LifeBoxset.com: ¿Qué significa para Buraka Som Sistema tocar en la Ciudad de México?

Conductor: Es algo bien importante para nosotros, significa mucho por que quiere decir que estamos haciendo bien las cosas. Es una recompensa al trabajo.

LB: ¿Cuál ha sido el concierto más importante en la historia de Buraka Som Sistema?

C: Hace poco tiempo hicimos un show en Portugal; era un festival pero nosotros eramos los headliners. Tocamos en la noche, cerrando el festival. Había aproximadamente 35 mil personas.

LB: Cuéntanos cómo fue la experiencia de firmar con Sony/BMG.

C: Basicamente lo que pasó fue que Sony se interesó en nosotros y después de muchas pláticas y esas cosas, hicimos un deal de distribución. La verdad es que Sony ha hecho muy bien su trabajo en Portugal, gracias a ese deal hemos podido expandir nuestro territorio y tener más fans y gente interesada en el grupo.

LB: ¿Cuál es el papel que desempeñan Portugal y Angola en su música?

C: Es bien interesante cómo hemos logrado juntar ambas culturas. Además, en Portugal (por su puerto) hay gente de muchos países. Nosotros tenemos la ventaja de vivir en Lisboa, que es una ciudad cosmopolita e importante en donde hay mucho de dónde escoger al momento de tomar influencias.

LB: Hablando de eso, ¿de qué manera reflejan el contexto sociopolítico de ambos países?

C: La gente que trabaja con nosotros piensa de la misma manera que el resto de la banda, entonces hace que todo sea más sencillo. No necesitamos estar diciendo todo el tiempo lo que opinamos sobre esos temas, ya que en sí, el hecho de que todo pensemos de una manera en específico, es ya un political statement.

LB: ¿El éxito que han tenido es como ustedes se lo imaginaban?

C: Nosotros no nos imaginábamos nada, ya que nunca lo hicimos con ese fin. Todo empezó con unas fiestas que nosotros organizábamos en un bar, poníamos música que nos gustaba con nuestros amigos. Después el bar cerró y decidimos seguir haciéndolo pero ahora hacer nosotros la música, así salió Buraka Som Sistema. El éxito que tenemos es una grata sorpresa para nosotros y estamos muy felices por él.

LB: Con tantos ritmos que fusionan, ¿creen que el género de Buraka Som Sistema es único?

C: Claro, es único. Nadie está haciendo lo que hacemos. De pronto se escuchan cosas parecidas, lo cual nos da gusto ya que quiere decir que a la gente le gusta lo que hacemos, tanto como para hacerlo ellos por su cuenta, pero sí, es único.

LB: ¿Cómo ven la música electrónica dentro de 20 años?

C: Sin duda muy difernete a la actual, ya que hoy en día no hay nada nuevo. Lo que tiene que pasar es que tiene que haber una reinvención total, volver a cero y empezar desde ahí. Hoy en día no hay nadie como Madonna o Michael Jackson en su época. Todo es una copia de la copia de la copia, razón por la cual es necesario reinventar. Reinventar o morir.

LB: Aparte del Kuduro, ¿qué otros ritmos africanos usan?

C: Pues en este disco usamos muy pocos, en las nuevas canciones nos gustaría usar más aunque todavía no sabemos cuales (risas).

Con risas terminó nuestra muy amena plática con Conductor, vocalista de Buraka Som Sistema, quien minutos después nos comentó su gusto por la serie True Blood, recomendándonosla mucho.

Aquí pueden ver todas las fotos de Buraka Som Sistema en Woda, concierto organizado por Sicario.tv el pasado jueves 5 de noviembre.

El lunes 19 de octubre se presentó el grupo japonés Mono en la Ciudad de México, dando uno de los mejores conciertos del año. Horas antes de su presentación en el Polyfórum Cultural Siqueiros y recién salidos del soundcheck, LifeBoxset.com platicó con Takaakira Goto (mejor conocido como Taka), guitarrista principal y compositor de Mono. Entre otras cosas, nos mencionó su gusto por Alejandro González Iñárritu y la música clásica.

LifeBoxset.com: ¿Qué quieren expresar con su música?

Taka: Va a ser complicado de responder. A mí me fascinan los soundtracks y scores de las películas. Queremos expresar a través de nuestra música lo mismo que en las películas y al mismo nivel, porque a veces, por ejemplo, después de ver una gran película o leer un gran libro, la vida te cambia, ¿sabes? Yo no quería hacer algo como Cat Power.

LB: ¿En qué manera la historia de Japón los ha influenciado, cosas como Hiroshima, la filosofía Zen, etcétera?

T: De hecho algunas personas lo han mencionado. Mono tiene una gran atmósfera japonesa, sin embargo, ésta es muy inconsciente ya que nosotros no lo planeamos ni lo controlamos. La verdad es que yo escucho mucha música clásica como Beethoven, Ennio Morricone, Brahms, etcétera, y también escucho mucho Led Zeppelin, old school rock y quería combinarlo en uno solo.

LB: Su último disco (Hymn To The Immortal Wind) suena como un tributo a las víctimas de Hiroshima, ¿lo pensaron así mientras escribían el disco?

T: Tratamos de explicar la triste historia de Hiroshima de la bomba atómica. Este es nuestro disco más triste ya que siempre tratamos de expresar la paz, la amistad y ahora quería expresar una historia. Por ejemplo, las personas pueden no ver pero, sin duda, sienten algo. Conocí a una fan, ella me dijo que había perdido a su mejor amigo, quien era gran fan de nosotros. Estuvimos platicando de él y yo pensaba: “el cuerpo es cuerpo, pero el alma siempre está ahí.” Siempre estoy pensando en eso, todo el tiempo.

LB: ¿Cuál es la diferencia entre tocar en Japón y tocar en Estados Unidos?

T: Es muy parecido. Cuando iniciamos el tour en Estados Unidos en 2002 o 2003, todo mundo estaba hablando, tomando y haciendo ruido. Pero ahora ya nos conocen, ya saben a qué van. Ahora todos son muy respetuosos y guardan silencio.

LB: ¿Conocen algo de la música hecha en México? ¿Alguna banda?

T: Una pregunta muy difícil. Tengo una película favorita: 21 Gramos, dirigida aquí por un mexicano, González algo ¿cierto? ¡Me encantó su película! La única impresión de México que tenía era por esa película. [Durante la entrevista, le expliqué a Taka que 21 Gramos fue filmada en Estados Unidos, no en México, pero que el director sí era mexicano.]

LB: Si filmaran un concierto como Pink Floyd Live at Pompeii, ¿en dónde les gustaría filmarlo?

T: Justamente acabamos de hacer un concierto del décimo aniversario de Mono en Nueva York con una gran orquesta. Lo filmamos y lo sacarémos el próximo año, en primavera.

LB: ¿Cómo ha evolucionado la escena musical japonesa?

T: Nosotros solíamos ser más “rock”, más enojados. Debido a que nadie nos conocía teníamos que dar un extra y dejar cierta impresión, impactar. Es por eso que rompíamos las guitarras, la batería, etcétera. Conforme la gente fue viniendo más a los conciertos en Estados Unidos y Europa, dejamos por completo de hacer eso, calmamos nuestros espíritus enojados. Ahora queremos expresar más nuestros espíritus calmados.

LB: ¿Cuál fue el último disco que escuchaste?

T: Rachmaninoff, la Sinfonía 2 o 3, no lo recuerdo.

LB: ¿Cuál fue la última película que viste?

T: [Entre risas] Gran Torino.

LB: ¿Qué libro estás leyendo?

T: Un libro japonés.

LB: ¿Cuál fue el último concierto al que fuiste?

T: Hace dos días terminamos el tour en Austin, Texas. Fue un gran concierto. Es el primero que me viene a la mente.

T: ¿Por qué son tan amables con nosotros?

LB: Porque nos da mucho gusto tenerlos por acá. Muchos somos fans de Mono y estamos muy felices de poder verlos en vivo.

T: ¡Muchas gracias!

Terminamos nuestra plática con una reverencia al estilo japonés. Taka es de las personas más sencillas y modestas que he podido conocer y eso se ve reflejado en la música de Mono.

La última visita del dúo noruego Datarock a nuestro país no sólo arrojó una buena presentación en el Pasagüero, sino también una charla con LifeBoxset.com, la cual tuvo lugar un par de días antes de su concierto en la Ciudad de México. Aquí les dejamos la transcripcción:

LifeBoxset.com: La vez pasada que vinieron a México se presentaron en un venue a su máxima capacidad, había como 1,000 personas en un lugar para 600 personas, ¿tienen miedo de que esto pueda pasar de nuevo?

Datarock: No, nada de miedo, al contrario, esperamos que pase de nuevo. Claro, esperamos que sea un lugar en el que si pasa cualquier cosa todos podamos salir. Creo que sería una buena idea que todos los venues tuvieran algo que asegurara que todos estuviéramos bien. Hemos hecho 600 shows y todo ha salido bien. El show que dimos en Pasagüero la vez pasada fue muy divertido, esperamos que eso pase de nuevo.

LB: ¿Pueden decirnos cuál ha sido el mejor concierto para Datarock?

Dr: Nuestro mejor show hasta ahora ha sido el que dimos en Australia, en un festival. Tocamos en plena noche, fue nuestro primer show en el que todo mundo se sabía las letras. Tenía algo muy especial ese show, estaban las estrellas, nosotros en medio del bosque, la gente junta compartiendo y cantando, había una energía increíble. Claro que fue especialmente raro, pero también especial.

LB: ¿Cuánta gente había?

Dr: Alrededor de 13 mil personas.

LB: Era mucha gente…

Dr: Sí, hemos tocado para más, para 24 mil personas y así, pero casi siempre es un festival al aire libre, y esta vez las 13 mil personas estaban como en un atrio, no sé bien qué era, más bien un anfiteatro en el bosque. Fue tan especial que nunca lo olvdaré.

LB:¿Cúando fue esto?

Dr: En el 2007.

LB: Hablando de otra cosa, ¿cómo se dio la relación de Datarock con los videojuegos, cómo fue este acercamiento?

Dr: Fue una total coincidencia, alguien que trabajaba en Electronic Arts nos conocía y así fue, tuvimos una larga charla y nos volvimos amigos, después de eso nuestras canciones se han usado como en 20 videojuegos como FIFA 2008 y 2009, FIFA Street, Need For Speed, etc.

LB: Tienen una muy linda canción llamada “Computer Camp Love”, el exitoso sencillo de su primer album, suena totalmente a los 70’s, ¿podrían decirnos qué instrumentos usaron en esta canción?

Dr: Pues la verdad es algo muy simple, un bajo Fender, un Korg, y algunos más. Es una producción muy sencilla. Lo que cambia en el set en vivo es que usmos batería real. No teníamos dinero para seguir trabajando la canción, así que decidimos dejarla así.

LB: Uds comenzaron como dúo, y siuen como dúo produciendo música, pero en vivo usan a diferentes personas, ¿alguna vez han considerado convertirse en una banda completa?

Dr: No, nunca.

LB:¿Cómo se imaginan la música de Datarock siendo una banda de cuatro ó cinco personas?

Dr: Sería de cuatro personas, no cinco. Nunca hemos sido menos de tres personas en vivo, somos varios sobre el escenario. Fuimos tres personas las que producimos la música. Nuestro baterista que vendrá ahora con nosotros a México es uno de los productores del disco, en Londres. Una cosa es el componer las canciones y el trabajo en el estudio y otra es la parte más importante de ser una banda, el tocar en vivo, y nosotros siempre hemos sido cuatro personas sobre el escenario. Cuando muchas personas escriben canciones, siempre van a querer meterle o quitarle cosas, es muy complicado. Realmente nunca hemos sido un dúo, sólo para componer, pero hemos sido una banda por nueve años. Nuestro baterista a tocado la batería con todo mundo, desde Robbie Williams hasta Stevie Wonder y nuestro saxofonista fue nombrado el mejor músico de jazz del año.

Mew visitó la Ciudad de México el pasado 10 de septiembre para ofrecer un memorable concierto ante un poco más de 2,500 personas en el José Cuervo Salón. Ese mismo día por la tarde, LifeBoxset.com tuvo la oportunidad de platicar con Silas, baterista de la banda danesa, en la terraza del hotel en donde se hospedaron. Aquí les dejamos la entrevista completa con Silas Graae de Mew.

LifeBoxset.com: ¿Puedes contarnos algo acerca del inicio de Mew, por ejemplo, cómo decidieron crear la banda, qué música escuchaban en aquellos días, qué los inspiraba, qué pasaba en esos días, en el sentido creativo?

Silas Graae: Creo que teníamos algo dentro de nosotros que realmente quería crear cosas y hacer música. Los demás de la banda hacían cosas en películas y un poco de música también, yo me uní un poco después. Estábamos decididos a hacer música, eso es lo que nos impulsa desde aquel entonces, el hecho de sacar nueva música es maravilloso y vale mucho la pena intentarlo. Llevamos ya un tiempo haciéndolo, eso nos hace sentir muy bien. Escuchamos todo tipo de música, es muy complicado señalar sólo a una banda como nuestra mayor influencia, es demasiado lo que recolectamos al escuchar toda la música que nos gusta, claro que a todos nos gustan bandas en común como los Pixies, Genesis, Prince, etc.

LB: Aparte de la música, ¿cuál es la relación que tienen con otras artes? Por ejemplo, la relación que tiene Mew con el cine.

SG: Las películas significan mucho para nosotros, nos aportan muchas cosas. Puede ser desde la música hasta que sirvan como fuente de inspiración. Para mí, las pinturas son una fuente de inspiración, ese tipo de arte me gusta.

LB: Ustedes estuvieron en tour con Nine Inch Nails, nos gustaría que nos contaras algunas experiencias. Sabemos que NIN es una banda muy visual al igual que Mew, ¿qué puedes decirnos de esta convivencia, y cómo funcionaba en el escenario?

SG: No estábamos en el mismo escenario al mismo tiempo claro, aunque esta vez fue mucho mayor el contacto, era el Farewelll Tour, el tour de despedida, había mucha energía. Tenían más producción, sobre todo luces. Creo que somos diferentes a Nine Inch Nails, musicalmente hablando. Fue una buena experiencia.

LB: ¿Qué pensaron cuando fueron invitaros por NIN, cómo se dio esta invitación?

SG: Trent nos invitó, fue algo muy padre, nos dio mucho gusto por que significa que le gustas a alguien que te gusta, por que si te están invitando pues… Nos hizo sentir especiales.

LB: ¿Cómo es su proceso de composición?

SG: El proceso de composición es una cosa muy grande, se lleva mucho tiempo, es un constante ir y venir de ideas, hay muchas maquetas y demos, para ver qué esta bien qué no, regresamos el día después para escuchar lo que grabamos y discutirlo, etc. La mayor inspiración siempre somos nosotros tres, trabajando juntos, contribuyendo con ideas que mejoren la música. Somos muy diferentes, por eso cuando juntamos y mezclamos todo, la música sale como sale. En la manera de escribir, no puedo decirte cómo lo hacemos, es algo que simplemente se da.

LB: ¿Es por eso que sus canciones son al mismo tiempo complejas pero sencillas?

SG: Sí, es una buena observación, es una mezcla de cosas que podrían ser complicadas y difícles de juntar, pero al final resulta ser bastante facil. No debería de ser tan raro, las diferentes texturas de la música son complejas, pero están ahí juntas.

LB: Eso se puede notar en canciones como “Am I Wry?” ya que cuando escuchas a las batería está por un lado y la guitarra aparece por el otro, son prácticamente dos canciones diferentes, pero cuando las juntas, es una sola creación.

SG: Sí, nos gusta pannear los tracks, usar diferentes bocinas para crear sonidos, y cosas por el estilo…

LB: Como en su nueva canción “Hawaii”, tiene ese mismo patrón de batería y de repente todo sale a flote.

SG: Sí, así es.

LB: ¿Qué puedes decirnos del arte de este nuevo disco?

SG: Lo hace MM Paris, es un despacho francés que también hizo el disco anterior, Kites, nosotros le mandamos la música para que ellos pensaran en el concepto, y salío algo parecido a un Gremlin, en la superficie parece lindo, pero tiene también un peluche desagradable que es medio sombrío y malévolo. Creo que es una buena representación de lo que hacemos y quedó perfecto para la portada con la mariposa y lo demás.

LB: ¿Qué pensaban acerca de México antes de que fueran invitados a tocar aquí?

SG: No había venido antes, es la primera vez que vengo, no sé mucho sobre México, pero sí me gustaría regresar.

LB: ¿Cómo es el público en lugares como Dinamarca o Reino Unido? ¿Alguna vez han oído algo sobre el público en México? Creo que se llevarán una sorpresa.

SG: ¿En qué sentido?

LB: Nos ponemos locos, como si fuera el último concierto al que iremos en nuestra vida.

SG: ¡No hay nada malo en eso!

LB: No, al contrario. Por eso preguntaba hace rato acerca de cómo era el público en Dinamarca.

SG: Es raro, en algunas grandes ciudades, la gente se comporta como si nada pasara, pero realmente lo que quieren es sacar eso que está dentro de ellos, pero tienen una barrera que se los prohibe. Mientras en otros lugares lo que están esperando es que lleguen los conciertos y las bandas a ellos.

LB: Ahora una preguntas un poco más personales, ¿qué estás leyendo actualmente?

SG: Estoy leyendo un libro sobre un autor alemán.

LB: ¿La última película que viste?

SG: En Nueva York fui a ver District 9, vi también la ñultima de Lars Von Trier, Antichrist. Por desgracia no he visto muchas películas últimamente.

LB: ¿Recuerdas alguna historia chistosa o rara que pasará durante la grabación del disco?

SG: Pasan todo el tiempo, creo que no soy el indicado para decir si algo es chistoso, me gustaría tener un montón de chistes en el bolsillo jaja pero no los tengo. Voy a pensar en ello para la próxima vez que vengamos.

El martes pasado, el grupo Mastodon, de Atlanta, Georgia, se presentó en la Ciudad de México para dar una cátedra de metal progresivo en vivo. Antes de que se subieran al escenario y justo después de que hicieran soundcheck, pudimos hacerle un par de preguntas a Brann Dailor, baterista, vocalista y letrista de Mastodon y grabarlas en video (la cual estará proximamente en LifeBoxset.com en video). Por ahora les dejamos con el texto de una pequeña parte de dicha entrevista y unas cuantas fotografías.

LifeBoxset.com: ¿Cómo lograron sacar un disco tan personal, debido a lo que pasó con Brent y mezclarlo con teorías de Stephen Hawkings, hoyos negros y ponerle historias de Rusia en la época de los zares?

Brann Dailor: Rusia siempre ha sido, estéticamente, un punto importante para el arte de Mastodon, desde Remission, es algo de lo que platicamos con mucho detalle con nuestro diseñador Paul Romano. Siempre habíamos querido poner eso ahí, incluso desde antes del disco Leviathan, había la intención de hacer un disco que de alguna manera fuera sobre Rusia, como “Crimen y Castigo” y esas cosas, pero fue hasta este album que pudimos realmente hacerlo. Lo que pasó con Brent tuvo cierto impacto en el disco, líricamente hablando, pero para mí, la mayor parte de las letras que escribí tienen que ver con tragedias personales que viví en la infancia, con asuntos como el suicidio de mi hermana, me dí cuenta de que Brent venía de un lugar más profundo, sobre todo en su manera de tocar la guitarra, incluso sus riffs de tenían una carga mucho más emocional. Nos dimos cuenta de que era el disco perfecto para ponerle el nombre de Skye. Líricamente hablando, tiene mucho que ver con las leyes y esas cosas, entonces parecía encajar perfectamente con todo el asunto de las historias, eso es para mí, pero si le preguntas a alguien más, cada persona en la banda tiene una historia diferente acerca de qué significa este disco para esa persona en particular y esperamos que sea el mismo caso con los fans. Tratamos de hacer que ellos canten cada línea de las canciones como si fuera una situación en la que ellos se encuentran. Yo hago eso, tú haces eso, todos lo hacemos con la música, sientes que la canción fue escrita para tí por el grupo, es TU canción, dices “esas letras significan tal cosa para mí, en la situación personal en que me encuentro”. Significan lo que tienen que significar para cada persona que las escuche. Siento que pusimos muchísimo de nosotros mismos, emocionalmente hablando, a la música, así que puede pasarle lo mismo a alguien más, por que estamos todos conectados.

LB: ¿Qué puedes decirnos acerca del concepto de los 4 elementos que envuelve a Mastodon?

BD: Siempre ha estado ahí desde el principio, es un tema de interés para nosotros y por eso lo hacemos. Decidimos no hablar tan literalmente de las cosas cotidianas, pero sí hablar de aquellas que son superiores a nosotros,  de las cosas que están totalmente fuera de nuestro control, claro, todo está fuera de nuestro control, pero me refiero a las cosas superiores que podemos ver: la Tierra, las montañas, criaturas mitológicas, etc. Lo hace más divertido en un aspecto y en otro aspecto es una forma de explorar de mejor forma lo que es la Vida, y las grandes preguntas acerca de ella. Tratamos de combinar ambos y ponerlos en nuestra música. Yo creo que cantar acerca de cosas que pudieran ser más superficiales, y no quiero decir que la política sea superficial, ya que cuando hablas de política hay situaciones muy profundas que afectan al ser humano. La política y la religión son temas difíciles. Pero hemos tomado la decisión de dejar esas cosas atrás y tratar de hablar de temas como la naturaleza, el océano, la incontrolable obsesión humana y cosas por el estilo.

Después de que terminamos la entrevista, y mientras Brann firmaba algunas cosas, platicamos acerca de la música que estaba escuchando y nos comentó que el último disco que había escuchado y que lo tenía totalmente atrapado era el último de Mars Volta, llamado Ochtaedron. Nos platicó también que le tomó cerca de cinco escuchadas al disco completo, poder meterse de lleno al mismo, ya que está lleno de sonidos y es más obscuro que los anteriores. También platicamos acerca de su fascinación por Alejandro Jodorowsky, sobre todo de su cine, todo esto surgió por un comentario que hice acerca de una playera suya de Santa Sangre (película de Jodorowsky). Brann comentó que en un pequeño cine en Atlanta, donde viven, proyectaron El Topo y ahí fue donde compró su playera, de la cual por cierto, compró dos extras para sus amigos Omar Rodriguez Lopez y Cedric Bixler Zavala, integrantes de Mars Volta.

Fotos: Daniel Patlán

El pasado jueves, los creadores del grupo Megapuss (Devendra Banhart y Greg “aka: Gregorio, según palabras de él mismo” Rogove) vinieron a la Ciudad de México a presentarse un DJ Set durante una fiesta organizada por Hornitos, previo a esta fiesta, tuvimos la oportunidad de tener una muy agradable charla con el dueto, mientras cenaban en su hotel. La pareja aportó mucho a la entrevista, haciendola en español (a petición de ellos mismos) y portandose bastante accesibles.

LifeBoxset.com: Es la segunda vez que vienen como Megapuss al D.F., la primera fue para tocar en el marco del festival FICCO, ¿a qué se debe su visita esta vez?

Greg: Venimos para tocar en la fiesta Mischieve Catwalk de Hornitos y también vamos mañana a Guadalajara para tocar también en una fiesta.

LB: ¿Cuál es la relación entre la canción “Cristobal” del disco Smokey Rolls Down Thunder Canyon y el personaje principal de la película “Déficit” de Gael García Bernal? (nota: el personaje principal también se llama Cristobal, y la canción de Devendra fue usada para los créditos finales de dicha película)

Devendra: No solamente es mi canción, Greg toca en ella también. Yo estaba escribiendo una canción que tenía que ver con Venezuela, mi primo se llama Cristobal, estaba escribiendo una canción sobre colonización y sobre esa actitud que era más prevalente en los últimos años de los 60’s y en los 70’s, todavía sigue, pero de una manera más callada, domesticada y más inconsciente. Tiene que ver con la perspectiva que no es del colonizador o los colonizados, sino sobre la Tierra que está siendo colonizada. Yo también tengo esa actitud, tratando de escribir en la perspectiva de la Tierra, no de la gente, y es imposible, no lo puedo hacer, pero por lo menos puedo tratar, prefiero hacer eso a tratar de hacerlo desde la perspectiva de una persona, porque una piensa que tiene la razón y la otra cree lo mismo. Entonces, estaba haciendo esa canción y Gael me dijo que estaba haciendo una película, que tenía que ver con una persona aceptando la realidad de su vida y metiéndose en problemas. Y cuando leí el guión, era como la perspectiva íntima y personal y lo que yo estaba escribiendo en la canción era más bien general y menos personal, entonces traté de meterle esa perspectiva a la canción, era algo más general, acerca de la perspectiva de los colonizados y colonizadores y la perspectiva de la Tierra que está siendo colonizada. Le llamé “Cristobal” porque es el nombre del personaje de Gael, pero también es el nombre mi primo y para mí simboliza Latinoamerica, porque tiene estos sueños tan grandes, que sigue soñando, la actitud de toda la gente que no es super-jóven, pero tampoco muy viejos, es cómo “sí, seguimos soñando, el sueño todavía no ha pasado”.

LB: ¿Cómo empieza Megapuss, cómo se les ocurre?

G: Fue cuando estábamos de gira con el disco Smokey Rolls Down Thunder Canyon y recibimos unos extraños mensajes de texto de una amiga que es de Suecia, ella nos mandaba mensajes que decían: “puss puss puss, mega puss”, pero ella es una chica linda y amable, entonces nos preguntábamos: “¿por qué está siendo tan provocativa, por qué nos está mandando esto tan asqueroso y desagradable?” pero realmente lo que nos estaba diciendo era: “beso beso beso, gran beso” en sueco. Entonces, básicamente ella descubrió Megapuss por nosotros, y escribimos primero los títulos de las canciones y así fue.

LB: Hablando de canciones, ¿cómo elijen qué canciones son para sus proyectos solos y cuáles para Megapuss?

D: Las canciones bellas y tristes las usa Greg para su grupo Priestbird que en español es “cura ave”. Las canciones más como divertidas, las uso para las cosas mias del grupo, y la peor idea va para Megapuss, pero también son las más divertidas.
G: También hay una cosa que es muy especial y eso es que simultaneamente tienes algo que es muy divertido, pero al mismo tiempo hay drama, quizá no te das cuenta en la primera oída, pero está ahí, por debajo de la superficie. Es el perfecto drama, algo lleno de significado.
D: No es que todo sea un chiste, pero como nació espontaneamente, y la meta era mantener esa semilla de espontaneidad, mantener un pie en el mundo de donde viene esa canción que no se cómo se llama, no se de dónde viene. En vez de tratar de ponerle la ropa, o cómo viene un niño desnudo y despues le ponemos la ropa, así queremos las canciones aquí, las dejamos desnudas. Vino espontaneamente, no es que sea un chiste, no es un chiste todo, tiene que ver con tratar de mantener ese momento de “¿qué va a pasar?” nosotros no sabemos. Todas las canciones fueron escritas en 5 minutos, en nuestra gira, cada 5 minutos antes de tocar nos dice nuestro manager: “quendan 5 minutos” y en ese tiempo teníamos que escribir una canción, esa era la regla. Grabando, fue mucho tiempo, muchos instrumentos. No íbamos a grabarlo en 5 minutos. Pero sí las escribimos así, ese relámpago de insipiración, esa ventana, dura 5 minutos y hay que apurarse. Es un honor que tengo un compañero con quien puedo escribir así.

LB: “Adam & Steve” suena como Santana en los 60`s, pero “Theme From Hollywood” suena como The Beach Boys…

D: Bueno, una cosa, Megapuss no es solamente Greg y yo, está Farbizio Moretti, baterista de los Strokes, y para él también es como un escaparate. Hay melodías y canciones que ha escrito, que no son para The Strokes ni para Little Joy, es cómo para él un momento de divertirse, dejarse llevar por el momento e improvisar, y esa canción (“Theme From Hollywood”) es la primera canción que Fab canta completa.
G: Es una cosa muy especial. Para él y para nosotros.

LB: Ahora unas preguntas un poco más personales. ¿Cuál fue el último disco que compraron o que escucharon completo?
D: Para apoyarla, por qué es una de mis mejores amigas en el mundo, compré el disco de Bat For Lashes, el Two Suns, también compré el álbum de Grand Masterflash and the Furious Five- The Message y el de Hecuba- Paradise.
G: Yo compré Fleet Foxes, el álbum de Paul McCartney- McCartney 2. Él compró Oasis
D: La verdad es que acabamos de hacer un remix de Oasis.

LB: ¿Cuál fue la última película que vieron?
G: “Sin Nombre”, es una película increíble.

LB: ¿Cuál fue el último libro que leyeron?
G: Estoy leyendo un libro de chile, que se llama “2666″ de Roberto Bolaño, sobre las muertas de Ciudad Juárez, es ficción, pero tiene detalles de los asesinatos. Un libro muy bello, con una historia increíble.
D: Yo estoy leyendo un libro que se llama “Who Built The Moon?” (“¿Quién construyó la Luna?”), no se por quién es, pero es un manifiesto acerca de cómo la Luna debió de haber sido construida por alguien, en lugar de ser una estructura orgánica. Tengo muchos libros en la casa, en cada cuarto tengo libros. Estoy leyendo “What is the what?” de Dave Eggers, casi siempre estoy leyendo mi libro favorito en el mundo, “Mulata” de Migual Angel Asturias, un poquito de Alan Moore, novelas gráficas. y “2012″ una antología de difernetes autores sobre lo que significa física y espirutalmente.

LB: ¿Cuál fue el último concierto al que fueron como fans?
G: Fleet Foxes, Little Joy y Warpaint.
D: Para mí fue Little Joy Y Warpaint, un grupo que se llama Amazing Babies de Brooklyn y también fui al record release de Hecuba.

LB: ¿Qué sigue para Megapuss?

D: Otro disco, pero tienes que preguntarle a nuestra manager…
Manager: Va salir a finales de año, lo van a hacer en México, lo vamos a hacer en la playa en 2 meses. Estamos pensando en ir a Oaxaca.
G: Puerto Escondido.

LB: Algo más que quieran agregar o decir…

D y G: “Sin Nombre”
D: Me gustaría decir que no se olviden que en México hay una historia de música tan fuerte, tan increíble, y de repente los grupos como Trío Matamoros, Los 3 Ases, Los Panchos, grupos así, que son tríos, tocan las canciones más bellas del mundo que de repente, cuando eres un poquito joven y te gusta la música dices: esa es música de mi mamá, de mi papá y no me gusta, pero la verdad es que es la música más fuerte y más punkrock que existe, no te olvides que tienes una música fuertísima, increible, super elegante, super punkrock y bueno, me encantaría escuchar grupos jóvenes implementando ese estilo o esa estética en su música, es es todo por favor. Nosotros somos un ejemplo, de que no tienes que saber cómo cantar, no tienes que saber cómo tocar guitarra, no tienes que saber como hacer un coño, simplemten tienes que hacerlo.

LB: ¡Muchas gracias!

D: ¡Un placer!

Durante los últimos días, The Horrors ha sido una banda muy hablada en blogs, revistas y medios especializados en música. ¿Por qué? Acaban de publicar su segundo larga duración (reseñado en LifeBoxset.com), vendrán a México por segunda ocasión y (como buenos y valientes músicos que son) no le tuvieron miedo al virus que ha atacado al mundo durante las últimas semanas. Por estas razones, LifeBoxset.com tuvo una muy agradable charla con ellos, la cual empezó con un “Hi, amigo!” y terminó con buenas recomendaciones de música. Lo siguiente sucedió durante una lluviosa tarde de mayo.

Lo primero que les preguntamos fue la razón por la cual decidieron trabajar con Geoff Barrow (integrante de Portishead) en la producción de este disco. Contestaron lo siguiente: “Lo que buscábamos era alguien que no fuera un productor de música, pero que tuviera idea de cómo grabar, que explorara y experimentara. Alguien que no hiciera siempre las mismas cosas dentro del estudio como un productor normal”. Nos dijeron también que buscaban a alguien que tuviera una fuerte relación con los procesos de grabación. “Alguien científico, que tuviera una actitud punk-rocker al momento de grabar. Todo esto lo encontramos en él. Además, es un gran músico y alguien a quien artísticamente respetamos mucho”.

¿Cuáles fueron las cosas que aprendieron al trabajar con él?. Nos contaron que estuvieron componiendo y grabando el disco durante el verano pasado, día y noche, en un lugar que tenían en Inglaterra. Estuvieron explorando y experimentando demasiado con los sonidos y con nuevos instrumentos. “Cuando Geoff escuchó lo que habíamos hecho nos dijo que le había gustado mucho, y no cambió nada, mas bien nos dijo que nos enfocáramos en ciertas cosas ya que, como teníamos muchas texturas y sonidos, podíamos perdernos facilmente en ellos”.

La plática siguió y les preguntamos si el cambio entre Strange House, su primer disco y Primary Colours, el segundo, había sido algo planeado y cómo surgió (durante este momento de la entrevista sonaban muy relajados y con muchas ganas de platicar). “Nada fue planeado. Cuando algo es planeado no sirve, tiene que ser real. Habíamos estado de gira mucho tiempo y teníamos muchas ganas de trabajar en nuestro segundo disco. La canción “Three Decades” fue la iniciadora de todo, con ella comenzamos a escribir este disco”. También mencionaron que el sonido de este disco surgió de disfrutar cuando tocan, ya que de esa manera el sonido toma diferentes direcciones y resultan cosas interesantes.

Al momento de preguntarles sobre la diferente alineación para este disco, nos comentaron que, al momento de grabar y escribir el disco, la idea consistió en que todos tocaran cualquier instrumento, sin limitarse al que habían tocando, de esa manera, todos tocaron y grabaron distintos instrumentos. “Queríamos incluir ideas de toda la banda, crear diferentes sonidos con diferentes instrumentos”.

Hablaron también sobre la decisión de sacar como primer sencillo “Sea Within a Sea”: “Veníamos escuchando el disco desde hace un año y medio, nadie sabía a qué sonaba, excepto nosotros. Pensamos que “Sea Within a Sea” engloba todo el sentimiento, toda la idea del disco y del nuevo sonido que lo representa. Sentíamos que representaba quienes éramos en aquel momento. Es una muy buena introducción al nuevo sonido”.

Les preguntamos de qué manera habían cambiado sus presentaciones en vivo, cómo lograban tocar canciones tan diferentes como “Scarlett Fields” y “Gloves” en un mismo show: “No estamos tocando canciones viejitas, bueno sí, pero no en todos lados. En Estados Unidos, por ejemplo, solo hemos tocado canciones de Primary Colours. Queremos presentar el nuevo disco”. A raíz de esta respuesta, les preguntamos si tenían pensado hacer eso en su próximo concierto en la Ciudad de México: “No, no, ahí tocaremos canciones de ambos discos”. También expresaron la emoción que sienten debido a su próxima presentación en México. La idea de tener un show solo para ellos y tener un público únicamente para ellos les gusta mucho. “Nos sentimos más cómodos al tocar en un club o en un lugar pequeño” comparándolo con su anterior presentación en el Manifest 2007.

Para finalizar les preguntamos algo más personal:

¿Cuál fue el último disco que compraron? “Alexander Spence – OAR” (por cierto, nos lo recomendaron mucho, tiene un sonido parecido a Syd Barret, un sonido de alguien que escapó de un hospital psiquiátrico y con el dinero que le dio la disquera percibido por el disco compró una motocicleta y viajó de California a Texas, donde finalmente grabó el album).

¿Cuál fue la última película que vieron? “¡La Trilogía de Star Wars! Trajimos unos cuantos DVD’s para entretenernos durante la gira en Estados Unidos, pero no se pueden ver por que la región es diferente, así que compramos la trilogía el día de ayer ya que lo tuvimos libre”.

¿Qué libro están leyendo actualmente? “Berlin Years de David Bowie. Es buenísimo, cuenta cómo fue trabajr en Berlín, con Lou Reed y demás personas. Como músico es interesante leer sobre músicos que admiras”.

Por último, ¿cuál fue el último concierto que fueron como espectadores o fans? “DAF, es un grupo alemán de música industrial. Los vimos antes de venir a hacer tour por América”.

Así terminó nuestra grata y amena charla con The Horrors, quienes mostraron una alegre actitud y parecen estar muy emocionados por venir a México por segunda ocasión

The Horrors se presentarán el próximo 23 de mayo en el José Cuervo Salón y aquí, en LifeBoxset.com, regalaremos boletos el lunes 18 de mayo.

Como parte de la promoción del cuarto y más reciente disco de Metric titulado Fantasies que ya está en las tiendas de discos, y agradeciendo a la disquera Arts & Crafts, tuvimos la posibilidad de tener una breve pero substanciosa plática con James Shaw, guitarrista y productor de este nuevo álbum de Metric. Esto fue lo que nos contó:

Empecemos platicando acerca del nuevo disco. ¿Cómo te sientes?
Muy bien, todos en la banda estamos muy emocionados y al parecer la respuesta de la gente ha sido muy buena. Nos han estado buscando mucho para hablar sobre el disco y ahorita ya estamos bien ocupados.

¿Dos años es el tiempo ideal para sacar un nuevo disco o piensas que tardaron demasiado?
Uh… bueno… más bien creo que depende de los objetivos que tengas y las cosas que hagas para realizar el mejor disco que puedas hacer. Pero tampoco puedes esperar tanto, pues puedes olvidar quién eres y la esencia de tu música. Debes de pensar en los dos factores y siempre aprovechar el momento por el que estás pasando. El chiste es hacer lo que tengas que hacer para que tu disco salga como quieres.

¿Le quisieron entrar más al mianstream con este nuevo álbum?
No es algo que busquemos a pesar de que la gente lo diga. Lo interesante de los fans es que siempre intentan irse de un lado para otro cuando hablan de música, pues eso crea historias interesantes para ellos. El hecho de decir que es un álbum pop o que suena más rockero crea historias que sirven para hacer hablar a la gente, pero nada más. Además, si la gente empieza a decir que este disco es más mainstream, pues quizás logren que se realmente lo sea. Lo único que creo es que en este disco, Metric es más Metric.

¿Qué aspectos de la vida son los que influyen más en Metric?
Nosotros definitivamente nos influenciamos por experiencias de vida, películas o cosas así. Nos gusta mucho convivir con la gente, aprender de ella y así lograr cosas que nos ayuden en nuestra música. En casi todas las entrevistas te preguntan por influencias musicales, pero por ejemplo… nosotros decimos que bandas como Stars o Broken Social Scene son de mucha influencia para nosotros, pero no por la música, sino porque nos llevamos muy bien y cada banda aprende de las otras. Nunca nos metemos al estudio para decir “queremos sonar como ellos”.

Sé que Metric se formó en la ciudad de Nueva York y luego regresaron a Canadá, que es su país de origen. ¿Todo eso lo hicieron para hacer crecer a la banda?
Bueno éramos muy jóvenes y en ese entonces era muy difícil ser músico en Canadá, no había suficientes oportunidades y por eso decidimos irnos a Nueva York. Después regresamos a Canadá porque la escena había crecido y todo estaba mejor.

¿Cómo está la situación musical en Canadá ahora?
En siete u ocho años cambió mucho, ahora es genial vivir en Canadá como músico. Puedes ir a cualquier lugar del mundo diciendo que tu banda es canadiense y la gente la va a escuchar. La situación en Canadá es fantástica, todas las bandas se conocen entre sí, hay muchos buenos amigos y artistas que nos apoyamos mutuamente. Ninguna banda busca lograr el éxito a costa del fracaso de alguna otra, somos más como una comunidad.

Por ahí leí que Emily se fue a Argentina para darse un descanso y por así decirlo… deshacerse de sus demonios antes de componer el nuevo disco. ¿Hiciste algo similar o cómo fue que te preparaste?
Sólo estuve en casa, hace mucho que no estaba ahí. Por mucho tiempo estuve viviendo en pequeños departamentos, durmiendo en sillones y así. Así que compré una casa en Toronto donde puse el estudio de grabación. Decidí dejar a un lado las mudanzas a las que estaba acostumbrado y reencontrarme con viejos amigos, familia… tú sabes, intentando vivir como un ser humano.

¿Y funcionó?
Claro, totalmente. Estuve produciendo otras bandas en el estudio y eso me ayudó a darme cuenta del momento que estaba viviendo y así ponerle todas mis ganas al reencontrarme con Metric. Fue como tomar vuelo.

Supongo que hay muchas ventajas al ser el productor de tu propio disco, pero ¿existen algunas desventajas?
Sí claro, como músico y productor es algo difícil concentrar la mente en las dos cosas y hay momentos en los que te bloqueas. Pero aún así, el dinamismo y la relación entre nosotros nunca había estado mejor, todos llegamos al estudio con la mente limpia, el corazón lleno y con muchas ganas de trabajar.

¿Y los demás confían en ti plenamente como productor?
Sí, muchas veces me decían “ok ponte a pensar y mientras nosotros nos vamos a comer algo”, jaja.

¿Qué música has escuchado últimamente?
Mmmm… hay un DJ brasileño que me gusta mucho, se llama Gui Boratto, lo he estado escuchando mucho. Y pues lo de siempre, discos viejos de los Rolling Stones y así, me gusta mucho escuchar discos clásicos.

Por último, ¿hay alguna modita musical que te desagrade?
No sé… en cada estilo musical hay quienes hacen cosas realmente buenas y otros que hacen cosas realmente malas. Es lo interesante de la música, por ejemplo, si alguien toca un acorde y otra persona toca el mismo acorde, cada uno lo va a ser con un sentimiento diferente. Todo depende en la emoción que se le dé a la música. Pero sí, definitivamente hay cosas horrendas.

Esta vez nos tocó platicar con Sam Spiegel (Squeak E. Clean), productor, DJ, compositor e importante mitad del proyecto N.A.S.A. Nos platicó sobre su disco debut The Spirit of Apollo y algunas historias que existen alrededor de éste. También hablamos un poco sobre política, sobre Ol’ Dirty Bastard y algunas cosas de su vida personal.

Lo primero que le preguntamos fue acerca de cómo eligieron a las personas con las que decidieron trabajar, ya que en su disco debut hay cerca de 40 colaboraciones, a lo que Sam Spiegel contestó: “Lo primero que hicimos fue escribir la música y producirla, y una vez terminado este proceso, vimos qué o quién podría quedar bien para cada canción”. Cuando le preguntamos si habían tenido alguna anécdota curiosa durante la realización de este disco (el cual tardó cinco años y medio en ser terminado), Spiegel nos contó que fueron a Jamaica a grabar con Cee-lo y estuvieron ahí echando la fiesta, fumando ganja y disfrutando del clima, “pudimos ver un Jamaica que los turistas nunca ven, un Jamaica diferente al que se conoce”.

Debido a la gran cantidad de invitados y a que participan clásicos de la música como Tom Waits, Rza, David Byrne o Fatlip, así como artistas de la escena moderna como Kanye West (con el que trabajaron en Hawai), M.I.A o Karen O de los Yeah Yeah Yeahs, le preguntamos si les había faltado alguien o se quedaron con ganas de tener algún otro invitado. Spiegel contestó (sin pensarlo un solo momento): “¡James Brown!”. Dijo que él era su músico favorito y que lo estuvieron buscando pero por su gira nunca tuvo tiempo de grabar, y después murió, así que nunca pudieron concretar ese encuentro, cosa que le da tristeza a Spiegel.

La siguiente pregunta fue acerca del documental que acompaña a The Spirit of Apollo, nos comentó que lo hicieron durante la realización del disco. Lo grabaron alrededor del mundo, desde Hawai, Jamaica, hasta Nueva York, entre muchas otras ciudades. Les permitió trabajar no sólo con artistas de gran calidad sino también con sus artistas visuales favoritos, y terminó siendo mitad documental, mitad animación.

Ellos han declarado que quieren hacer música que una a la gente sin importar razas, religiones ni ideas políticas, razón por la cual le preguntamos su opinión acerca de los conflictos en la franja de Gaza, siendo éste uno de los acontecimientos más fuertes de los últimos meses. Spiegel se mostró interesado y al mismo tiempo triste (como la mayoría de nosotros) por lo que pasó: “tengo fe en la humanidad y en que encontraremos la manera de vivir en paz unos con otros”.

De ahí pasamos a un tema muy interesante, la última canción que grabó en vida el rapero del Wu Tang Clan, Ol’ Dirty Bastard, en la cual participó también Karen O de los YYY en las vocales, la cual está incluida en el disco debut de N.A.S.A bajo el nombre de “Strange Enough”. Spiegel dijo que se sentían bendecidos y agradecidos por haber tenido la oportunidad de trabajar con él, “Es una de las mejores cosas que nos ha pasado, gracias Dirt”. Nos dijo también que Karen O grabó primero las vocales y después lo hizo Ol’ Dirty Bastard.

Ya para finalizar, le hicimos unas preguntas más personales…

¿Cuál fue el último disco que compraste?

Déjame ver, aquí tengo una bolsa de discos que compré ayer, compré dos discos de un grupo que se llama Tom Tom Club, uno es homónimo y el otro se llama Boom Boom Chi Boom Boom. También compré el nuevo de los Yeah Yeah Yeahs.

¿Cuál fue la última película que viste?

Dancer in the Dark de Lars Von Trier, en la que sale Björk. Ya la había visto pero la volví a ver. Es una gran película.

¿Cuál fue el último libro que leíste?

El último fue El Alquimista de Paulo Cohelo, y ahorita estoy leyendo El Amor en Tiempos de Colera de Gabriel García Márquez, ya leí Cien Años de Soledad y me gustó mucho.

Recuerden que el próximo 25 de abril N.A.S.A. estará tocando en el Pasaje América.

Por Christian Rojas y Mauricio Barrón

Hace unos pocos días tuvimos la oportunidad de platicar por teléfono con Keigo Oyamada, mejor conocido como Cornelius, quien atendió a nuestra llamada hasta Japón y contestó algunas de nuestras preguntas. Keigo ha sido comparado con músicos como Beck y ha sido influenciado por bandas como The Velvet Underground, por lo que nos aventuramos a platicar con él acerca de sus producciones musicales y su punto de vista sobre tecnologías y la manera en la que ha evolucionado la música hasta nuestros días.

Iniciamos por preguntarle sobre su visita a México, a lo que se mostró emocionado: “Visitar México es una buena oportunidad para conocer su cultura, visitar algunos lugares y probar su comida. Todo se facilitó gracias al pequeño tour que vamos a hacer por E.U. después de visitar México“.

Continuamos preguntando un poco por sus proyectos actuales. Keigo nos comentó que actualmente estaba trabajando en su estudio/oficina “desde las 12 del día hasta media noche todos los días en música para el sitio de una marca japonesa de ropa (http://www.uniqlo.com/try/), además acabo de regresar de Nueva York, donde estuve grabando algunas temas con Yoko Ono y su Plastic Ono Band“.

Y ya entrados en el tema de la música, le preguntamos sobre su opinión acerca de la música en MP3, la perdida de calidad en la música al ser descargada en este formato y hacia dónde siente que va la música en Internet. Keigo se mostró optimista sobre este tema: “La perdida de calidad en MP3 no es tan significativa como muchos piensan, yo solía tener mucha de mi música favorita en cassettes y ahí también había perdida en la calidad pero la música seguía ahí. Creo que en los próximos años la calidad va a continuar mejorando y es un excelente medio para promover la música de los artistas“. Al preguntarle sobre sus hábitos de descarga en Internet sólo comentó “definitivamente compro muchos más discos de los que descargo“.

Finalmente y adentrándonos un poco más en el tema de su presentación, continuamos preguntándole sobre el Sensous Synchronized Show: “es un espectáculo totalmente visual donde las luces y la música van sincronizados para crear una experiencia completa. No se trata de utilizar lo último en tecnología de vanguardia, somos simplemente una banda regular: bajo, bateria, guitarra y algunos sintetizadores. Definitivamente utilizo mucha tecnología en el estudio a la hora de editar y producir, pero el show es algo mucho más orgánico“.

Recuerden que Cornelius se presentará en la ciudad de México el próximo 8 de mayo bajo el formato de The Cornelius Group Sensous Synchronized Show en el Lunario del Auditorio Nacional. Los boletos tienen un costo de $320 en Ticketmaster.com.mx y en las taquillas del Auditorio Nacional.

Por Mauricio Barrón

Hace unos días tuvimos la oportunidad de platicar con Kevin Shields y Bilinda Butcher de My Bloody Valentine a unas horas de haber concluido con un concierto en el Santa Monica Civic de Los Angeles, la primera gira de la banda en 16 años.

La conversación fue breve pero iniciamos con preguntarles sobre su gira recién concluida, a lo que se mostraron completamente satisfechos con el resultado: “Estamos muy contentos, ha sido una gira corta pero estamos muy contentos de estar de vuelta“. Respecto al futuro de la banda, Kevin nos comentó que definitivamente hay un futuro en el corto plazo para la banda: “Por el momento, Colm se queda aquí en Estados Unidos para trabajar con su otra banda y Bilinda y yo regresaremos a Londres para trabajar en el próximo disco“. Y hablando de este último tema nos dijeron que, como ya se ha comentado en otros medios, ya hay avances hechos y ahora hace falta dar los últimos toques para tenerlo listo, tentativamente, en febrero del próximo año. Junto con este lanzamiento definitivamente habrá una nueva gira de la banda donde esperan visitar nuevos lugares.

Sobre una posible visita a México en su próxima gira, nos comentaron que incluso “hubo contacto con un promotor en México para estar por allá durante esta gira, sin embargo por problemas de dinero no se pudo concretar ya que haber ido a tocar a México hubiera implicado una perdida económica para la banda“, sin embargo, se mostraron muy interesados por venir a nuestro país para una fecha en su próxima gira.

Así que ya saben, hay My Bloody Valentine por mucho tiempo más. Empezando por el nuevo disco que probablemente estará listo en febrero y la idea de tenerlos en México no es tan descabellada como parece.

Aquí les dejamos unas fotos del concierto de My Bloody Valentine en el Santa Monica Civic de Los Angeles, del pasado 2 de octubre de 2008.

Los invitamos a ver las fotografías del concierto tomadas por Losanjelous.

La primer entrevista para LifeBoxset.com ha llegado y justamente la semana pasada, Jim James, líder y frontman de My Morning Jacket, platicó un poco con nosotros y muy amablemente contestó a nuestras sencillas preguntas. Para comenzar, recuerden que My Morning Jacket visitó México el pasado 12 de abril para participar en el Coca-Cola Zero Fest, al lado de Bright Eyes, Smashing Pumpkins, The Mars Volta y más bandas, y sobre esto, y más temas -cómo el origen de su sonido, piratería, sus presentaciones en vivo, y más- platicamos lo siguiente:

LifeBoxset.com: Recientemente visitaron la Ciudad de México por primera vez para un festival considerablemente grande. ¿Qué tal su experiencia en el escenario frente a tantas personas, la mayoría de ellos nuevos a la música de My Morning Jacket?

Jim James: Nos sentimos muy bien! El público mexicano parecía muy entusiasta. Notamos que muchos estaban esperando a Mars Volta, pero hicimos nuestro mejor esfuerzo para ganarnos su atención y divertirnos. Lo sentimos como un triunfo.

LB: ¿Encontraron a muchos fans de la banda? ¿Esperaban esto?

JJ: Encontré a más personas que conocían más de la banda de lo que esperaba, eso estuvo muy bien.

LB: ¿Qué tal sienten que su show se transmite en festivales grandes? ¿Prefieren públicos grandes o más pequeños?

JJ: Creo que todo depende más bien del día y el lugar. Hemos tenido presentaciones excelentes en lugares grandes y pequeños. Sólo depende del ánimo y la gente.

LB: My Morning Jacket tiene un sonido de gran calidad tanto en discos como en las presentaciones en vivo. En lo particular, los hemos visto un par de veces (en Coachella 2006 y el Coca-Cola Zero Fest en la Ciudad de México) y en ambas ocasiones su sonido ha estado extraordinario, en especial las guitarras. ¿Qué equipo usan regularmente para sus guitarras en vivo?

JJ: ¡Muchas gracias! Tengo que darle mucho crédito de nuestro sonido en vivo a nuestro ingeniero Ryan Picket. Ha estado con nosotros por un buen tiempo y tiene muy buen oído. Nos sentimos muy afortunados de tenerlo. Yo uso amplificadores Mesa Boogie con una gran variedad de pedales, Carl usa Amplificadores Top Hat y Carr.

LB: Muchas bandas, para obtener un sonido más natural o fluido en sus discos, deciden grabar todos los instrumentos al mismo tiempo. ¿Cómo fue su acercamiento al grabar el Evil Urges?

JJ: Lo hacemos de ambas formas. Tratamos de grabar tanto como sea posible en vivo, todas las baterías, el bajo, las guitarras y los teclados principales, y, algunas veces, también las voces. Después vamos al estudio y grabamos overdubs con otras guitarras, teclados, voces, etcétera.

LB: ¿Qué bandas nuevas estás escuchando últimamente? ¿Alguna banda nueva en particular que creas que crecerá para convertirse en una banda grande en unos años? ¿Por qué?

JJ: Me gusta mucho Dr. Dog de Philadelphia. Tienen un sonido clásico excelente, pero igual suenan nuevos al mismo tiempo. John Callahan de Portland también es muy bueno. Su disco, Purple Winos In The Rain, es un gran disco para escuchar en cualquier momento.

LB: ¿Tuviste oportunidad de escuchar a alguna banda local mientras estuviste en México? ¿A quién?

JJ: Desafortunadamente no, pero había escuchado “El Hombre Bala” desde antes y me gusta su sonido.

LB: ¿Es difícil mantener a su publico entretenido o atento durante sus shows largos, como los de “An Evening with My Morning Jacket” que han estado haciendo recientemente?

JJ: No realmente. Solo siento que nos da más tiempo para hacer más sonidos, y la gente va a decidir si están entretenidos o no. Simplemente tratamos de tocar lo mejor posible.

LB: ¿Qué tal fue la experiencia de tocar de 12 a.m. a las 3 a.m. en el festival Bonnaroo de este año? ¿Como respondió el publico a este show tan tarde?

JJ: En realidad tocamos hasta las 4 a.m. y estuvo increíble. Llovió y diluvio y el equipo tuvo problemas pero los ánimos arrasaron. Siento y espero que todos la hayan pasado muy bien.

LB: Durante esta presentación (Bonnaroo) tocaron Evil Urges en su totalidad excepto por “Look at You” y “Remants”. Con un espacio de tres horas para su show, ¿por qué no incluyeron estas canciones en su set?

Supuestamente íbamos a tocar esas canciones pero por problemas técnicos con la lluvia tuvimos que cortar muchas canciones del set.

LB: ¿Cuál es tu festival favorito? Tanto como público, como músico.

JJ: Me divierto mucho en varios festivales. Bonnaroo es como nuestro festival de casa porque hemos estado ahí mucho, pero me he divertido mucho en Lollapalooza y en Glastonbury, este año pude subirme a una máquina del tiempo. Estuvo muy loco.

LB: Su álbum se filtro en Internet al menos un mes antes de su salida oficial. ¿Cómo los ha afectado esto como músicos y qué impacto ha tenido en la gira y las ventas del disco?

JJ: Quién sabe en realidad. Es molesto, pero así es y no podemos cambiarlo. Es extraño como la música se ha convertido en esta cosa que no puedes controlar, pero en cierto modo creo que también es liberador – le pone menos límites a las cosas. Tienes que saber que una vez que terminas algo estará allá afuera.

LB: ¿Sienten que el hecho de que más gente en el mundo tenga acceso a su música, ya sea comprando los discos o descargándola gratis, incrementará su número de fans?

JJ: Eso espero…

LB: ¿Qué hacen, como banda, para detener la piratería, si es que hacen algo del todo?

JJ: Nada. Sin embargo, tratamos de animar a la gente a que si quieren que las bandas sigan haciendo discos, intenten y compren los discos o al menos paguen por las descargas porque grabar un disco cuesta…

LB: ¿Qué opinan de la idea de Nine Inch Nails, Radiohead y otras bandas al regalar sus más recientes discos por Internet?

JJ: No estoy seguro. Básicamente todas las bandas están haciéndolo (regalar su música por Internet), aunque no lo anuncien. Puedes conseguir gratis en Internet música de cualquier banda que exista o puedes comprarla. La opción siempre es tuya como el consumidor.

LB: Acaban de anunciar un show muy especial de “An Evening with My Morning Jacket” en el Madison Square Garden (en Nueva York) para el día de año nuevo. No puedo pensar en muchas cosas mejores que hacer que ir a una de sus presentaciones en un día de tanta fiesta como ese. ¿Cómo surgió todo esto? Se que es muy pronto pero, ¿están planeando alguna sorpresa especial para ese show?

JJ: Estamos muy emocionados. Tocar en el Madison Square Garden el día de año nuevo (31 de Diciembre) es un sueño de nuestra niñez hecho realidad, ¡ni mas ni menos! Planeamos que haya mucha diversión.

LB: ¿Tienen planes de regresar a México para presentarse solos? (shows tipo “An evening with My Morning Jacket” ¿tal vez?)

JJ: Pasé algún tiempo visitando México después de que tocamos en el festival. Fuimos a Teotihuacan y también dimos la vuelta visitando pueblos pequeños. Me impresionó mucho la belleza natura y lo amigable de la gente en México. Hay tanto por ver y hacer – tengo sentimientos muy calidos de México. Tenemos la intención de regresar a México tan pronto como podamos. Ojalá tengamos la oportunidad.

Y así concluye esta pequeña entrevista con Jim James de My Morning Jacket, quienes dieron un gran recital en el Autódromo Hermanos Rodríguez, de quienes obtuvimos una agradable plática para LifeBoxset.com

Por Barry Burns de Mogwai
Fotos por Toni François
English Version, Unedited Text, Click Here

Mogwai visitó Mexico para ofrecer un par de conciertos en Guadalajara y en la Ciudad de México. Podríamos detallarles los setlists, hablar sobre leyes de tiempo de llegada, si el sonido del lugar fue bueno, si nos remontó a momentos o lugares, etcétera. Pero esta vez, decidimos pedirle a alguien más que nos ayudara con esta reseña. Con ustedes, Barry Burns de Mogwai y su reseña sobre su viaje a México.

Esto es lo que pasó en nuestro viaje a México.

Todo comenzó con un viaje extremadamente temprano de Glasgow a Ámsterdam. Después, de Ámsterdam a la Ciudad de México para finalizar con un viaje de la Ciudad de México a Guadalajara, todos los viajes en la comodidad de… mmm… clase económica. Es la buena vida que nos toca a nosotros los grandes rock stars. Llegamos a Guadalajara, con únicamente una pieza de equipaje perdida (¡nada mal!), y nos encontramos con Héctor Mijangos, un gran amigo, promotor y dueño de la compañía disquera. El tipo es como un ícono de la moda y, en mi opinión, hasta cierto punto quisiera verme como él. Nos fuimos al hotel después de que algunos de los chicos fumaran sus cigarros. El camino al hotel nos tomó una hora. Después descubrimos que cada viaje en auto/camioneta toma una hora, en cualquier lugar de México, por los problemas de tránsito.

Dejamos nuestras cosas en el hotel y Héctor nos llevó a un restaurante que estaba cerrado, ya eran las 11:30 p.m. Eventualmente llegamos a otro lugar llamado Karne Garibaldi que aparentemente tiene el servicio más rápido. Ordené mi comida a las 11:45 p.m. y llegó a las 11:44 p.m. ¡Zoom! Era una especie de caldo de carne que estaba maravilloso. Junto con ella traen todas las salsas que se consiguen en México, como las salsas de tomate y tomatillo. Me encanta eso. Los demás pidieron lo mismo y los vegetarianos (por quienes siento lástima estando en México) pidieron queso a la parrilla. Esto es básicamente lo que Stuart comería durante toda su estancia en México junto con totopos y salsa.

Al día siguiente estabamos listos para el primer show que hemos dado en mucho tiempo. Fuimos al soundcheck y comimos unos maravillosos sándwiches de puerco pero no recuerdo su nombre. Son “remojables” en salsa de chile y tomate. (Nota del editor: Tortas ahogadas) Me comí dos de estas delicias. Para mí se trata todo sobre la comida cuando viajo a otros países. A algunos les gusta ir a museos, a mi me gusta comer.

Tuvimos que practicar el setlist completo y repetirlo ya que no estábamos en forma musicalmente. Después del soundcheck, Héctor nos llevó a cenar y todos comimos cosas como pollo con mole y muchos tacos. ¿Adivinen qué pidieron los vegetarianos? Sí. Queso con salsa de queso cubierto de queso.

Ellos pidieron cerveza de queso. Yo pedí Tequila y algunas cervezas para después darme cuenta de que ya estaba borracho y debía parar de beber. De regreso en el foro, habían colocado más queso y carnes en nuestro camerino pero John y yo decidimos que sería un desperdicio si nadie se lo come así que tomamos las bandejas y fuimos con el público a ofrecerles la comida, como meseros. Extrañamente, algunos creyeron que éramos mexicanos (soy tan blanco que casi soy transparente) y me hacen preguntas, yo les contesto algo como “no habla español” o algo así, y entonces entienden que puede que sea escocés o algo así. Eso causó una gran confusión pero fue divertido.

Tocamos el show y, en mi opinión, estuvimos extremandamente mal. No como el disco de Michael Jackson Bad, mal como George Bush. Todas las guitarras están un poco jodidas y no se mantienen afinadas. Tocamos un encoré (aún no sé por qué) y John corre hacia el escenario, tropieza y cae sobre la tarima de la batería para levantar una ovación de los “Guadalajarianos”. Esto es lo más relevante de la noche ya que la última canción estuvo terrible. Oh bien, se vive y se aprende.

De regreso a nuestro hotel, nos encontramos con una de las lluvias mas fuertes que jamás habíamos visto en nuestras vidas. Había truenos y relámpagos cada tres segundos y parecíamos niños: asustados y emocionados. Los caminos parecían ríos y las coladeras fuentes. No creo que cuando la gente de Europa vino por primera vez a México haya sido en temporada de lluvias. ¡Hubieran regresado a casa muy pronto!

Al día siguiente nos levantamos para un corto viaje a la Ciudad de México y tener un día libre. Llegamos al hotel y decidimos no salir en todo el día y solo beber. Bajé para comer en el hotel y esta vez ordené pescado. Lo que llegó fue muy gracioso. Era pescado con lo que parecía ser salsa de helado de fresa derretido con chiles poblanos. Continué mirando al mesero para ver si no se estaba riendo cuando para cuando le diera el primer bocado y ver si era una broma pesada del chef. Pero no. Aparentemente a la gente en México le gusta comer pescado a la fresa. Muy interesante.

Supongo que debería salir a conocer más de la ciudad pero soy un holgazán y en vez de eso, John, Ozzy (técnico de guitarras) y yo bebimos en el cuarto de John y escuchamos nuestro iPod en un estereo pequeño que el hotel presta a cada habitación (buen detalle, pero hablaré más sobre esto adelante).

Llega la hora de cenar y Hector nos lleva a otro lugar llamado “Leon Dorado” o algo así y nos toma una hora llegar. Le pedimos que ordene algo de carne pero lo que llega a la mesa no es algo que realmente llamemos “carne” en Escocia. Es… es basicamente…. La cara de un jodido puerco y no se qué más. Tal vez riñones, higado. Puedes ver los pelos en su nariz. Dios. Cortesmente pido unos tacos de pollo. John come algo de “cara” y se ve muy, muy enfermo. Él no quiere ir de fiesta esta noche y decide irse a casa con los otros. Ozzy y yo vamos de vuelta a una fiesta cerca de las oficinas de Noiselab y conocemos a algunas personas muy amables que, de hecho, hablan muy buen Inglés (de hecho, uno de ellos solía vivir en un área de Glasgow donde mi esposa y yo solíamos vivir, es un mundo pequeño). Seguimos despiertos un rato mientras nos emborrachamos para después regresar al hotel. Logro lavarme los dientes en mi borrachera. Al día siguiente se me antoja nadar un poco así que decido llamar a la recepción…

-Yo: Hola, ¿Habla Ingles?
-Mujer: Yis
-Yo: ¿Dónde está la alberca del hotel?
-Mujer: Yis
-Yo: Hmmm. Okay, ¿Hay una alberca en el hotel?
-Mujer: White plees
-Yo: Ok, Gracias
-Hombre: Hola, ¿puedo ayudarle?
-Yo: Si, ¿dónde está la alberca del hotel?
-Hombre: ¿Que tiene un problema con su conexión a Internet?
-Yo: Hahaha! No, Er… ¿hay una alberca aquí?
-Hombre: No, hay un centro de negocios.
-Yo: Oh, ok, (me pregunto si puedo ir a nadar al centro de negocios…) Gracias, bye!
-Hombre: Okay, bye.

Ahora tenemos que ir al soundcheck (lo que nos toma una hora para llegar) y creo que algunos de la banda tienen problemas de estómago porque no estamos acostumbrados al agua o algo. Mi estómago es de acero así que me siento bien. El lugar del concierto es bastante grande y se ve bien. Damos algunas entrevistas y fotografías para la prensa y televisión mexicana y el soundcheck después sale bastante bien. El sonido es mejor que en Guadalajara.

Después, como siempre, Hector nos lleva a cenar. Todos comemos cosas como enchiladas y sopa. Buena comida mexicana. Por supuesto los vegetarianos comen queso y frijoles. Pobres bastardos.

Nos encontramos con Austin TV quienes tocaron con nosotros la ultima vez que estuvimos en la ciudad de México. Recuerdo que se vestían como conejos y eso. Estuvieron bastante bien aquella vez y esperaba verlos tocar. Me dijeron que ahora se visten como árboles porque grabaron su ultimo album en el bosque, lo que suena bastante similar a lo que hicimos para nuestro disco “Come On Die Young” en las afueras de Nueva York.

Los vimos tocar y le gustaron a la gente también. La mascara del baterista es absolutamente increíble. Más bandas necesitan usar máscaras. Si Mogwai tuviera máscaras desde el principio, la gente tal vez pensaría que somos guapos debajo de la máscara… pero no somos. No importa. Criaturas feas de Escocia.

Llega nuestro turno para tocar. Y sale mucho mejor que la otra noche. Tocamos la mayor parte del show bastante bien y es agradable regresar a esto de nuevo. Probablemente debimos tocar un encore porque la gente cantaba “¡Mogwai! ¡Mogwai!” al final pero estamos tratando de no hacerlo. Ahora simplemente tocamos sets mas largos.

Después del show nos encontramos con algunas personas que ganaron un concurso y son todos tipos muy muy agradables. Nadie trató de matarnos con cuchillos peligrosos, lo cual fue muy gentil. Teníamos un vuelo temprano a la mañana siguiente y era hasta Calgary, en Canada, así que decidimos tomar unos cuantos tragos e ir a dormir.

Alguien llama a mi cuarto de hotel cerca de las 4 a.m. y me asusta. Yo sólo veía el telefono, sonando, y casí tengo un colapso nervioso porque estoy muy confundido y cansado. Sigo viendolo y pienso “Por favor, por favor, por favor, deja de hacer ruido, ¡argh!” y finalmente lo hace. Y, ¿recuerdan el pequeño estéreo para iPod en el cuarto de hotel? Bueno, algún absoluto idiota y su novia estaban en el cuarto junto al mío, a las 7:30 de la mañana tocando canciones de Madonna a todo volumen y cantando. Tuve que golpear la pared con mi mano pero eso no funcionó así que llamé a la recepción y la mujer contestó:

-Yo (Cansado y molesto): ¿Habla Ingles?
-Mujer: Yis
-Yo: Hay gente tocando música muy fuerte en el cuarto de al lado. Por favor mande a alguien a callarlos.
-Mujer: Ok, bye

Veinte minutos después me di cuenta que la mujer no entendió nada de lo que le dije. Nadie viene. Así que llamo otra vez. Contesta un hombre y parece entender así que como un minuto después escucho como toca a su puerta y el volumen de la musica baja rapidamente, pero no se apaga. Porque demonios tienen musica tan fuerte a esta hora de la mañana. Yo creo, ¿Cocaina? Tal vez.

De cualquier forma, nos subimos todos al autobus y nos damos cuenta que no hay lugares suficientes para todos así que Ozzy tiene que sentarse en el piso. Entonces el chofer dice “Olvidamos traer a la chica de Noiselab, necesitamos regresar” pero Simon, nuestro Tour Manager, se molesta y dice “¿¿¿Donde se van a sentar??? Ya tenemos a una persona de mas, diles que pidan un taxi!” Todos nos reimos. Loco.

Llegamos al aeropuerto sin muchas ganas de volar por mucho tiempo, especialmente cuando tenemos que parar en Houston (agujero de mierda) en los EUA (agujero de mierda) y tenmos que lidiar con su estupida migración y aduanas aunque sólo vayamos de paso a Canada (no agujero de mierda).

Ha sido un viaje divertido a México y esperamos que podamos tocar en más lugares la próxima vez. Creo que Martin y Dominic tuvieron problemas de estomago así que no lo disfrutaron tanto como el resto, una pena, pero la próxima estoy seguro que estaremos todos bien. ¡Y mejores tocando estas canciones!.

O.K., adiós por ahora.

Por Miguel Esparza

Colaborando desde la ciudad de los rascacielos, New York, Miguel Esparza nos envía esta corta entrevista con los australianos Cut Copy. Ellos participaron recientemente en la edición 2008 del MX Beat en la ciudad de Toluca y colocaron reciéntemente su LP debut titulado In Ghost Colours del que ahora suenan canciones como “Lights & Music” y “So Haunted”.

¿Cómo se sienten en su gira por Norteamerica, como se sintieron en México?

Quedamos realmente sorprendidos, alguna vez nos habían dicho que teníamos seguidores en México, pero nunca creímos que fuera así, fue una experiencia un poco rara ya que era la primera vez que estábamos ahí. Fue en un festival en las afueras de la Ciudad de México y cuando estábamos en el hotel nos preguntábamos lo que iría a pasar y si alguien iría a vernos. Todo termino siendo perfecto.

Exactamente hace un año estaban en N.Y. grabando su nuevo disco. ¿Qué se siente regresar a tocar sus nuevas canciones y su experiencia en el estudio con Tim Goldsworthy de DFA records?

Es muy extraño a pesar de que hace un año estábamos aquí, sentimos que nunca nos fuimos de Nueva York, parece que nada ha cambiado, todo sigue igual. Trabajar con Tim fue una muy buena experiencia, tenemos tantas cosas en común y los mismos gustos musicales provocaron que la grabación terminara siendo bastante fácil. Somos buenos amigos, terminamos probando algunos instrumentos retro y algunos otros que nunca imaginamos tocar. Al final decidimos cuales podrían quedar dentro del disco y cuáles no.

En el disco So Cosmic, ustedes mezclan algunas las influencias que les ayudaron a grabar este disco. ¿Tienen alguna inspiración (arte, peliculas u otros artistas) que los inspire a hacer musica? En cuanto al diseño de arte de los álbumes y proyectos, ¿cómo deciden trabajar con ellos?

Estamos inspirados por diferentes soundtracks de películas de John Carpenter y somos fans de Richard Prince. En cuanto al diseño, todos colaboramos con ideas, Tim estudió arte y también estudiamos diseño por lo que mantenemos el control de nuestro arte. Pero creemos que cualquier cosa nos puede inspirar a componer música, muchas ideas pueden traducirse en música.

¿Empezaron como DJ’s o como banda?

Empezamos con un programa de radio, después empezamos a tocar en fiestas, después a producir y así decidimos empezar a tocar música.

¿Cómo se sienten ahora que Modular Records, una disquera relativamente grande, y cómo es su relación con ellos?

Cuando empezamos, nunca creíamos que fuera a crecer tanto. La relación siempre ha sido de amigos. Pero aún así tuvimos problemas con el lanzamiento del disco y muchos atrasos. Sigue siendo frustrante…

Han pasado 3 años. ¿Cómo se sienten como banda? ¿Con quién les gustaría colaborar?

Todo empezó como una banda, sólo queriendo hacer música. No nos podemos quejar, ha sido bastante bueno. Nos gustaría colaborar algún día con Thurston Moore, Kevin Shields o con Midnight Juggernauts.

“Anything can inspire music. Any ideas can be translated into any music format”

Primera Parte: La gira en California antes de Coachella, una forma de calentar los motores y preparase para el gran festival. Tijuana, Oxnard, Chula Vista y más lugares cada uno con aventuras distintas.

Segunda Parte: La llegada al Coachella y la experiencia de ver cinco escenarios y muchas bandas durante el primer y segundo día del festival.

Tercera Parte: Los sucesos del tercer día en Indio, y la última parte de la reseña sobre el Coachella como espectador.

Cuarta Parte: El momento climático del viaje, todos los detalles sobre qué se siente tocar en el escenario principal del Coachella Valley Music & Arts Festival, la logística detrás del escenario, las emociones y los sucesos importantes así como curiosos. Un final para este primer especial de parte de Rata de Austin TV para Life Boxset.