y madurez dejaron fluir las preguntas y respuestas, sin pelearse el micrófono entre ellos y con sumo respeto mutuo.

La entrevista inició cuando contestaron las diferencias entre el proceso de grabación de Zitilites, No Balance Palace y su nueva obra: Trespassers. El primero en tomar la palabra fue Asger Techau (baterista): “Con Zitilites decidimos crear nuetro propio estudio y grabarlo ahí, sin presiones y con mucha experimentación, sin embargo tuvimos que aprender a ser disciplinados y a despertarnos temprano para ir a ensayar y a grabar”. Dijeron también que con No Balance Palace fue lo contrario, lo grabaron en un estudio muy grande y profesional y ahora con Trespassers hicieron un poco de ambas; iniciaron las grabaciones en su propio estudio en Copenhague, para después irse a uno más grande y finalizar el disco con ayuda de Andy Wallace en Nueva York.

Una pregunta que resultaba obligada (por lo menos para mí y para algunos fans que conozco) era la referente al video de “Rocket Brothers”. El turno de contestar fue de Mads Tunebjer (bajista): “La idea fue de Kasper, el tenía la idea de contar una historia de dos hermanos, después contactamos a Simon B, un artista gráfico y él hizo las caricaturas, así complementamos la idea que tenía Kasper.”

Al tocar el tema de su penúltima producción: No Balance Palace, fue inevitable que hablaran sobre las colaboraciones de Lou Reed y David Bowie. Entre bromas nos contaron cómo fue que éstas pasaron. De nuevo Mads Tunebjer tomó la palabra: “Todo fue gracias a Toni Visconti, el productor de disco. Él produjo muchos de los primeros discos de David Bowie y actualmente son amigos. Un día salió la broma de que deberíamos invitarlo a colaborar en el disco y Toni dijo: ‘¡Sí claro! ¿Por qué no?’ y así fue”. Kasper nos contó que con Lou Reed el asunto fue que Toni Visconti hacía Tai-chi con él, así que fue mucho más sencillo. La historia según contaron es la siguiente: había una canción en la que cual Kasper sólo iba a leer un texto, así que esa fue la que hizo Lou Reed. Kasper esrcibió el poema “Black Building” exprofeso para que el ex vocalista de Velvet Underground lo leyera.

Dentro del tema de No Balance Palace les preguntamos a qué se debía que hubiera tantas referencias en sus canciones hacia las mujeres o hacia algo femenino (“Ophelia”, “Diana Ross”, “She´s Made of Chalk”, “The Curse of Being a Girl”, etc.) y Kasper (con una gran sonrisa en el rostro) nos comentó que nunca lo había pensado pero que es algo completamente natural: “El tema del amor entre hombre y mujer está presente en casi todo el arte. Cuando hicimos ese disco algunos de nosotros, no todos y no diré nombres (jaja) pasamos por rupturas muy fuertes que realmente nos afectaron. No sólo en ese album hablamos de ello, sino en el nuevo también. Hay cierto magnetismo hacia la belleza de la mujer que es incuestionable.”

La canción “No Balance Palace” que da nombre a ese disco y que fue la encargada de cerrar el primer concierto de esta banda en El Lunario, tiene una duración de ocho minutos y está dividida en tres partes, con lo cual hace pensar que se trata de una pieza conceptual, por lo cual les preguntamos acerca de la historia detrás de esta canción. Kasper: “Tiene que ver con la vida nocturna y con los excesos. Durante el proceso de grabación salíamos mucho en Copenhague y nos íbamos a tomar unos cuantos tragos. Habla también sobre las cosas dramáticas que hay en la vida, la frustración y cómo te sientes cuando todo se derrumba. Tiene que ver también con el proceso que estábamos viviendo en el cual hubo varias rupturas fuertes.”

Al referirse a su nueva placa, Trespassers, comparándola por un lado con la melancolía y la obscuridad llena de esperanza de Zitilites, por el otro con la fuerza y precisión de No Balance Palace, Mads nos dijó: “Este disco tiene de ambos lados pero al mismo tiempo tiene su propia vibra, su propio sello. Procuramos trabajar con un rango muy amplio y hacerlo muy dinámico, de diferentes formas. Sin encasillarlo en un sólo lugar. Es muy variado.”

Continuando con Trespassers comentaron acerca de la portada (la cual es un fondo blanco con el nombre del grupo y tres conjuntos de dos flechas cada uno). Dijeron que las flechas representan cada uno de sus discos (seis) y que por simple que parezca, ellos cuatro pintaron un lienzo con esa imagen y eso fue la portada.

Para terminar la plática, les preguntamos acerca de lo último en música que han escuchado, esto fue lo que nos contestaron:

Henrik Lindstrand (teclados y guitarra): “He estado escuchando el último disco de una banda de Dinamarca llamada Efterklang, muy buenos.”

Kasper Eistrup (voz y guitarra): “Lo último que he oído es Hank Williams, es como country y es genial para cuando cocino.”

Mads Tunebjer (bajo): “Me compré una edición doble de Dopplereffekt, son de Detroit y es música electrónica de la vieja escuela.”

Asger Techau (batería): “Snowden, son una banda de Nueva York que suenan un poquito a Interpol.”

Con eso terminamos nuestra amena charla con Kashmir, off the record nos contaron acerca del nombre de la banda, el cual es una referencia a la canción de Led Zeppelin.

• LifeBoxset.com platicó con Girls
• Fotos: Kashmir @ Lunario
• Ganadores: Boletos gratis para Kashmir
• Ganadores: Boletos gratis para Girls
• Una entrevista con The Raveonettes para LifeBoxset.com

¿Recuerdan aquella banda francesa que sonó en el soundtrack de Lost In Translation, y que vino a una de las primeras ediciones del festival MX Beat y después tocó en El Lunario? Bueno, esa banda se llama Phoenix y tocará el 5 de febrero en la Ciudad de México, para ser más exactos en el José Cuervo Salón. En cuestión de minutos dicho concierto fue sold-out y acá en LifeBoxset.com platicamos con el encargado del bajo: Deck D’Arcy.

LifeBoxset: ¿Cuál es la principal diferencia entre It’s Never Been Like That que era un break-up album y Wolfgang Amadeus Phoenix que suena mucho más feliz?

Deck D’Arcy: Con It’s Never Been Like That queríamos hacer un disco rápido, espontáneo y crudo. Con muy poca producción y tiempo. Con Wolfgang Amadeus Phoenix fue todo lo contrario, queríamos hacer algo hasta cierto punto futurista, para lo cual necesitábamos mucho más tiempo en el estudio y contar con mucha más producción. Creo que esa es la principal diferencia entre ambos.

LB: Pregunta obligada, ¿por qué Wolfgang Amadeus Phoenix?

DD: Es una broma, realmente no hay una explicación para ello. Un día llegamos con esa idea y fue imposible decir que no, sonaba perfecto.

LB: ¿Por qué poner bombas en la portada?

DD: Basicamente lo que queríamos hacer era algo que fuera completamente diferente a Mozart, no queríamos que pareciera un tributo a él. Queríamos evitar cualquier referencia con el estilo de la música clásica. En lo personal me encantó lo bien que se ven las bombas sobre el rosa.

LB: ¿De qué manera ha evolucionado Phoenix desde “Everything Is Everything” a “Lisztomania” o “Girlfriend”?

DD: Es difícil contestar, ha pasado mucho tiempo desde “Everything…”. No somos músicos profesionales, la gente cree que porque grabamos y componemos canciones lo somos, pero la verdad es que no. No tenemos una rutina al momento de componer o de tocar. Lo que hacemos es seguir nuestras emociones, lo cual nos ha llevado a cometer muchos errores y a tener muchos accidentes. Procuramos no controlar todo lo que hacemos, ya que eso lo haría aburrido y sería siempre lo mismo. Nos gusta tirar los dados y ver hacia dónde nos llevan, así es como obtenemos más y mejores ideas.

LB: ¿Cómo se sienten con su última producción?

DD: Muy contentos. Nos gustan mucho las canciones que hicimos, no hubieramos sacado un disco con canciones medianamente buenas, es nuestro cuarto disco, sólo entraron las mejores. Es muy divertido tocar envivo esas canciones, creo que inconscientemente lo escribimos para eso. También nos sentimos muy sorprendidos de la reacción de la gente en los conciertos.

LB: ¿Cómo fue que lograron estar en ese soundtrack? ¿De qué manera “Too Young” y Lost In Translation impulsaron la carrera de Phoenix?

DD: En ese entonces, Sofía y Thomas estaban saliendo y Thomas había escrito una canción con Air para la primera película de Sofía (Vírgenes Suicidas), así que fue de lo más casual. Sofía nos pidió una canción y ya. No sé si nos ayudó o no, porque la verdad vendimos muy pocos discos (jajaja). Estamos muy felices de haber podido participar en ese gran soundtrack ya que fue como un comeback de las bandas indie de los 90′s, estaba Kevin Shields, My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain, etc. Fue increible.

LB: Cuéntanos acerca del Kitsuné Tabloid.

DD: Somo amigos desde hace mucho tiempo de la gente de Kitsuné, es una gran disquera. Nos gusta mucho su manera de trabajar y creo que esta vez no fue la excepción. Siempre es padre hacer cosas diferentes como banda. La selección de tracks que hicimos fue muy importante para nosotros también, ya que fueron las canciones que cambiaron nuestra manera de ver las cosas. Usamos mucha música francesa que nos gusta y nos influenció.

LB: ¿Cómo es su relación con otras bandas de Francia?

DD: Bien, nos llevamos bastante bien con muchas bandas, sobre todo de París. Como somos de finales de los 90′s, nuestros amigos son bandas contemporáneas a nosotros, como Air o Darkel. Ahora es muy diferente porque muchos tienen hijos o están de gira, pero nos seguimos viendo y compartiendo cosas. Aún cuando somos de diferentes estilos de música, tenemos la misma visión acerca del arte, procuramos conservar algo del DIY (Do It Yourself). Más recientemente está Justice, aunque la verdad no hay muchas buenas bandas en París, pero tiene algo muy especial esa ciudad, eres más libre, como que no hay algo muy marcado, un patrón o algo así. Tienes más libertad de hacer lo que quieras. En el principio no era tan padre porque no había Internet ni nada de eso. Esa es la principal diferencia de Francia respecto a otros países.

LB: ¿Qué esperan de su conceirto en México? El cual fue sold-out en cuestión de minutos.

DD: Nos dijeron algo así pero no sabía que había sido tan impresionante. Nos encanta México, tenemos espectativas muy altas. Es el mejor público del mundo y se lo hemos dicho a medios de otros países.

LB: Por último, unas preguntas más personales y específicas. ¿Cuál fue el último disco que escuchaste completo?

DD: The XX. Me lo recomendaron muchísimo y la verdad es que es un gran disco. Muy bueno.

LB: ¿Cuál fue la última película que viste?

DD: Una de Michelangelo Antonioni que se llama Eclipse.

LB: ¿Cuál fue el último concierto al que fuiste?

DD: En diciembre tocamos en un festival con Vampire Weekend, creo que fue ese el último.

Y así terminó nuestra charla matutina con Deck D’Arcy, bajista de Phoenix. Ahora sí, a poner los discos de estos franceses para estar listos el 5 de febrero en el José Cuervo Salón.

• Fotos: Phoenix @ José Cuervo Salón (Segundo concierto)
• Fotos: Phoenix @ José Cuervo Salón
• Ganadores: Más boletos gratis para Phoenix
• Ganadores: Boletos gratis para Phoenix
• Phoenix en México: Boletos agotados

Los Amparito es una banda de Guadalajara creada por Carlos Pesina, quien a sus escasos 22 años ya tiene en su currículum (además de muchos proyectos como Pesina Siller o Pepepe) haber sido alumno en la Red Bull Music Academy el mismo año que Natalia Lafourcade. Con motivo de su primera presentación en la Ciudad de México, apadrinando las fiestas de Red Bull Panamerika, platicamos con ellos a los pies de una estatua de Agustín Lara, en una banca y en el bosque de Chapultepec. Aquí está la entrevista que les hicimos.

LifeBoxset.com: ¿Cómo los recibe la gente en vivo?

Los Amparito: La gente sale agusto, sale contenta, ya que vieron algo nuevo, algo que propone. Hay tantas bandas hoy en día que la gente se llega a saturar de lo mismo, siempre va a ser lo mismo, la misma batería, los mismos visuales, los mismos instrumentos, etc. y aquí ven algo diferente, por eso salen felices.

LB: ¿Cúal es el concepto visual de Los Amparito, en qué consisten sus visuales?

LA: Cuando escuchas la música suena a colores, definitivamente. Entonces nos fuimos a Guadalajara y empezamos a tomar fotos y video de varias cosas que son mexicanas, pero cuidando que no se viera tan obvio. Ya verán después cómo los visuales no son tan obvios pero sí son coloridos y mexicanos. Jugamos con la psicodelia que finalmente eso es Los Amparito, se pone trippeado. El chiste es que no sea tan sencillo de verse aunque también tiene cosas medio indie. Decimos indie porque la estética de la música, aunque está basada en música regional mexicana, al final, el concepto es de belleza. De ahí lo de indie, porque metemos cosas bonitas aunque no sean tan regionales. Nunca llegar a lo kitsch, ese es el propósito.

LB: Si tuvieran que definir el estilo musical de Los Amparito, ¿cuál sería?

LA: Huarache-gaze. Mezclando el shoegaze y la música regional.

LB: ¿Cuál es la principal diferencia entre Los Amparito y los demás proyectos como Pepepe o Pesina Siller?

LA: Pues Los Amparito es lo más definido porque los otros proyectos, por ejemplo Pepepe, es música electrónica pero más hacia el pop, pero no está bien definido, tal vez un día hago un hip-hop o algo technoso. Lo de Pesina Siller es un poco más serio, más IDM y vieja escuela, aunque también está más abierto. He hecho cosas de dub digital o minimal con ese pseudónimo. Y pues Los Amparito es lo más musicalmente definido en un estilo. Es un concepto más cerrado.

LB: ¿Qué tanto aporta la banda en vivo a Los Amparito?

LA: Pues la idea siempre fue hacer una banda. Al principio invité a Edgar Motsa y me ayudó con unos arreglos y teclados de los primeros tracks. Luego seguí yo solo y, pues, ahorita los invité a las presentaciones en vivo y ahí va saliendo. Por ejemplo, para hacerlo en vivo tuvimos que sacar algunas líneas de bajo y arreglos. Ya estamos empezando a hacerlo como banda, antes era más producción.

LB: ¿Qué sigue para Los Amparito?

LA: Hay planes de grabar un disco el próximo año pero sin usar samplers, sino grabar a músicos de verdad y de ahí basarnos, que la fuente sea original.

LB: ¿Cuál es la principal diferencia entre Los Amparito y las demás bandas que usan ritmos de cumbia como el IMS, Toy Selectah!, El Hijo De La Cumbia, etc.?

LA: La línea de Los Amparito está bien definida, lo principal que no quiero es llegar a lo kitsch, ya que eso pasa porque te gusta esa música pero desde una perspectiva irónica dices: “Ah, está tan curada que me gusta”. A mí en realidad sí me gusta esa música, la que uso, entonces el propósito es hacer música como la que sí me gusta, pero agarrarla para hacer algo nuevo.

Habiendo hecho la declaración anterior, nos dispusimos a tomar unas cuantas fotografías. En la plática nos recomendaron a varias bandas muy buenas como Radaid, Ambiente, Marlento, Copy Violators, Bandido y el netlabel Geek Core.

• LifeBoxset.com platicó con Stereo Total
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LifeBoxset.com: ¿Qué significa para Buraka Som Sistema tocar en la Ciudad de México?

Conductor: Es algo bien importante para nosotros, significa mucho por que quiere decir que estamos haciendo bien las cosas. Es una recompensa al trabajo.

LB: ¿Cuál ha sido el concierto más importante en la historia de Buraka Som Sistema?

C: Hace poco tiempo hicimos un show en Portugal; era un festival pero nosotros eramos los headliners. Tocamos en la noche, cerrando el festival. Había aproximadamente 35 mil personas.

LB: Cuéntanos cómo fue la experiencia de firmar con Sony/BMG.

C: Basicamente lo que pasó fue que Sony se interesó en nosotros y después de muchas pláticas y esas cosas, hicimos un deal de distribución. La verdad es que Sony ha hecho muy bien su trabajo en Portugal, gracias a ese deal hemos podido expandir nuestro territorio y tener más fans y gente interesada en el grupo.

LB: ¿Cuál es el papel que desempeñan Portugal y Angola en su música?

C: Es bien interesante cómo hemos logrado juntar ambas culturas. Además, en Portugal (por su puerto) hay gente de muchos países. Nosotros tenemos la ventaja de vivir en Lisboa, que es una ciudad cosmopolita e importante en donde hay mucho de dónde escoger al momento de tomar influencias.

LB: Hablando de eso, ¿de qué manera reflejan el contexto sociopolítico de ambos países?

C: La gente que trabaja con nosotros piensa de la misma manera que el resto de la banda, entonces hace que todo sea más sencillo. No necesitamos estar diciendo todo el tiempo lo que opinamos sobre esos temas, ya que en sí, el hecho de que todo pensemos de una manera en específico, es ya un political statement.

LB: ¿El éxito que han tenido es como ustedes se lo imaginaban?

C: Nosotros no nos imaginábamos nada, ya que nunca lo hicimos con ese fin. Todo empezó con unas fiestas que nosotros organizábamos en un bar, poníamos música que nos gustaba con nuestros amigos. Después el bar cerró y decidimos seguir haciéndolo pero ahora hacer nosotros la música, así salió Buraka Som Sistema. El éxito que tenemos es una grata sorpresa para nosotros y estamos muy felices por él.

LB: Con tantos ritmos que fusionan, ¿creen que el género de Buraka Som Sistema es único?

C: Claro, es único. Nadie está haciendo lo que hacemos. De pronto se escuchan cosas parecidas, lo cual nos da gusto ya que quiere decir que a la gente le gusta lo que hacemos, tanto como para hacerlo ellos por su cuenta, pero sí, es único.

LB: ¿Cómo ven la música electrónica dentro de 20 años?

C: Sin duda muy difernete a la actual, ya que hoy en día no hay nada nuevo. Lo que tiene que pasar es que tiene que haber una reinvención total, volver a cero y empezar desde ahí. Hoy en día no hay nadie como Madonna o Michael Jackson en su época. Todo es una copia de la copia de la copia, razón por la cual es necesario reinventar. Reinventar o morir.

LB: Aparte del Kuduro, ¿qué otros ritmos africanos usan?

C: Pues en este disco usamos muy pocos, en las nuevas canciones nos gustaría usar más aunque todavía no sabemos cuales (risas).

Con risas terminó nuestra muy amena plática con Conductor, vocalista de Buraka Som Sistema, quien minutos después nos comentó su gusto por la serie True Blood, recomendándonosla mucho.

Aquí pueden ver todas las fotos de Buraka Som Sistema en Woda, concierto organizado por Sicario.tv el pasado jueves 5 de noviembre.

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Por David Oropeza

Con expectativa esperé los actos que Andrea Balency Trío y los Camiches tenían preparados para esa noche en el Bataclán. Me pareció extraño que ese lugar diera cabida a estos grupos, pero como ya se ha visto, la ocupación de espacios alternos como foros puede ser una buena opción. Este sitio es reducido de espacio pero cuenta con lo indispensable para poder disfrutar de un concierto íntimo. Después de varios minutos de espera y realizados los últimos ajustes de sonido, comenzó la presentación del trío abridor de Au Revoir Simone en el Lunario. Al igual que esa noche la gente no dejó de prestar atención a la música tocada por Andrea, Miguel y Jerson, quienes recibieron gritos y aplausos -incluidos los míos- del pequeño grupo de espectadores reunidos en el salón. Concluida su actuación dieron paso a Ram y Jorge (Camiches), quienes recibieron una muy buena respuesta por parte de la asistencia debido a su poderoso acto. Pero esa es otra historia y deberá ser contada después.

Al finalizar el performance de estas dos bandas tuve la oportunidad de entrevistar a Andrea Balency, quien aclaró varias de mis dudas. Nació en París y desde los cinco años empezó a tocar el piano, residió en Argentina y fue ahí donde conoció al músico y compositor Lisandro Aristimuño quien influyó en su sonido y al que considera un gran amigo. Al preguntarle por qué se decidió por la música me contestó que fue una “evolución lineal”, que realmente no tuvo la oportunidad de racionalizar muy bien dicha decisión y que al voltear atrás se encontraba inmersa en el mundo de los pentagramas. Agradeció el invaluable apoyo de su madre, quien la incitó a seguir componiendo en momentos en los que Andrea se encontraba insegura, y con una expresión vehemente refrendó un agradecimiento más a la música clásica, a la que describe como colmada de emociones y como gran fuente de inspiración.

Le mencioné que al averiguar de ella en la red encontré un video con una coreografía musicalizada con su nombre y pregunté si se trataba de su trabajo, al afirmarlo mencionó un proyecto inspirado en imágenes y música. La evocación que estas imágenes le inspiran se convierte en una bella y delicada improvisación que da forma a un espectáculo conjunto.

Durante su presentación hizo una pausa para aclarar que algunos temas interpretados estaban inspirados en José y sus hermanos, una tetralogía bíblica de Thomas Mann. Recordando esa alusión decidí interrogarle acerca de la entrañable relación musical/literaria, la cual le resulta siempre fructífera, complementaria y necesaria en el proceso creativo. También mencionó la obra de Proust y la filosofía del siglo XX como otro germen de ideas.

Andrea encuentra en el arte honesto una verdad, un escape y un mensaje para cambiar las cosas que halla negativas en la sociedad. Exhorta a seguir las pasiones y a trabajar duro para conseguir resultados; habla del amor y la otredad, imperantes para entendernos a nosotros mismos y a los demás.

Su música es reflejo de lo que dice, directa y alejada de muchos artificios. Verla arriba de un escenario siempre resulta una bella experiencia digna de compartir. Así les adelanto que en enero saldrá a la venta su EP formado por cinco tracks, titulado Mizraím, del cual estoy seguro, se desprenderán más palabras.

• Xbox 2.0
• La música sin título
• Canción de cuna
• Triángulo de Amor Bizarro por Güili Damage
• Estética del ruido

El lunes 19 de octubre se presentó el grupo japonés Mono en la Ciudad de México, dando uno de los mejores conciertos del año. Horas antes de su presentación en el Polyfórum Cultural Siqueiros y recién salidos del soundcheck, LifeBoxset.com platicó con Takaakira Goto (mejor conocido como Taka), guitarrista principal y compositor de Mono. Entre otras cosas, nos mencionó su gusto por Alejandro González Iñárritu y la música clásica.

LifeBoxset.com: ¿Qué quieren expresar con su música?

Taka: Va a ser complicado de responder. A mí me fascinan los soundtracks y scores de las películas. Queremos expresar a través de nuestra música lo mismo que en las películas y al mismo nivel, porque a veces, por ejemplo, después de ver una gran película o leer un gran libro, la vida te cambia, ¿sabes? Yo no quería hacer algo como Cat Power.

LB: ¿En qué manera la historia de Japón los ha influenciado, cosas como Hiroshima, la filosofía Zen, etcétera?

T: De hecho algunas personas lo han mencionado. Mono tiene una gran atmósfera japonesa, sin embargo, ésta es muy inconsciente ya que nosotros no lo planeamos ni lo controlamos. La verdad es que yo escucho mucha música clásica como Beethoven, Ennio Morricone, Brahms, etcétera, y también escucho mucho Led Zeppelin, old school rock y quería combinarlo en uno solo.

LB: Su último disco (Hymn To The Immortal Wind) suena como un tributo a las víctimas de Hiroshima, ¿lo pensaron así mientras escribían el disco?

T: Tratamos de explicar la triste historia de Hiroshima de la bomba atómica. Este es nuestro disco más triste ya que siempre tratamos de expresar la paz, la amistad y ahora quería expresar una historia. Por ejemplo, las personas pueden no ver pero, sin duda, sienten algo. Conocí a una fan, ella me dijo que había perdido a su mejor amigo, quien era gran fan de nosotros. Estuvimos platicando de él y yo pensaba: “el cuerpo es cuerpo, pero el alma siempre está ahí.” Siempre estoy pensando en eso, todo el tiempo.

LB: ¿Cuál es la diferencia entre tocar en Japón y tocar en Estados Unidos?

T: Es muy parecido. Cuando iniciamos el tour en Estados Unidos en 2002 o 2003, todo mundo estaba hablando, tomando y haciendo ruido. Pero ahora ya nos conocen, ya saben a qué van. Ahora todos son muy respetuosos y guardan silencio.

LB: ¿Conocen algo de la música hecha en México? ¿Alguna banda?

T: Una pregunta muy difícil. Tengo una película favorita: 21 Gramos, dirigida aquí por un mexicano, González algo ¿cierto? ¡Me encantó su película! La única impresión de México que tenía era por esa película. [Durante la entrevista, le expliqué a Taka que 21 Gramos fue filmada en Estados Unidos, no en México, pero que el director sí era mexicano.]

LB: Si filmaran un concierto como Pink Floyd Live at Pompeii, ¿en dónde les gustaría filmarlo?

T: Justamente acabamos de hacer un concierto del décimo aniversario de Mono en Nueva York con una gran orquesta. Lo filmamos y lo sacarémos el próximo año, en primavera.

LB: ¿Cómo ha evolucionado la escena musical japonesa?

T: Nosotros solíamos ser más “rock”, más enojados. Debido a que nadie nos conocía teníamos que dar un extra y dejar cierta impresión, impactar. Es por eso que rompíamos las guitarras, la batería, etcétera. Conforme la gente fue viniendo más a los conciertos en Estados Unidos y Europa, dejamos por completo de hacer eso, calmamos nuestros espíritus enojados. Ahora queremos expresar más nuestros espíritus calmados.

LB: ¿Cuál fue el último disco que escuchaste?

T: Rachmaninoff, la Sinfonía 2 o 3, no lo recuerdo.

LB: ¿Cuál fue la última película que viste?

T: [Entre risas] Gran Torino.

LB: ¿Qué libro estás leyendo?

T: Un libro japonés.

LB: ¿Cuál fue el último concierto al que fuiste?

T: Hace dos días terminamos el tour en Austin, Texas. Fue un gran concierto. Es el primero que me viene a la mente.

T: ¿Por qué son tan amables con nosotros?

LB: Porque nos da mucho gusto tenerlos por acá. Muchos somos fans de Mono y estamos muy felices de poder verlos en vivo.

T: ¡Muchas gracias!

Terminamos nuestra plática con una reverencia al estilo japonés. Taka es de las personas más sencillas y modestas que he podido conocer y eso se ve reflejado en la música de Mono.

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Hoy, martes 13 de octubre, tendremos la oportunidad de entrevistar completamente en vivo a Adanowsk y Teri Gender Bender a través de un webcast en vivo desde las oficinas de Noiselab. Aquí mismo colocaremos el player el cual transmitirá la entrevista la cual comenzará en punto de las 16:00 hrs.

Pero eso no es todo. Nuestros amigos de The City Loves You harán lo mismo con Illy Bleeding Y Los Robotes Trucosos a las 17:00 hrs completamente en vivo. Aquí les dejamos un poco de información.

The Horrors e invitados

El concierto de The Horrors del próximo lunes 19 de octubre, tendrá invitados especiales que se encargarán de ponerle calor a la noche.

Además del grupo ganador de “Tu Banda con The Horrors”, The Dream Rockers e Illy Bleeding & Los Robotes Trucosos, serán las bandas invitadas al show de The Horrors.

Para comprender la importancia de Illy Bleeding & Los Robotes Trucosos, debemos hurgar en los orígenes del New Wave, ya que su líder, considerado como el primer punk mexicano, es además fundador del grupo de culto Size. Actualmente, el artista se hace acompañar de nuevos músicos que inyectan energía a su acto en vivo, en el que podemos esperar nuevas canciones y algún clásico.

El evento también contará con dos de los nuevos abanderados del rock and roll, reunidos en el proyecto The Dream Rockers. La banda está integrada por Teri Gender Bender, cantante de Le Butcherettes, junto con el músico y artista Adanowsky, el menor de la dinastía Jodorowsky. The Dream Rockers se distinguen por su gran presencia escénica y por su crudo sonido, y además contarán con invitados sorpresa sobre el escenario.

Definitivamente se trata de una noche redonda, ya que además del gran show que seguramente brindará The Horrors, la presencia de invitados de esta calidad es una razón más para no perderse esta noche de rock glamouroso y espacial.

• Hoy: 5 discos por $100 en Noiselab
• Una entrevista con The Raveonettes para LifeBoxset.com
• Phoenix platicó con LifeBoxset.com
• Fotos: Adanowsky: La Muerte del Ídolo @ Lunario
• Ganadores: Boletos gratis para Adanowsky: La muerte del ídolo

La última visita del dúo noruego Datarock a nuestro país no sólo arrojó una buena presentación en el Pasagüero, sino también una charla con LifeBoxset.com, la cual tuvo lugar un par de días antes de su concierto en la Ciudad de México. Aquí les dejamos la transcripcción:

LifeBoxset.com: La vez pasada que vinieron a México se presentaron en un venue a su máxima capacidad, había como 1,000 personas en un lugar para 600 personas, ¿tienen miedo de que esto pueda pasar de nuevo?

Datarock: No, nada de miedo, al contrario, esperamos que pase de nuevo. Claro, esperamos que sea un lugar en el que si pasa cualquier cosa todos podamos salir. Creo que sería una buena idea que todos los venues tuvieran algo que asegurara que todos estuviéramos bien. Hemos hecho 600 shows y todo ha salido bien. El show que dimos en Pasagüero la vez pasada fue muy divertido, esperamos que eso pase de nuevo.

LB: ¿Pueden decirnos cuál ha sido el mejor concierto para Datarock?

Dr: Nuestro mejor show hasta ahora ha sido el que dimos en Australia, en un festival. Tocamos en plena noche, fue nuestro primer show en el que todo mundo se sabía las letras. Tenía algo muy especial ese show, estaban las estrellas, nosotros en medio del bosque, la gente junta compartiendo y cantando, había una energía increíble. Claro que fue especialmente raro, pero también especial.

LB: ¿Cuánta gente había?

Dr: Alrededor de 13 mil personas.

LB: Era mucha gente…

Dr: Sí, hemos tocado para más, para 24 mil personas y así, pero casi siempre es un festival al aire libre, y esta vez las 13 mil personas estaban como en un atrio, no sé bien qué era, más bien un anfiteatro en el bosque. Fue tan especial que nunca lo olvdaré.

LB:¿Cúando fue esto?

Dr: En el 2007.

LB: Hablando de otra cosa, ¿cómo se dio la relación de Datarock con los videojuegos, cómo fue este acercamiento?

Dr: Fue una total coincidencia, alguien que trabajaba en Electronic Arts nos conocía y así fue, tuvimos una larga charla y nos volvimos amigos, después de eso nuestras canciones se han usado como en 20 videojuegos como FIFA 2008 y 2009, FIFA Street, Need For Speed, etc.

LB: Tienen una muy linda canción llamada “Computer Camp Love”, el exitoso sencillo de su primer album, suena totalmente a los 70′s, ¿podrían decirnos qué instrumentos usaron en esta canción?

Dr: Pues la verdad es algo muy simple, un bajo Fender, un Korg, y algunos más. Es una producción muy sencilla. Lo que cambia en el set en vivo es que usmos batería real. No teníamos dinero para seguir trabajando la canción, así que decidimos dejarla así.

LB: Uds comenzaron como dúo, y siuen como dúo produciendo música, pero en vivo usan a diferentes personas, ¿alguna vez han considerado convertirse en una banda completa?

Dr: No, nunca.

LB:¿Cómo se imaginan la música de Datarock siendo una banda de cuatro ó cinco personas?

Dr: Sería de cuatro personas, no cinco. Nunca hemos sido menos de tres personas en vivo, somos varios sobre el escenario. Fuimos tres personas las que producimos la música. Nuestro baterista que vendrá ahora con nosotros a México es uno de los productores del disco, en Londres. Una cosa es el componer las canciones y el trabajo en el estudio y otra es la parte más importante de ser una banda, el tocar en vivo, y nosotros siempre hemos sido cuatro personas sobre el escenario. Cuando muchas personas escriben canciones, siempre van a querer meterle o quitarle cosas, es muy complicado. Realmente nunca hemos sido un dúo, sólo para componer, pero hemos sido una banda por nueve años. Nuestro baterista a tocado la batería con todo mundo, desde Robbie Williams hasta Stevie Wonder y nuestro saxofonista fue nombrado el mejor músico de jazz del año.

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Texto y Fotos: Daniel Patlán

Hace unas horas tuvimos el gusto de platicar con Murcof, quien se presentará esta noche en el Lunario del Auditorio Nacional. Además de mostrarse todo el tiempo amable y sencillo, nos metimos a su habitación de hotel para descubrir, entre otras cosas, su fanatismo hacia el cine de Hayao Miyazaki, su acercamiento hacia la música clásica y sus aprendizajes del tiempo que estuvo en Nortec. También nos comentó acerca de su participación haciendo la música del film del director mexicano Iván Ávila, La Sangre Iluminada; hablamos también de la experiencia de tocar en el Palacio de Versalles y de muchas otras cosas más.

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• A Place To Bury Strangers platicó con LifeBoxset.com

Mew visitó la Ciudad de México el pasado 10 de septiembre para ofrecer un memorable concierto ante un poco más de 2,500 personas en el José Cuervo Salón. Ese mismo día por la tarde, LifeBoxset.com tuvo la oportunidad de platicar con Silas, baterista de la banda danesa, en la terraza del hotel en donde se hospedaron. Aquí les dejamos la entrevista completa con Silas Graae de Mew.

LifeBoxset.com: ¿Puedes contarnos algo acerca del inicio de Mew, por ejemplo, cómo decidieron crear la banda, qué música escuchaban en aquellos días, qué los inspiraba, qué pasaba en esos días, en el sentido creativo?

Silas Graae: Creo que teníamos algo dentro de nosotros que realmente quería crear cosas y hacer música. Los demás de la banda hacían cosas en películas y un poco de música también, yo me uní un poco después. Estábamos decididos a hacer música, eso es lo que nos impulsa desde aquel entonces, el hecho de sacar nueva música es maravilloso y vale mucho la pena intentarlo. Llevamos ya un tiempo haciéndolo, eso nos hace sentir muy bien. Escuchamos todo tipo de música, es muy complicado señalar sólo a una banda como nuestra mayor influencia, es demasiado lo que recolectamos al escuchar toda la música que nos gusta, claro que a todos nos gustan bandas en común como los Pixies, Genesis, Prince, etc.

LB: Aparte de la música, ¿cuál es la relación que tienen con otras artes? Por ejemplo, la relación que tiene Mew con el cine.

SG: Las películas significan mucho para nosotros, nos aportan muchas cosas. Puede ser desde la música hasta que sirvan como fuente de inspiración. Para mí, las pinturas son una fuente de inspiración, ese tipo de arte me gusta.

LB: Ustedes estuvieron en tour con Nine Inch Nails, nos gustaría que nos contaras algunas experiencias. Sabemos que NIN es una banda muy visual al igual que Mew, ¿qué puedes decirnos de esta convivencia, y cómo funcionaba en el escenario?

SG: No estábamos en el mismo escenario al mismo tiempo claro, aunque esta vez fue mucho mayor el contacto, era el Farewelll Tour, el tour de despedida, había mucha energía. Tenían más producción, sobre todo luces. Creo que somos diferentes a Nine Inch Nails, musicalmente hablando. Fue una buena experiencia.

LB: ¿Qué pensaron cuando fueron invitaros por NIN, cómo se dio esta invitación?

SG: Trent nos invitó, fue algo muy padre, nos dio mucho gusto por que significa que le gustas a alguien que te gusta, por que si te están invitando pues… Nos hizo sentir especiales.

LB: ¿Cómo es su proceso de composición?

SG: El proceso de composición es una cosa muy grande, se lleva mucho tiempo, es un constante ir y venir de ideas, hay muchas maquetas y demos, para ver qué esta bien qué no, regresamos el día después para escuchar lo que grabamos y discutirlo, etc. La mayor inspiración siempre somos nosotros tres, trabajando juntos, contribuyendo con ideas que mejoren la música. Somos muy diferentes, por eso cuando juntamos y mezclamos todo, la música sale como sale. En la manera de escribir, no puedo decirte cómo lo hacemos, es algo que simplemente se da.

LB: ¿Es por eso que sus canciones son al mismo tiempo complejas pero sencillas?

SG: Sí, es una buena observación, es una mezcla de cosas que podrían ser complicadas y difícles de juntar, pero al final resulta ser bastante facil. No debería de ser tan raro, las diferentes texturas de la música son complejas, pero están ahí juntas.

LB: Eso se puede notar en canciones como “Am I Wry?” ya que cuando escuchas a las batería está por un lado y la guitarra aparece por el otro, son prácticamente dos canciones diferentes, pero cuando las juntas, es una sola creación.

SG: Sí, nos gusta pannear los tracks, usar diferentes bocinas para crear sonidos, y cosas por el estilo…

LB: Como en su nueva canción “Hawaii”, tiene ese mismo patrón de batería y de repente todo sale a flote.

SG: Sí, así es.

LB: ¿Qué puedes decirnos del arte de este nuevo disco?

SG: Lo hace MM Paris, es un despacho francés que también hizo el disco anterior, Kites, nosotros le mandamos la música para que ellos pensaran en el concepto, y salío algo parecido a un Gremlin, en la superficie parece lindo, pero tiene también un peluche desagradable que es medio sombrío y malévolo. Creo que es una buena representación de lo que hacemos y quedó perfecto para la portada con la mariposa y lo demás.

LB: ¿Qué pensaban acerca de México antes de que fueran invitados a tocar aquí?

SG: No había venido antes, es la primera vez que vengo, no sé mucho sobre México, pero sí me gustaría regresar.

LB: ¿Cómo es el público en lugares como Dinamarca o Reino Unido? ¿Alguna vez han oído algo sobre el público en México? Creo que se llevarán una sorpresa.

SG: ¿En qué sentido?

LB: Nos ponemos locos, como si fuera el último concierto al que iremos en nuestra vida.

SG: ¡No hay nada malo en eso!

LB: No, al contrario. Por eso preguntaba hace rato acerca de cómo era el público en Dinamarca.

SG: Es raro, en algunas grandes ciudades, la gente se comporta como si nada pasara, pero realmente lo que quieren es sacar eso que está dentro de ellos, pero tienen una barrera que se los prohibe. Mientras en otros lugares lo que están esperando es que lleguen los conciertos y las bandas a ellos.

LB: Ahora una preguntas un poco más personales, ¿qué estás leyendo actualmente?

SG: Estoy leyendo un libro sobre un autor alemán.

LB: ¿La última película que viste?

SG: En Nueva York fui a ver District 9, vi también la última de Lars Von Trier,  Antichrist. Por desgracia no he visto muchas películas últimamente.

LB: ¿Recuerdas alguna historia chistosa o rara que pasará durante la grabación del disco?

SG: Pasan todo el tiempo, creo que no soy el indicado para decir si algo es chistoso, me gustaría tener un montón de chistes en el bolsillo jaja pero no los tengo. Voy a pensar en ello para la próxima vez que vengamos.

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El martes pasado, el grupo Mastodon, de Atlanta, Georgia, se presentó en la Ciudad de México para dar una cátedra de metal progresivo en vivo. Antes de que se subieran al escenario y justo después de que hicieran soundcheck, pudimos hacerle un par de preguntas a Brann Dailor, baterista, vocalista y letrista de Mastodon, los dejamos con el texto de una pequeña parte de dicha entrevista y unas cuantas fotografías.

LifeBoxset.com: ¿Cómo lograron sacar un disco tan personal, debido a lo que pasó con Brent y mezclarlo con teorías de Stephen Hawkings, hoyos negros y ponerle historias de Rusia en la época de los zares?

Brann Dailor: Rusia siempre ha sido, estéticamente, un punto importante para el arte de Mastodon, desde Remission, es algo de lo que platicamos con mucho detalle con nuestro diseñador Paul Romano. Siempre habíamos querido poner eso ahí, incluso desde antes del disco Leviathan, había la intención de hacer un disco que de alguna manera fuera sobre Rusia, como “Crimen y Castigo” y esas cosas, pero fue hasta este album que pudimos realmente hacerlo.

Lo que pasó con Brent tuvo cierto impacto en el disco, líricamente hablando, pero para mí, la mayor parte de las letras que escribí tienen que ver con tragedias personales que viví en la infancia, con asuntos como el suicidio de mi hermana, me dí cuenta de que Brent venía de un lugar más profundo, sobre todo en su manera de tocar la guitarra, incluso sus riffs tenían una carga mucho más emocional. Nos dimos cuenta de que era el disco perfecto para ponerle el nombre de Skye. Líricamente hablando, tiene mucho que ver con las leyes y esas cosas, entonces parecía encajar perfectamente con todo el asunto de las historias, eso es para mí, pero si le preguntas a alguien más, cada persona en la banda tiene una historia diferente acerca de qué significa este disco para esa persona en particular y esperamos que sea el mismo caso con los fans.

Tratamos de hacer que ellos canten cada línea de las canciones como si fuera una situación en la que ellos se encuentran. Yo hago eso, tú haces eso, todos lo hacemos con la música, sientes que la canción fue escrita para tí por el grupo, es TU canción, dices “esas letras significan tal cosa para mí, en la situación personal en que me encuentro”. Significan lo que tienen que significar para cada persona que las escuche. Siento que pusimos muchísimo de nosotros mismos, emocionalmente hablando, a la música, así que puede pasarle lo mismo a alguien más, por que estamos todos conectados.

LB: ¿Qué puedes decirnos acerca del concepto de los 4 elementos que envuelve a Mastodon?

BD: Siempre ha estado ahí desde el principio, es un tema de interés para nosotros y por eso lo hacemos. Decidimos no hablar tan literalmente de las cosas cotidianas, pero sí hablar de aquellas que son superiores a nosotros,  de las cosas que están totalmente fuera de nuestro control, claro, todo está fuera de nuestro control, pero me refiero a las cosas superiores que podemos ver: la Tierra, las montañas, criaturas mitológicas, etc. Lo hace más divertido en un aspecto y en otro aspecto es una forma de explorar de mejor forma lo que es la Vida, y las grandes preguntas acerca de ella. Tratamos de combinar ambos y ponerlos en nuestra música. Yo creo que cantar acerca de cosas que pudieran ser más superficiales, y no quiero decir que la política sea superficial, ya que cuando hablas de política hay situaciones muy profundas que afectan al ser humano. La política y la religión son temas difíciles. Pero hemos tomado la decisión de dejar esas cosas atrás y tratar de hablar de temas como la naturaleza, el océano, la incontrolable obsesión humana y cosas por el estilo.

Después de que terminamos la entrevista, y mientras Brann firmaba algunas cosas, platicamos acerca de la música que estaba escuchando y nos comentó que el último disco que había escuchado y que lo tenía totalmente atrapado era el último de Mars Volta, llamado Ochtaedron. Nos platicó también que le tomó cerca de cinco escuchadas al disco completo, poder meterse de lleno al mismo, ya que está lleno de sonidos y es más obscuro que los anteriores. También platicamos acerca de su fascinación por Alejandro Jodorowsky, sobre todo de su cine, todo esto surgió por un comentario que hice acerca de una playera suya de Santa Sangre (película de Jodorowsky). Brann comentó que en un pequeño cine en Atlanta, donde viven, proyectaron El Topo y ahí fue donde compró su playera, de la cual por cierto, compró dos extras para sus amigos Omar Rodriguez Lopez y Cedric Bixler Zavala, integrantes de Mars Volta.

• Múm platicó con LifeBoxset.com
• Phoenix platicó con LifeBoxset.com
• Fotos: Mastodon @ José Cuervo Salón
• Ganadores: Boletos gratis para Mastodon
• Mastodon en México

Fotos: Daniel Patlán

El pasado jueves, los creadores del grupo Megapuss (Devendra Banhart y Greg “aka: Gregorio, según palabras de él mismo” Rogove) vinieron a la Ciudad de México a presentarse un DJ Set durante una fiesta organizada por Hornitos, previo a esta fiesta, tuvimos la oportunidad de tener una muy agradable charla con el dueto, mientras cenaban en su hotel. La pareja aportó mucho a la entrevista, haciendola en español (a petición de ellos mismos) y portandose bastante accesibles.

LifeBoxset.com: Es la segunda vez que vienen como Megapuss al D.F., la primera fue para tocar en el marco del festival FICCO, ¿a qué se debe su visita esta vez?

Greg: Venimos para tocar en la fiesta Mischieve Catwalk de Hornitos y también vamos mañana a Guadalajara para tocar también en una fiesta.

LB: ¿Cuál es la relación entre la canción “Cristobal” del disco Smokey Rolls Down Thunder Canyon y el personaje principal de la película “Déficit” de Gael García Bernal? (nota: el personaje principal también se llama Cristobal, y la canción de Devendra fue usada para los créditos finales de dicha película)

Devendra: No solamente es mi canción, Greg toca en ella también. Yo estaba escribiendo una canción que tenía que ver con Venezuela, mi primo se llama Cristobal, estaba escribiendo una canción sobre colonización y sobre esa actitud que era más prevalente en los últimos años de los 60′s y en los 70′s, todavía sigue, pero de una manera más callada, domesticada y más inconsciente. Tiene que ver con la perspectiva que no es del colonizador o los colonizados, sino sobre la Tierra que está siendo colonizada. Yo también tengo esa actitud, tratando de escribir en la perspectiva de la Tierra, no de la gente, y es imposible, no lo puedo hacer, pero por lo menos puedo tratar, prefiero hacer eso a tratar de hacerlo desde la perspectiva de una persona, porque una piensa que tiene la razón y la otra cree lo mismo. Entonces, estaba haciendo esa canción y Gael me dijo que estaba haciendo una película, que tenía que ver con una persona aceptando la realidad de su vida y metiéndose en problemas. Y cuando leí el guión, era como la perspectiva íntima y personal y lo que yo estaba escribiendo en la canción era más bien general y menos personal, entonces traté de meterle esa perspectiva a la canción, era algo más general, acerca de la perspectiva de los colonizados y colonizadores y la perspectiva de la Tierra que está siendo colonizada. Le llamé “Cristobal” porque es el nombre del personaje de Gael, pero también es el nombre mi primo y para mí simboliza Latinoamerica, porque tiene estos sueños tan grandes, que sigue soñando, la actitud de toda la gente que no es super-jóven, pero tampoco muy viejos, es cómo “sí, seguimos soñando, el sueño todavía no ha pasado”.

LB: ¿Cómo empieza Megapuss, cómo se les ocurre?

G: Fue cuando estábamos de gira con el disco Smokey Rolls Down Thunder Canyon y recibimos unos extraños mensajes de texto de una amiga que es de Suecia, ella nos mandaba mensajes que decían: “puss puss puss, mega puss”, pero ella es una chica linda y amable, entonces nos preguntábamos: “¿por qué está siendo tan provocativa, por qué nos está mandando esto tan asqueroso y desagradable?” pero realmente lo que nos estaba diciendo era: “beso beso beso, gran beso” en sueco. Entonces, básicamente ella descubrió Megapuss por nosotros, y escribimos primero los títulos de las canciones y así fue.

LB: Hablando de canciones, ¿cómo elijen qué canciones son para sus proyectos solos y cuáles para Megapuss?

D: Las canciones bellas y tristes las usa Greg para su grupo Priestbird que en español es “cura ave”. Las canciones más como divertidas, las uso para las cosas mias del grupo, y la peor idea va para Megapuss, pero también son las más divertidas.
G: También hay una cosa que es muy especial y eso es que simultaneamente tienes algo que es muy divertido, pero al mismo tiempo hay drama, quizá no te das cuenta en la primera oída, pero está ahí, por debajo de la superficie. Es el perfecto drama, algo lleno de significado.
D: No es que todo sea un chiste, pero como nació espontaneamente, y la meta era mantener esa semilla de espontaneidad, mantener un pie en el mundo de donde viene esa canción que no se cómo se llama, no se de dónde viene. En vez de tratar de ponerle la ropa, o cómo viene un niño desnudo y despues le ponemos la ropa, así queremos las canciones aquí, las dejamos desnudas. Vino espontaneamente, no es que sea un chiste, no es un chiste todo, tiene que ver con tratar de mantener ese momento de “¿qué va a pasar?” nosotros no sabemos. Todas las canciones fueron escritas en 5 minutos, en nuestra gira, cada 5 minutos antes de tocar nos dice nuestro manager: “quendan 5 minutos” y en ese tiempo teníamos que escribir una canción, esa era la regla. Grabando, fue mucho tiempo, muchos instrumentos. No íbamos a grabarlo en 5 minutos. Pero sí las escribimos así, ese relámpago de insipiración, esa ventana, dura 5 minutos y hay que apurarse. Es un honor que tengo un compañero con quien puedo escribir así.

LB: “Adam & Steve” suena como Santana en los 60`s, pero “Theme From Hollywood” suena como The Beach Boys…

D: Bueno, una cosa, Megapuss no es solamente Greg y yo, está Farbizio Moretti, baterista de los Strokes, y para él también es como un escaparate. Hay melodías y canciones que ha escrito, que no son para The Strokes ni para Little Joy, es cómo para él un momento de divertirse, dejarse llevar por el momento e improvisar, y esa canción (“Theme From Hollywood”) es la primera canción que Fab canta completa.
G: Es una cosa muy especial. Para él y para nosotros.

LB: Ahora unas preguntas un poco más personales. ¿Cuál fue el último disco que compraron o que escucharon completo?

D: Para apoyarla, por qué es una de mis mejores amigas en el mundo, compré el disco de Bat For Lashes, el Two Suns, también compré el álbum de Grand Masterflash and the Furious Five- The Message y el de Hecuba- Paradise.
G: Yo compré Fleet Foxes, el álbum de Paul McCartney- McCartney 2. Él compró Oasis
D: La verdad es que acabamos de hacer un remix de Oasis.

LB: ¿Cuál fue la última película que vieron?
G: “Sin Nombre”, es una película increíble.

LB: ¿Cuál fue el último libro que leyeron?
G: Estoy leyendo un libro de chile, que se llama “2666″ de Roberto Bolaño, sobre las muertas de Ciudad Juárez, es ficción, pero tiene detalles de los asesinatos. Un libro muy bello, con una historia increíble.
D: Yo estoy leyendo un libro que se llama “Who Built The Moon?” (“¿Quién construyó la Luna?”), no se por quién es, pero es un manifiesto acerca de cómo la Luna debió de haber sido construida por alguien, en lugar de ser una estructura orgánica. Tengo muchos libros en la casa, en cada cuarto tengo libros. Estoy leyendo “What is the what?” de Dave Eggers, casi siempre estoy leyendo mi libro favorito en el mundo, “Mulata” de Migual Angel Asturias, un poquito de Alan Moore, novelas gráficas. y “2012″ una antología de difernetes autores sobre lo que significa física y espirutalmente.

LB: ¿Cuál fue el último concierto al que fueron como fans?
G: Fleet Foxes, Little Joy y Warpaint.
D: Para mí fue Little Joy Y Warpaint, un grupo que se llama Amazing Babies de Brooklyn y también fui al record release de Hecuba.

LB: ¿Qué sigue para Megapuss?

D: Otro disco, pero tienes que preguntarle a nuestra manager…
Manager: Va salir a finales de año, lo van a hacer en México, lo vamos a hacer en la playa en 2 meses. Estamos pensando en ir a Oaxaca.
G: Puerto Escondido.

LB: Algo más que quieran agregar o decir…

D y G: “Sin Nombre”
D: Me gustaría decir que no se olviden que en México hay una historia de música tan fuerte, tan increíble, y de repente los grupos como Trío Matamoros, Los 3 Ases, Los Panchos, grupos así, que son tríos, tocan las canciones más bellas del mundo que de repente, cuando eres un poquito joven y te gusta la música dices: esa es música de mi mamá, de mi papá y no me gusta, pero la verdad es que es la música más fuerte y más punkrock que existe, no te olvides que tienes una música fuertísima, increible, super elegante, super punkrock y bueno, me encantaría escuchar grupos jóvenes implementando ese estilo o esa estética en su música, es es todo por favor. Nosotros somos un ejemplo, de que no tienes que saber cómo cantar, no tienes que saber cómo tocar guitarra, no tienes que saber como hacer un coño, simplemten tienes que hacerlo.

LB: ¡Muchas gracias!

D: ¡Un placer!

• Fotos: Megapuss DJ Set @ Fiesta Hornitos
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• LifeBoxset.com platicó con Los Amparito
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Durante los últimos días, The Horrors ha sido una banda muy hablada en blogs, revistas y medios especializados en música. ¿Por qué? Acaban de publicar su segundo larga duración (reseñado en LifeBoxset.com), vendrán a México por segunda ocasión y (como buenos y valientes músicos que son) no le tuvieron miedo al virus que ha atacado al mundo durante las últimas semanas. Por estas razones, LifeBoxset.com tuvo una muy agradable charla con ellos, la cual empezó con un “Hi, amigo!” y terminó con buenas recomendaciones de música. Lo siguiente sucedió durante una lluviosa tarde de mayo.

Lo primero que les preguntamos fue la razón por la cual decidieron trabajar con Geoff Barrow (integrante de Portishead) en la producción de este disco. Contestaron lo siguiente: “Lo que buscábamos era alguien que no fuera un productor de música, pero que tuviera idea de cómo grabar, que explorara y experimentara. Alguien que no hiciera siempre las mismas cosas dentro del estudio como un productor normal”. Nos dijeron también que buscaban a alguien que tuviera una fuerte relación con los procesos de grabación. “Alguien científico, que tuviera una actitud punk-rocker al momento de grabar. Todo esto lo encontramos en él. Además, es un gran músico y alguien a quien artísticamente respetamos mucho”.

¿Cuáles fueron las cosas que aprendieron al trabajar con él?. Nos contaron que estuvieron componiendo y grabando el disco durante el verano pasado, día y noche, en un lugar que tenían en Inglaterra. Estuvieron explorando y experimentando demasiado con los sonidos y con nuevos instrumentos. “Cuando Geoff escuchó lo que habíamos hecho nos dijo que le había gustado mucho, y no cambió nada, mas bien nos dijo que nos enfocáramos en ciertas cosas ya que, como teníamos muchas texturas y sonidos, podíamos perdernos facilmente en ellos”.

La plática siguió y les preguntamos si el cambio entre Strange House, su primer disco y Primary Colours, el segundo, había sido algo planeado y cómo surgió (durante este momento de la entrevista sonaban muy relajados y con muchas ganas de platicar). “Nada fue planeado. Cuando algo es planeado no sirve, tiene que ser real. Habíamos estado de gira mucho tiempo y teníamos muchas ganas de trabajar en nuestro segundo disco. La canción “Three Decades” fue la iniciadora de todo, con ella comenzamos a escribir este disco”. También mencionaron que el sonido de este disco surgió de disfrutar cuando tocan, ya que de esa manera el sonido toma diferentes direcciones y resultan cosas interesantes.

Al momento de preguntarles sobre la diferente alineación para este disco, nos comentaron que, al momento de grabar y escribir el disco, la idea consistió en que todos tocaran cualquier instrumento, sin limitarse al que habían tocando, de esa manera, todos tocaron y grabaron distintos instrumentos. “Queríamos incluir ideas de toda la banda, crear diferentes sonidos con diferentes instrumentos”.

Hablaron también sobre la decisión de sacar como primer sencillo “Sea Within a Sea”: “Veníamos escuchando el disco desde hace un año y medio, nadie sabía a qué sonaba, excepto nosotros. Pensamos que “Sea Within a Sea” engloba todo el sentimiento, toda la idea del disco y del nuevo sonido que lo representa. Sentíamos que representaba quienes éramos en aquel momento. Es una muy buena introducción al nuevo sonido”.

Les preguntamos de qué manera habían cambiado sus presentaciones en vivo, cómo lograban tocar canciones tan diferentes como “Scarlett Fields” y “Gloves” en un mismo show: “No estamos tocando canciones viejitas, bueno sí, pero no en todos lados. En Estados Unidos, por ejemplo, solo hemos tocado canciones de Primary Colours. Queremos presentar el nuevo disco”. A raíz de esta respuesta, les preguntamos si tenían pensado hacer eso en su próximo concierto en la Ciudad de México: “No, no, ahí tocaremos canciones de ambos discos”. También expresaron la emoción que sienten debido a su próxima presentación en México. La idea de tener un show solo para ellos y tener un público únicamente para ellos les gusta mucho. “Nos sentimos más cómodos al tocar en un club o en un lugar pequeño” comparándolo con su anterior presentación en el Manifest 2007.

Para finalizar les preguntamos algo más personal:

¿Cuál fue el último disco que compraron? “Alexander Spence – OAR” (por cierto, nos lo recomendaron mucho, tiene un sonido parecido a Syd Barret, un sonido de alguien que escapó de un hospital psiquiátrico y con el dinero que le dio la disquera percibido por el disco compró una motocicleta y viajó de California a Texas, donde finalmente grabó el album).

¿Cuál fue la última película que vieron? “¡La Trilogía de Star Wars! Trajimos unos cuantos DVD’s para entretenernos durante la gira en Estados Unidos, pero no se pueden ver por que la región es diferente, así que compramos la trilogía el día de ayer ya que lo tuvimos libre”.

¿Qué libro están leyendo actualmente? “Berlin Years de David Bowie. Es buenísimo, cuenta cómo fue trabajr en Berlín, con Lou Reed y demás personas. Como músico es interesante leer sobre músicos que admiras”.

Por último, ¿cuál fue el último concierto que fueron como espectadores o fans? “DAF, es un grupo alemán de música industrial. Los vimos antes de venir a hacer tour por América”.

Así terminó nuestra grata y amena charla con The Horrors, quienes mostraron una alegre actitud y parecen estar muy emocionados por venir a México por segunda ocasión

The Horrors se presentarán el próximo 23 de mayo en el José Cuervo Salón y aquí, en LifeBoxset.com, regalaremos boletos el lunes 18 de mayo.

• Ganadores: Boletos gratis para The Horrors
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Por Raúl Bustamante

Como parte de la promoción del cuarto y más reciente disco de Metric titulado Fantasies que ya está en las tiendas de discos, y agradeciendo a la disquera Arts & Crafts, tuvimos la posibilidad de tener una breve pero substanciosa plática con James Shaw, guitarrista y productor de este nuevo álbum de Metric. Esto fue lo que nos contó:

Empecemos platicando acerca del nuevo disco. ¿Cómo te sientes?
Muy bien, todos en la banda estamos muy emocionados y al parecer la respuesta de la gente ha sido muy buena. Nos han estado buscando mucho para hablar sobre el disco y ahorita ya estamos bien ocupados.

¿Dos años es el tiempo ideal para sacar un nuevo disco o piensas que tardaron demasiado?
Uh… bueno… más bien creo que depende de los objetivos que tengas y las cosas que hagas para realizar el mejor disco que puedas hacer. Pero tampoco puedes esperar tanto, pues puedes olvidar quién eres y la esencia de tu música. Debes de pensar en los dos factores y siempre aprovechar el momento por el que estás pasando. El chiste es hacer lo que tengas que hacer para que tu disco salga como quieres.

¿Le quisieron entrar más al mianstream con este nuevo álbum?
No es algo que busquemos a pesar de que la gente lo diga. Lo interesante de los fans es que siempre intentan irse de un lado para otro cuando hablan de música, pues eso crea historias interesantes para ellos. El hecho de decir que es un álbum pop o que suena más rockero crea historias que sirven para hacer hablar a la gente, pero nada más. Además, si la gente empieza a decir que este disco es más mainstream, pues quizás logren que se realmente lo sea. Lo único que creo es que en este disco, Metric es más Metric.

¿Qué aspectos de la vida son los que influyen más en Metric?
Nosotros definitivamente nos influenciamos por experiencias de vida, películas o cosas así. Nos gusta mucho convivir con la gente, aprender de ella y así lograr cosas que nos ayuden en nuestra música. En casi todas las entrevistas te preguntan por influencias musicales, pero por ejemplo… nosotros decimos que bandas como Stars o Broken Social Scene son de mucha influencia para nosotros, pero no por la música, sino porque nos llevamos muy bien y cada banda aprende de las otras. Nunca nos metemos al estudio para decir “queremos sonar como ellos”.

Sé que Metric se formó en la ciudad de Nueva York y luego regresaron a Canadá, que es su país de origen. ¿Todo eso lo hicieron para hacer crecer a la banda?
Bueno éramos muy jóvenes y en ese entonces era muy difícil ser músico en Canadá, no había suficientes oportunidades y por eso decidimos irnos a Nueva York. Después regresamos a Canadá porque la escena había crecido y todo estaba mejor.

¿Cómo está la situación musical en Canadá ahora?
En siete u ocho años cambió mucho, ahora es genial vivir en Canadá como músico. Puedes ir a cualquier lugar del mundo diciendo que tu banda es canadiense y la gente la va a escuchar. La situación en Canadá es fantástica, todas las bandas se conocen entre sí, hay muchos buenos amigos y artistas que nos apoyamos mutuamente. Ninguna banda busca lograr el éxito a costa del fracaso de alguna otra, somos más como una comunidad.

Por ahí leí que Emily se fue a Argentina para darse un descanso y por así decirlo… deshacerse de sus demonios antes de componer el nuevo disco. ¿Hiciste algo similar o cómo fue que te preparaste?
Sólo estuve en casa, hace mucho que no estaba ahí. Por mucho tiempo estuve viviendo en pequeños departamentos, durmiendo en sillones y así. Así que compré una casa en Toronto donde puse el estudio de grabación. Decidí dejar a un lado las mudanzas a las que estaba acostumbrado y reencontrarme con viejos amigos, familia… tú sabes, intentando vivir como un ser humano.

¿Y funcionó?
Claro, totalmente. Estuve produciendo otras bandas en el estudio y eso me ayudó a darme cuenta del momento que estaba viviendo y así ponerle todas mis ganas al reencontrarme con Metric. Fue como tomar vuelo.

Supongo que hay muchas ventajas al ser el productor de tu propio disco, pero ¿existen algunas desventajas?
Sí claro, como músico y productor es algo difícil concentrar la mente en las dos cosas y hay momentos en los que te bloqueas. Pero aún así, el dinamismo y la relación entre nosotros nunca había estado mejor, todos llegamos al estudio con la mente limpia, el corazón lleno y con muchas ganas de trabajar.

¿Y los demás confían en ti plenamente como productor?
Sí, muchas veces me decían “ok ponte a pensar y mientras nosotros nos vamos a comer algo”, jaja.

¿Qué música has escuchado últimamente?
Mmmm… hay un DJ brasileño que me gusta mucho, se llama Gui Boratto, lo he estado escuchando mucho. Y pues lo de siempre, discos viejos de los Rolling Stones y así, me gusta mucho escuchar discos clásicos.

Por último, ¿hay alguna modita musical que te desagrade?
No sé… en cada estilo musical hay quienes hacen cosas realmente buenas y otros que hacen cosas realmente malas. Es lo interesante de la música, por ejemplo, si alguien toca un acorde y otra persona toca el mismo acorde, cada uno lo va a ser con un sentimiento diferente. Todo depende en la emoción que se le dé a la música. Pero sí, definitivamente hay cosas horrendas.

• Release Party del Fantasies de Metric
• Video: Metric – “Gimme Sympathy”
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Esta vez nos tocó platicar con Sam Spiegel (Squeak E. Clean), productor, DJ, compositor e importante mitad del proyecto N.A.S.A. Nos platicó sobre su disco debut The Spirit of Apollo y algunas historias que existen alrededor de éste. También hablamos un poco sobre política, sobre Ol’ Dirty Bastard y algunas cosas de su vida personal.

Lo primero que le preguntamos fue acerca de cómo eligieron a las personas con las que decidieron trabajar, ya que en su disco debut hay cerca de 40 colaboraciones, a lo que Sam Spiegel contestó: “Lo primero que hicimos fue escribir la música y producirla, y una vez terminado este proceso, vimos qué o quién podría quedar bien para cada canción”. Cuando le preguntamos si habían tenido alguna anécdota curiosa durante la realización de este disco (el cual tardó cinco años y medio en ser terminado), Spiegel nos contó que fueron a Jamaica a grabar con Cee-lo y estuvieron ahí echando la fiesta, fumando ganja y disfrutando del clima, “pudimos ver un Jamaica que los turistas nunca ven, un Jamaica diferente al que se conoce”.

Debido a la gran cantidad de invitados y a que participan clásicos de la música como Tom Waits, Rza, David Byrne o Fatlip, así como artistas de la escena moderna como Kanye West (con el que trabajaron en Hawai), M.I.A o Karen O de los Yeah Yeah Yeahs, le preguntamos si les había faltado alguien o se quedaron con ganas de tener algún otro invitado. Spiegel contestó (sin pensarlo un solo momento): “¡James Brown!”. Dijo que él era su músico favorito y que lo estuvieron buscando pero por su gira nunca tuvo tiempo de grabar, y después murió, así que nunca pudieron concretar ese encuentro, cosa que le da tristeza a Spiegel.

La siguiente pregunta fue acerca del documental que acompaña a The Spirit of Apollo, nos comentó que lo hicieron durante la realización del disco. Lo grabaron alrededor del mundo, desde Hawai, Jamaica, hasta Nueva York, entre muchas otras ciudades. Les permitió trabajar no sólo con artistas de gran calidad sino también con sus artistas visuales favoritos, y terminó siendo mitad documental, mitad animación.

Ellos han declarado que quieren hacer música que una a la gente sin importar razas, religiones ni ideas políticas, razón por la cual le preguntamos su opinión acerca de los conflictos en la franja de Gaza, siendo éste uno de los acontecimientos más fuertes de los últimos meses. Spiegel se mostró interesado y al mismo tiempo triste (como la mayoría de nosotros) por lo que pasó: “tengo fe en la humanidad y en que encontraremos la manera de vivir en paz unos con otros”.

De ahí pasamos a un tema muy interesante, la última canción que grabó en vida el rapero del Wu Tang Clan, Ol’ Dirty Bastard, en la cual participó también Karen O de los YYY en las vocales, la cual está incluida en el disco debut de N.A.S.A bajo el nombre de “Strange Enough”. Spiegel dijo que se sentían bendecidos y agradecidos por haber tenido la oportunidad de trabajar con él, “Es una de las mejores cosas que nos ha pasado, gracias Dirt”. Nos dijo también que Karen O grabó primero las vocales y después lo hizo Ol’ Dirty Bastard.

Ya para finalizar, le hicimos unas preguntas más personales…

¿Cuál fue el último disco que compraste?

Déjame ver, aquí tengo una bolsa de discos que compré ayer, compré dos discos de un grupo que se llama Tom Tom Club, uno es homónimo y el otro se llama Boom Boom Chi Boom Boom. También compré el nuevo de los Yeah Yeah Yeahs.

¿Cuál fue la última película que viste?

Dancer in the Dark de Lars Von Trier, en la que sale Björk. Ya la había visto pero la volví a ver. Es una gran película.

¿Cuál fue el último libro que leíste?

El último fue El Alquimista de Paulo Cohelo, y ahorita estoy leyendo El Amor en Tiempos de Colera de Gabriel García Márquez, ya leí Cien Años de Soledad y me gustó mucho.

Recuerden que el próximo 25 de abril N.A.S.A. estará tocando en el Pasaje América.

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Por Christian Rojas y Mauricio Barrón

Hace unos pocos días tuvimos la oportunidad de platicar por teléfono con Keigo Oyamada, mejor conocido como Cornelius, quien atendió a nuestra llamada hasta Japón y contestó algunas de nuestras preguntas. Keigo ha sido comparado con músicos como Beck y ha sido influenciado por bandas como The Velvet Underground, por lo que nos aventuramos a platicar con él acerca de sus producciones musicales y su punto de vista sobre tecnologías y la manera en la que ha evolucionado la música hasta nuestros días.

Iniciamos por preguntarle sobre su visita a México, a lo que se mostró emocionado: “Visitar México es una buena oportunidad para conocer su cultura, visitar algunos lugares y probar su comida. Todo se facilitó gracias al pequeño tour que vamos a hacer por E.U. después de visitar México“.

Continuamos preguntando un poco por sus proyectos actuales. Keigo nos comentó que actualmente estaba trabajando en su estudio/oficina “desde las 12 del día hasta media noche todos los días en música para el sitio de una marca japonesa de ropa (http://www.uniqlo.com/try/), además acabo de regresar de Nueva York, donde estuve grabando algunas temas con Yoko Ono y su Plastic Ono Band“.

Y ya entrados en el tema de la música, le preguntamos sobre su opinión acerca de la música en MP3, la perdida de calidad en la música al ser descargada en este formato y hacia dónde siente que va la música en Internet. Keigo se mostró optimista sobre este tema: “La perdida de calidad en MP3 no es tan significativa como muchos piensan, yo solía tener mucha de mi música favorita en cassettes y ahí también había perdida en la calidad pero la música seguía ahí. Creo que en los próximos años la calidad va a continuar mejorando y es un excelente medio para promover la música de los artistas“. Al preguntarle sobre sus hábitos de descarga en Internet sólo comentó “definitivamente compro muchos más discos de los que descargo“.

Finalmente y adentrándonos un poco más en el tema de su presentación, continuamos preguntándole sobre el Sensous Synchronized Show: “es un espectáculo totalmente visual donde las luces y la música van sincronizados para crear una experiencia completa. No se trata de utilizar lo último en tecnología de vanguardia, somos simplemente una banda regular: bajo, bateria, guitarra y algunos sintetizadores. Definitivamente utilizo mucha tecnología en el estudio a la hora de editar y producir, pero el show es algo mucho más orgánico“.

Recuerden que Cornelius se presentará en la ciudad de México el próximo 8 de mayo bajo el formato de The Cornelius Group Sensous Synchronized Show en el Lunario del Auditorio Nacional. Los boletos tienen un costo de $320 en Ticketmaster.com.mx y en las taquillas del Auditorio Nacional.

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• Entrevista con Murcof: Próximamente
• LifeBoxset.com platica con The Horrors
• Cornelius también se suspende
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Por Mauricio Barrón

Hace unos días tuvimos la oportunidad de platicar con Kevin Shields y Bilinda Butcher de My Bloody Valentine a unas horas de haber concluido con un concierto en el Santa Monica Civic de Los Angeles, la primera gira de la banda en 16 años.

La conversación fue breve pero iniciamos con preguntarles sobre su gira recién concluida, a lo que se mostraron completamente satisfechos con el resultado: “Estamos muy contentos, ha sido una gira corta pero estamos muy contentos de estar de vuelta“. Respecto al futuro de la banda, Kevin nos comentó que definitivamente hay un futuro en el corto plazo para la banda: “Por el momento, Colm se queda aquí en Estados Unidos para trabajar con su otra banda y Bilinda y yo regresaremos a Londres para trabajar en el próximo disco“. Y hablando de este último tema nos dijeron que, como ya se ha comentado en otros medios, ya hay avances hechos y ahora hace falta dar los últimos toques para tenerlo listo, tentativamente, en febrero del próximo año. Junto con este lanzamiento definitivamente habrá una nueva gira de la banda donde esperan visitar nuevos lugares.

Sobre una posible visita a México en su próxima gira, nos comentaron que incluso “hubo contacto con un promotor en México para estar por allá durante esta gira, sin embargo por problemas de dinero no se pudo concretar ya que haber ido a tocar a México hubiera implicado una perdida económica para la banda“, sin embargo, se mostraron muy interesados por venir a nuestro país para una fecha en su próxima gira.

Así que ya saben, hay My Bloody Valentine por mucho tiempo más. Empezando por el nuevo disco que probablemente estará listo en febrero y la idea de tenerlos en México no es tan descabellada como parece.

Aquí les dejamos unas fotos del concierto de My Bloody Valentine en el Santa Monica Civic de Los Angeles, del pasado 2 de octubre de 2008.

Los invitamos a ver las fotografías del concierto tomadas por Losanjelous.

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La primer entrevista para LifeBoxset.com ha llegado y justamente la semana pasada, Jim James, líder y frontman de My Morning Jacket, platicó un poco con nosotros y muy amablemente contestó a nuestras preguntas. Para comenzar, recuerden que My Morning Jacket visitó México el pasado 12 de abril para participar en el Coca-Cola Zero Fest, al lado de Bright Eyes, Smashing Pumpkins, The Mars Volta y más bandas, y sobre esto, y más temas -cómo el origen de su sonido, piratería, sus presentaciones en vivo, y más- platicamos lo siguiente:

LifeBoxset.com: Recientemente visitaron la Ciudad de México por primera vez para un festival considerablemente grande. ¿Qué tal su experiencia en el escenario frente a tantas personas, la mayoría de ellos nuevos a la música de My Morning Jacket?

Jim James: Nos sentimos muy bien! El público mexicano parecía muy entusiasta. Notamos que muchos estaban esperando a Mars Volta, pero hicimos nuestro mejor esfuerzo para ganarnos su atención y divertirnos. Lo sentimos como un triunfo.

LB: ¿Encontraron a muchos fans de la banda? ¿Esperaban esto?

JJ: Encontré a más personas que conocían más de la banda de lo que esperaba, eso estuvo muy bien.

LB: ¿Qué tal sienten que su show se transmite en festivales grandes? ¿Prefieren públicos grandes o más pequeños?

JJ: Creo que todo depende más bien del día y el lugar. Hemos tenido presentaciones excelentes en lugares grandes y pequeños. Sólo depende del ánimo y la gente.

LB: My Morning Jacket tiene un sonido de gran calidad tanto en discos como en las presentaciones en vivo. En lo particular, los hemos visto un par de veces (en Coachella 2006 y el Coca-Cola Zero Fest en la Ciudad de México) y en ambas ocasiones su sonido ha estado extraordinario, en especial las guitarras. ¿Qué equipo usan regularmente para sus guitarras en vivo?

JJ: ¡Muchas gracias! Tengo que darle mucho crédito de nuestro sonido en vivo a nuestro ingeniero Ryan Picket. Ha estado con nosotros por un buen tiempo y tiene muy buen oído. Nos sentimos muy afortunados de tenerlo. Yo uso amplificadores Mesa Boogie con una gran variedad de pedales, Carl usa Amplificadores Top Hat y Carr.

LB: Muchas bandas, para obtener un sonido más natural o fluido en sus discos, deciden grabar todos los instrumentos al mismo tiempo. ¿Cómo fue su acercamiento al grabar el Evil Urges?

JJ: Lo hacemos de ambas formas. Tratamos de grabar tanto como sea posible en vivo, todas las baterías, el bajo, las guitarras y los teclados principales, y, algunas veces, también las voces. Después vamos al estudio y grabamos overdubs con otras guitarras, teclados, voces, etcétera.

LB: ¿Qué bandas nuevas estás escuchando últimamente? ¿Alguna banda nueva en particular que creas que crecerá para convertirse en una banda grande en unos años? ¿Por qué?

JJ: Me gusta mucho Dr. Dog de Philadelphia. Tienen un sonido clásico excelente, pero igual suenan nuevos al mismo tiempo. John Callahan de Portland también es muy bueno. Su disco, Purple Winos In The Rain, es un gran disco para escuchar en cualquier momento.

LB: ¿Tuviste oportunidad de escuchar a alguna banda local mientras estuviste en México? ¿A quién?

JJ: Desafortunadamente no, pero había escuchado “El Hombre Bala” desde antes y me gusta su sonido.

LB: ¿Es difícil mantener a su publico entretenido o atento durante sus shows largos, como los de “An Evening with My Morning Jacket” que han estado haciendo recientemente?

JJ: No realmente. Solo siento que nos da más tiempo para hacer más sonidos, y la gente va a decidir si están entretenidos o no. Simplemente tratamos de tocar lo mejor posible.

LB: ¿Qué tal fue la experiencia de tocar de 12 a.m. a las 3 a.m. en el festival Bonnaroo de este año? ¿Como respondió el publico a este show tan tarde?

JJ: En realidad tocamos hasta las 4 a.m. y estuvo increíble. Llovió y diluvio y el equipo tuvo problemas pero los ánimos arrasaron. Siento y espero que todos la hayan pasado muy bien.

LB: Durante esta presentación (Bonnaroo) tocaron Evil Urges en su totalidad excepto por “Look at You” y “Remants”. Con un espacio de tres horas para su show, ¿por qué no incluyeron estas canciones en su set?

Supuestamente íbamos a tocar esas canciones pero por problemas técnicos con la lluvia tuvimos que cortar muchas canciones del set.

LB: ¿Cuál es tu festival favorito? Tanto como público, como músico.

JJ: Me divierto mucho en varios festivales. Bonnaroo es como nuestro festival de casa porque hemos estado ahí mucho, pero me he divertido mucho en Lollapalooza y en Glastonbury, este año pude subirme a una máquina del tiempo. Estuvo muy loco.

LB: Su álbum se filtro en Internet al menos un mes antes de su salida oficial. ¿Cómo los ha afectado esto como músicos y qué impacto ha tenido en la gira y las ventas del disco?

JJ: Quién sabe en realidad. Es molesto, pero así es y no podemos cambiarlo. Es extraño como la música se ha convertido en esta cosa que no puedes controlar, pero en cierto modo creo que también es liberador – le pone menos límites a las cosas. Tienes que saber que una vez que terminas algo estará allá afuera.

LB: ¿Sienten que el hecho de que más gente en el mundo tenga acceso a su música, ya sea comprando los discos o descargándola gratis, incrementará su número de fans?

JJ: Eso espero…

LB: ¿Qué hacen, como banda, para detener la piratería, si es que hacen algo del todo?

JJ: Nada. Sin embargo, tratamos de animar a la gente a que si quieren que las bandas sigan haciendo discos, intenten y compren los discos o al menos paguen por las descargas porque grabar un disco cuesta…

LB: ¿Qué opinan de la idea de Nine Inch Nails, Radiohead y otras bandas al regalar sus más recientes discos por Internet?

JJ: No estoy seguro. Básicamente todas las bandas están haciéndolo (regalar su música por Internet), aunque no lo anuncien. Puedes conseguir gratis en Internet música de cualquier banda que exista o puedes comprarla. La opción siempre es tuya como el consumidor.

LB: Acaban de anunciar un show muy especial de “An Evening with My Morning Jacket” en el Madison Square Garden (en Nueva York) para el día de año nuevo. No puedo pensar en muchas cosas mejores que hacer que ir a una de sus presentaciones en un día de tanta fiesta como ese. ¿Cómo surgió todo esto? Se que es muy pronto pero, ¿están planeando alguna sorpresa especial para ese show?

JJ: Estamos muy emocionados. Tocar en el Madison Square Garden el día de año nuevo (31 de Diciembre) es un sueño de nuestra niñez hecho realidad, ¡ni mas ni menos! Planeamos que haya mucha diversión.

LB: ¿Tienen planes de regresar a México para presentarse solos? (shows tipo “An evening with My Morning Jacket” ¿tal vez?)

JJ: Pasé algún tiempo visitando México después de que tocamos en el festival. Fuimos a Teotihuacan y también dimos la vuelta visitando pueblos pequeños. Me impresionó mucho la belleza natura y lo amigable de la gente en México. Hay tanto por ver y hacer – tengo sentimientos muy calidos de México. Tenemos la intención de regresar a México tan pronto como podamos. Ojalá tengamos la oportunidad.

Y así concluye esta pequeña entrevista con Jim James de My Morning Jacket, quienes dieron un gran recital en el Autódromo Hermanos Rodríguez, de quienes obtuvimos una agradable plática para LifeBoxset.com

• Nuevo disco de My Morning Jacket
• Nueva canción de My Morning Jacket: “Circuital”
• Discos de My Morning Jacket en vivo
• The Roots grabará con Jim James y Joanna Newsom
• MP3: Yim Yames (MMJ) – “Behind That Locked Door” (G. Harrison cover)

Fotos por Toni François
English Version, Unedited Text, Click Here

Mogwai visitó Mexico para ofrecer un par de conciertos en Guadalajara y en la Ciudad de México. Podríamos detallarles los setlists, hablar sobre leyes de tiempo de llegada, si el sonido del lugar fue bueno, si nos remontó a momentos o lugares, etcétera. Pero esta vez, decidimos pedirle a alguien más que nos ayudara con esta reseña. Con ustedes, Barry Burns de Mogwai y su reseña sobre su viaje a México.

Esto es lo que pasó en nuestro viaje a México.

Todo comenzó con un viaje extremadamente temprano de Glasgow a Ámsterdam. Después, de Ámsterdam a la Ciudad de México para finalizar con un viaje de la Ciudad de México a Guadalajara, todos los viajes en la comodidad de… mmm… clase económica. Es la buena vida que nos toca a nosotros los grandes rock stars. Llegamos a Guadalajara, con únicamente una pieza de equipaje perdida (¡nada mal!), y nos encontramos con Héctor Mijangos, un gran amigo, promotor y dueño de la compañía disquera. El tipo es como un ícono de la moda y, en mi opinión, hasta cierto punto quisiera verme como él. Nos fuimos al hotel después de que algunos de los chicos fumaran sus cigarros. El camino al hotel nos tomó una hora. Después descubrimos que cada viaje en auto/camioneta toma una hora, en cualquier lugar de México, por los problemas de tránsito.

Dejamos nuestras cosas en el hotel y Héctor nos llevó a un restaurante que estaba cerrado, ya eran las 11:30 p.m. Eventualmente llegamos a otro lugar llamado Karne Garibaldi que aparentemente tiene el servicio más rápido. Ordené mi comida a las 11:45 p.m. y llegó a las 11:44 p.m. ¡Zoom! Era una especie de caldo de carne que estaba maravilloso. Junto con ella traen todas las salsas que se consiguen en México, como las salsas de tomate y tomatillo. Me encanta eso. Los demás pidieron lo mismo y los vegetarianos (por quienes siento lástima estando en México) pidieron queso a la parrilla. Esto es básicamente lo que Stuart comería durante toda su estancia en México junto con totopos y salsa.

Al día siguiente estabamos listos para el primer show que hemos dado en mucho tiempo. Fuimos al soundcheck y comimos unos maravillosos sándwiches de puerco pero no recuerdo su nombre. Son “remojables” en salsa de chile y tomate. (Nota del editor: Tortas ahogadas) Me comí dos de estas delicias. Para mí se trata todo sobre la comida cuando viajo a otros países. A algunos les gusta ir a museos, a mi me gusta comer.

Tuvimos que practicar el setlist completo y repetirlo ya que no estábamos en forma musicalmente. Después del soundcheck, Héctor nos llevó a cenar y todos comimos cosas como pollo con mole y muchos tacos. ¿Adivinen qué pidieron los vegetarianos? Sí. Queso con salsa de queso cubierto de queso.

Ellos pidieron cerveza de queso. Yo pedí Tequila y algunas cervezas para después darme cuenta de que ya estaba borracho y debía parar de beber. De regreso en el foro, habían colocado más queso y carnes en nuestro camerino pero John y yo decidimos que sería un desperdicio si nadie se lo come así que tomamos las bandejas y fuimos con el público a ofrecerles la comida, como meseros. Extrañamente, algunos creyeron que éramos mexicanos (soy tan blanco que casi soy transparente) y me hacen preguntas, yo les contesto algo como “no habla español” o algo así, y entonces entienden que puede que sea escocés o algo así. Eso causó una gran confusión pero fue divertido.

Tocamos el show y, en mi opinión, estuvimos extremandamente mal. No como el disco de Michael Jackson Bad, mal como George Bush. Todas las guitarras están un poco jodidas y no se mantienen afinadas. Tocamos un encoré (aún no sé por qué) y John corre hacia el escenario, tropieza y cae sobre la tarima de la batería para levantar una ovación de los “Guadalajarianos”. Esto es lo más relevante de la noche ya que la última canción estuvo terrible. Oh bien, se vive y se aprende.

De regreso a nuestro hotel, nos encontramos con una de las lluvias mas fuertes que jamás habíamos visto en nuestras vidas. Había truenos y relámpagos cada tres segundos y parecíamos niños: asustados y emocionados. Los caminos parecían ríos y las coladeras fuentes. No creo que cuando la gente de Europa vino por primera vez a México haya sido en temporada de lluvias. ¡Hubieran regresado a casa muy pronto!

Al día siguiente nos levantamos para un corto viaje a la Ciudad de México y tener un día libre. Llegamos al hotel y decidimos no salir en todo el día y solo beber. Bajé para comer en el hotel y esta vez ordené pescado. Lo que llegó fue muy gracioso. Era pescado con lo que parecía ser salsa de helado de fresa derretido con chiles poblanos. Continué mirando al mesero para ver si no se estaba riendo cuando para cuando le diera el primer bocado y ver si era una broma pesada del chef. Pero no. Aparentemente a la gente en México le gusta comer pescado a la fresa. Muy interesante.

Supongo que debería salir a conocer más de la ciudad pero soy un holgazán y en vez de eso, John, Ozzy (técnico de guitarras) y yo bebimos en el cuarto de John y escuchamos nuestro iPod en un estereo pequeño que el hotel presta a cada habitación (buen detalle, pero hablaré más sobre esto adelante).

Llega la hora de cenar y Hector nos lleva a otro lugar llamado “Leon Dorado” o algo así y nos toma una hora llegar. Le pedimos que ordene algo de carne pero lo que llega a la mesa no es algo que realmente llamemos “carne” en Escocia. Es… es basicamente…. La cara de un jodido puerco y no se qué más. Tal vez riñones, higado. Puedes ver los pelos en su nariz. Dios. Cortesmente pido unos tacos de pollo. John come algo de “cara” y se ve muy, muy enfermo. Él no quiere ir de fiesta esta noche y decide irse a casa con los otros. Ozzy y yo vamos de vuelta a una fiesta cerca de las oficinas de Noiselab y conocemos a algunas personas muy amables que, de hecho, hablan muy buen Inglés (de hecho, uno de ellos solía vivir en un área de Glasgow donde mi esposa y yo solíamos vivir, es un mundo pequeño). Seguimos despiertos un rato mientras nos emborrachamos para después regresar al hotel. Logro lavarme los dientes en mi borrachera. Al día siguiente se me antoja nadar un poco así que decido llamar a la recepción…

-Yo: Hola, ¿Habla Ingles?
-Mujer: Yis
-Yo: ¿Dónde está la alberca del hotel?
-Mujer: Yis
-Yo: Hmmm. Okay, ¿Hay una alberca en el hotel?
-Mujer: White plees
-Yo: Ok, Gracias
-Hombre: Hola, ¿puedo ayudarle?
-Yo: Si, ¿dónde está la alberca del hotel?
-Hombre: ¿Que tiene un problema con su conexión a Internet?
-Yo: Hahaha! No, Er… ¿hay una alberca aquí?
-Hombre: No, hay un centro de negocios.
-Yo: Oh, ok, (me pregunto si puedo ir a nadar al centro de negocios…) Gracias, bye!
-Hombre: Okay, bye.

Ahora tenemos que ir al soundcheck (lo que nos toma una hora para llegar) y creo que algunos de la banda tienen problemas de estómago porque no estamos acostumbrados al agua o algo. Mi estómago es de acero así que me siento bien. El lugar del concierto es bastante grande y se ve bien. Damos algunas entrevistas y fotografías para la prensa y televisión mexicana y el soundcheck después sale bastante bien. El sonido es mejor que en Guadalajara.

Después, como siempre, Hector nos lleva a cenar. Todos comemos cosas como enchiladas y sopa. Buena comida mexicana. Por supuesto los vegetarianos comen queso y frijoles. Pobres bastardos.

Nos encontramos con Austin TV quienes tocaron con nosotros la ultima vez que estuvimos en la ciudad de México. Recuerdo que se vestían como conejos y eso. Estuvieron bastante bien aquella vez y esperaba verlos tocar. Me dijeron que ahora se visten como árboles porque grabaron su ultimo album en el bosque, lo que suena bastante similar a lo que hicimos para nuestro disco “Come On Die Young” en las afueras de Nueva York.

Los vimos tocar y le gustaron a la gente también. La mascara del baterista es absolutamente increíble. Más bandas necesitan usar máscaras. Si Mogwai tuviera máscaras desde el principio, la gente tal vez pensaría que somos guapos debajo de la máscara… pero no somos. No importa. Criaturas feas de Escocia.

Llega nuestro turno para tocar. Y sale mucho mejor que la otra noche. Tocamos la mayor parte del show bastante bien y es agradable regresar a esto de nuevo. Probablemente debimos tocar un encore porque la gente cantaba “¡Mogwai! ¡Mogwai!” al final pero estamos tratando de no hacerlo. Ahora simplemente tocamos sets mas largos.

Después del show nos encontramos con algunas personas que ganaron un concurso y son todos tipos muy muy agradables. Nadie trató de matarnos con cuchillos peligrosos, lo cual fue muy gentil. Teníamos un vuelo temprano a la mañana siguiente y era hasta Calgary, en Canada, así que decidimos tomar unos cuantos tragos e ir a dormir.

Alguien llama a mi cuarto de hotel cerca de las 4 a.m. y me asusta. Yo sólo veía el telefono, sonando, y casí tengo un colapso nervioso porque estoy muy confundido y cansado. Sigo viendolo y pienso “Por favor, por favor, por favor, deja de hacer ruido, ¡argh!” y finalmente lo hace. Y, ¿recuerdan el pequeño estéreo para iPod en el cuarto de hotel? Bueno, algún absoluto idiota y su novia estaban en el cuarto junto al mío, a las 7:30 de la mañana tocando canciones de Madonna a todo volumen y cantando. Tuve que golpear la pared con mi mano pero eso no funcionó así que llamé a la recepción y la mujer contestó:

-Yo (Cansado y molesto): ¿Habla Ingles?
-Mujer: Yis
-Yo: Hay gente tocando música muy fuerte en el cuarto de al lado. Por favor mande a alguien a callarlos.
-Mujer: Ok, bye

Veinte minutos después me di cuenta que la mujer no entendió nada de lo que le dije. Nadie viene. Así que llamo otra vez. Contesta un hombre y parece entender así que como un minuto después escucho como toca a su puerta y el volumen de la musica baja rapidamente, pero no se apaga. Porque demonios tienen musica tan fuerte a esta hora de la mañana. Yo creo, ¿Cocaina? Tal vez.

De cualquier forma, nos subimos todos al autobus y nos damos cuenta que no hay lugares suficientes para todos así que Ozzy tiene que sentarse en el piso. Entonces el chofer dice “Olvidamos traer a la chica de Noiselab, necesitamos regresar” pero Simon, nuestro Tour Manager, se molesta y dice “¿¿¿Donde se van a sentar??? Ya tenemos a una persona de mas, diles que pidan un taxi!” Todos nos reimos. Loco.

Llegamos al aeropuerto sin muchas ganas de volar por mucho tiempo, especialmente cuando tenemos que parar en Houston (agujero de mierda) en los EUA (agujero de mierda) y tenmos que lidiar con su estupida migración y aduanas aunque sólo vayamos de paso a Canada (no agujero de mierda).

Ha sido un viaje divertido a México y esperamos que podamos tocar en más lugares la próxima vez. Creo que Martin y Dominic tuvieron problemas de estomago así que no lo disfrutaron tanto como el resto, una pena, pero la próxima estoy seguro que estaremos todos bien. ¡Y mejores tocando estas canciones!.

O.K., adiós por ahora.

• Mogwai in México by Barry from Mogwai
• Fotos: Wolfmother @ Indio Sessions
• Cuatro años de TONO.tv
• Fotos: Esencia Marvin con Titán @ El Imperial
• Fotos: Passion Pit @ José Cuervo Salón

Por Miguel Esparza

Colaborando desde la ciudad de los rascacielos, New York, Miguel Esparza nos envía esta corta entrevista con los australianos Cut Copy. Ellos participaron recientemente en la edición 2008 del MX Beat en la ciudad de Toluca y colocaron reciéntemente su LP debut titulado In Ghost Colours del que ahora suenan canciones como “Lights & Music” y “So Haunted”.

¿Cómo se sienten en su gira por Norteamerica, como se sintieron en México?

Quedamos realmente sorprendidos, alguna vez nos habían dicho que teníamos seguidores en México, pero nunca creímos que fuera así, fue una experiencia un poco rara ya que era la primera vez que estábamos ahí. Fue en un festival en las afueras de la Ciudad de México y cuando estábamos en el hotel nos preguntábamos lo que iría a pasar y si alguien iría a vernos. Todo termino siendo perfecto.

Exactamente hace un año estaban en N.Y. grabando su nuevo disco. ¿Qué se siente regresar a tocar sus nuevas canciones y su experiencia en el estudio con Tim Goldsworthy de DFA records?

Es muy extraño a pesar de que hace un año estábamos aquí, sentimos que nunca nos fuimos de Nueva York, parece que nada ha cambiado, todo sigue igual. Trabajar con Tim fue una muy buena experiencia, tenemos tantas cosas en común y los mismos gustos musicales provocaron que la grabación terminara siendo bastante fácil. Somos buenos amigos, terminamos probando algunos instrumentos retro y algunos otros que nunca imaginamos tocar. Al final decidimos cuales podrían quedar dentro del disco y cuáles no.

En el disco So Cosmic, ustedes mezclan algunas las influencias que les ayudaron a grabar este disco. ¿Tienen alguna inspiración (arte, peliculas u otros artistas) que los inspire a hacer musica? En cuanto al diseño de arte de los álbumes y proyectos, ¿cómo deciden trabajar con ellos?

Estamos inspirados por diferentes soundtracks de películas de John Carpenter y somos fans de Richard Prince. En cuanto al diseño, todos colaboramos con ideas, Tim estudió arte y también estudiamos diseño por lo que mantenemos el control de nuestro arte. Pero creemos que cualquier cosa nos puede inspirar a componer música, muchas ideas pueden traducirse en música.

¿Empezaron como DJ’s o como banda?

Empezamos con un programa de radio, después empezamos a tocar en fiestas, después a producir y así decidimos empezar a tocar música.

¿Cómo se sienten ahora que Modular Records, una disquera relativamente grande, y cómo es su relación con ellos?

Cuando empezamos, nunca creíamos que fuera a crecer tanto. La relación siempre ha sido de amigos. Pero aún así tuvimos problemas con el lanzamiento del disco y muchos atrasos. Sigue siendo frustrante…

Han pasado 3 años. ¿Cómo se sienten como banda? ¿Con quién les gustaría colaborar?

Todo empezó como una banda, sólo queriendo hacer música. No nos podemos quejar, ha sido bastante bueno. Nos gustaría colaborar algún día con Thurston Moore, Kevin Shields o con Midnight Juggernauts.

“Anything can inspire music. Any ideas can be translated into any music format”

• Este Sábado: MEN en el Museo Tamayo
• Nuevo disco de Mogwai en febrero
• Video: Arcade Fire – “Rococo” en Madison Square Garden
• LifeBoxset.com platicó con Stereo Total
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Primera Parte: La gira en California antes de Coachella, una forma de calentar los motores y preparase para el gran festival. Tijuana, Oxnard, Chula Vista y más lugares cada uno con aventuras distintas.

Segunda Parte: La llegada al Coachella y la experiencia de ver cinco escenarios y muchas bandas durante el primer y segundo día del festival.

Tercera Parte: Los sucesos del tercer día en Indio, y la última parte de la reseña sobre el Coachella como espectador.

Cuarta Parte: El momento climático del viaje, todos los detalles sobre qué se siente tocar en el escenario principal del Coachella Valley Music & Arts Festival, la logística detrás del escenario, las emociones y los sucesos importantes así como curiosos. Un final para este primer especial de parte de Rata de Austin TV para Life Boxset.

• Festival Coachella 2008: Parte 1
• Festival Coachella 2008: Parte 4
• Festival Coachella 2008: Parte 3
• Festival Coachella 2008: Parte 2
• Mini gira de A Perfect Circle en otoño